Mayo del 2007


Periodismo Gonzo

Publicado en Cosas curiosas el 30 de Mayo, 2007, 18:27 por themackintoshman

Cartel Gonzo.
Cartel Gonzo.

El Periodismo Gonzo es un estilo de reporteo, sub-género del Nuevo Periodismo, que plantea un acercamiento directo al objeto (la noticia), llegando hasta el punto de influir en ella, y volviendo al periodista en parte importante de la historia, como un actor más; también suele imprimir más importancia al contexto que al texto, es decir, da preponderancia al ambiente en que ocurre tal hecho, por sobre el hecho mismo. El término se usó especialmente para describir el distintivo estilo narrativo del periodista y escritor estadounidense Hunter S. Thompson.

Orígenes

El término gonzo de por sí está lleno de controversia y confusión. Algunos erróneamente lo atribuyen al propio Thompson, aunque la verdad es que el término fue aplicado por primera vez en 1970 por Bill Cardoso, del diario Boston Globe, quien catalogó al artículo "El Derby de Kentucky es Decadente y Depravado" (The Kentucky Derby is Decadent and Depraved), como "¡Gonzo puro!". El término parece provenir de la jerga irlandesa, refiriéndose al último hombre que queda en pie luego de un "maratón de alcohol". Gonzo ha llevado a significar también bizarro, y se ha aplicado a muchos otros estilos de interpretación subjetiva, desde la fotografía y el cine, hasta los videojuegos y la pornografía.

Hunter S. Thompson

El Derby de Kentucky es Decadente y Depravado es considerado el primer artículo propiamente gonzo, además del primero en ser bautizado como tal. En él, Thompson retrata no lo acontecido en la carrera (que era lo que su editor le había pedido que hiciera) sino todo el mundo y comunidad alrededor de éste, describiendo el alcoholismo y la decadencia de la multitud que se formaba entre el público. Thompson (en una práctica que caracterizaría su carrera) estaba atrasado para entregar el reportaje y no había escrito prácticamente nada, por lo que, resignado, envió sus apuntes desordenados y sin revisar al diario, seguro de ser despedido. Al poco tiempo después, su editor lo felicitó por el "excelente artículo" que había escrito y que fue publicado y recibido con gran entusiasmo por el público.

Rolling Stone

Para muchos, la revista Rolling Stone fue la cuna de los primeros autores gonzo, y donde se le dio mayor cabida a este nuevo estilo que surgía. Sin embargo, muchos autores le restarían importancia como otro aparato del sistema, especialmente luego de su traslado a Nueva York en la década de los '80. Lester Bangs, por ejemplo, fue despedido por "faltarle el respeto a los músicos", práctica que tanto Bangs como Rolling Stone explotaron con anterioridad con el periodismo gonzo y por el que se hicieron conocidos.

Influencias

Los antecedentes del periodismo gonzo se pueden rastrear hasta el Nuevo Periodismo, estilo de vanguardia en la época, que privilegiaba la visión subjetiva por sobre la objetividad, y la narración más literaria por sobre la la pirámide invertida. También es posible encontrar puntos en común con el movimiento Beat y la escritura libre y deshinibida de Jack Kerouac. Sin embargo, el trato mucho más crudo, la apología al alcoholismo y las drogas y el ya mencionado "estilo particular" de redacción de Thompson, hacen del periodismo gonzo un género propio, que incluía tanto trabajo periodístico como una "imagen a lo gonzo", a imitación de Thompson, y que cultivarían otros autores, como Lester Bangs y P.J. O'Rourke.

Estilo

Subjetivismo

El principal pilar de aquello que podríamos llamar periodismo gonzo es la subjetividad, entendiéndose esta al extremo de que el sujeto observador del hecho llega a convertirse en actor, se involucra con lo que intenta describir, y por ello también su narración se ve fuertemente encadenada a su propia visión de los hechos. Como ser inmerso en la realidad que observa, suele mostrar también el entorno social y humano que rodea a los acontecimientos, como si fuese uno más dentro del grupo, con propios juicios de valor, interpretaciones personales y elementos más bien de un narrador literario, en la primera persona singular, que en la impersonal voz de un periodista tradicional. Por ello, es también común que elementos de ficción se entrelacen fácilmente con el reporteo objetivo, para darle así importancia a las sensaciones que producen un acontecimiento, en vez de los hechos mismos que lo conforman.

Drogas y alcoholismo

Otro elemento con que se identifica al periodismo gonzo es la descripción copiosa y orgullosa del consumo de drogas y alcohol, como otro factor que distorsiona la visión objetiva y que otorga la motivación al periodista. De hecho, una de las claves para entender la narrativa de Hunter S. Thompson es el uso a destajo de cuanta droga fuese posible encontrar. Como menciona Thompson en una entrevista:" Odio tener que abogar por las drogas, el alcohol, la violencia o la locura, pero es que siempre han funcionado para mi". Aunque para muchos el consumo de sustancias es la pieza clave del periodismo gonzo, autores como Lester Bangs criticaron en su momento esta práctica, por considerarla después de cierto tiempo agotada y hasta cliché.

Nixon y la crítica al sistema

El periodismo gonzo ha sido históricamente vinculado a la contracultura, y en especial a los movimientos anárquicos y revolucionarios, sobre todo porque en sus orígenes estuvo siempre en la trinchera del hippismo, el movimiento contestatario de fines de los '60. Los textos de Thompson y de los autores gonzo en general, mostraban un fuerte desprecio por el statu quo y las autoridades en el poder, siendo un blanco típico el presidente de Estados Unidos durante la guerra de Vietnam y el movimiento hippie, Richard Nixon. Thompson en particular mostraba un desprecio feroz por Nixon, llamándolo directamente "un ladrón" y describéndolo como "un monumento a todos los genes podridos y cromosomas rotos que hicieron posible la corrupción del sueño americano".

Lolo Rico.

Publicado en Si, soy un freak el 29 de Mayo, 2007, 11:17 por themackintoshman

El anuncio nuevo de Coca - cola, me ha puesto nostálgico, qué queréis? sólo discrepo de el , en una cosa, la Coca - Cola, con Santa Teresa, y un chorrito de limón exprimido, pero vamos a lo que vamos, nuestra generación, le debería levantar un monumento a ésta Sra.


Nació en Madrid (España). Estudió en el Colegio de las Madres irlandesas y a los 12 años su padre la aficionó a la lectura. Con el paso del tiempo se convirtió en una entusiasta de la literatura y artes, por esa razón comenzó a estudiar Bellas Artes. Pero al comprobar que lo suyo no era el dibujo ni la pintura, decidió desarrollar su faceta artística en otros campos y estudió periodismo.

Al finalizar la carrera comenzó a escribir cuentos para niños y trabajó en Radio Nacional de España, para posteriormente unirse al equipo de TVE donde ejerció como guionista de programas infantiles como "La casa del reloj" (1971-74) o "Un globo, dos globos, tres globos" (1974-1979).

Pronto se convirtió en una de las la primeras directoras de programas de televisión en España y en 1981 creó y dirigió el espacio infantil "La cometa blanca", que combinaba skethes (protagonizados por actores como Jaime Blanch, Luis Perezagua, Mari Luz Olier, Alfonso Vallejo, Maite Tojar o Ruth Gabriel) con actuaciones musicales y diversos fragmentos de animación como "Ábrete Sésamo". Este programa funcionó muy bien entre la audiencia infantil y se mantuvo en antena hasta 1983.


En 1984 TVE le encargó un programa infantil y juvenil destinado a las mañanas de los sábados y que sería emitido en TVE-1. Lolo Rico aprovechó esta oferta para crear, escribir y dirigir uno de los programas más exitosos, divertidos, originales y transgresores de la historia de la televisión española, "La bola de cristal". La presentadora principal del programa fue la cantante mexicana pero española de adopción Olvido Gara, más conocida como Alaska, que interpretaba a una bruja postmoderna.


El programa empezó su andadura el 6 de octubre de 1984. Tras los títulos de crédito en los que se incluía la sintonía de cabecera "Abracadabra", se dividía en varios apartados: El primero de ellos era "Los Electroduendes" y estaba dirigido hacia el público preescolar. Se utilizaban a unos personajes de guiñol para escenificar a Los Electroduendes, unos pequeños seres que formaban parte de la técnica del medio televisivo y recibían los nombres de Maese Cámara, Maese Sonoro, el Hada Vídeo, la Bruja Truca y la temible Bruja Avería (a la que la emblemática actriz de doblaje Matilde Conesa prestaba voz). Su función era burlarse de los presentadores Isabel Bauza y Gerardo Amechazurra provocando todo tipo de fallos técnicos durante la transmisión. En una etapa posterior del programa "Los Electroduendes" comenzaron a ser utilizados para realizar sátira social. Esta sección iba acompañada de pequeños clips musicales en los que estos seres interpretaban canciones como "El diablo sobre ruedas" (compuesta por el grupo "Los Rebeldes") o "Esclava del mal" (creada por el ya fallecido músico Carlos Berlanga), aunque otras corrían a cargo de Alaska, como la mítica "No se ría de la Bruja Avería" (obra del cantante Santiago Auserón). Otras secciones incluidas en este apartado fueron las series de animación "Los plastinots", "Little misses", "La gata loca" y "Desenseñar a desaprender".
Posteriormente se complementaba con entrevistas a personajes famosos que daban paso a diversos vídeoclips con canciones originales para el programa compuestas por los propios artistas que las interpretaban como fue el caso de Kiko Veneno (con "No adivino nada" y la que interpretaba disfrazado del monstruo de Frankenstein, titulada "Enamorada de Frankenstein"), Santiago Auserón ("Hola que tal") o Loquillo ("Va por la ciudad" y la rockabilly "El pupitre de atrás").


El resto de programa estaba más orientado hacia el público
juvenil y se componía de otros bloques. En "El librovisor", uno de los objetivos era fomentar valores educativos como la lectura y hasta se aconsejaba que no era recomendable ver demasiada televisión. Alaska intervenía en diversos sketches relacionados con la literatura y el cine en los que también participaban actores como Miguel Ángel Valero (el entrañable Piraña de "Verano azul, algo más crecidito en el papel del detective juvenil Mantequilla), Luis Perezagua (el habitual secundario que prestaba su voz a Maese Cámara y que luego sería recordado por su personaje de Teo en "Los mundos de Yupi") o Fedra Lorente (la popular Bombi del "Un, dos, tres") Mención especial merecen unos jóvenes Pablo Carbonell y Pedro Reyes, ambos recién salidos de sus primeras actuaciones ambulantes en El Parque del Retiro de Madrid y que fueron descubiertos por Lolo Rico para dar el toque surrealista con sus participaciones en los disparatados sketches (que en ocasiones destilaban un inesperado y adulto humor negro, para muestra, recordar el de "La caja de ahogos y tensiones"). Otras secciones de este bloque fueron "El circo de la cultura", a cargo de los actores Mercedes Sánchez y Nicolás Barrero o la parodia de personajes de la alta sociedad "Vidas ejemplares".


La tercera parte recibía el nombre de "La banda magnética" y en ella se emitió en un principio la larga serie de cortometrajes cinematográficos de los años 30 "La pandilla". Que narraba las historias de una singular pandilla de niños encabezada por Alfalfa (Carl Switzer), que se involucraba en todo tipo de líos y travesuras.

Con el paso de los años en este fragmento se emitieron reposiciones de las series "La Familia Munster" y "Embrujada", siendo descubiertas para una nueva generación de espectadores. Al mismo tiempo se incluyeron fragmentos de antiguos programas de TVE como "Cesta y puntos" o "Los chiripitiflauticos", además del concurso "La chica de la bola" y el monográfico "Actores míticos del cine". Este bloque se completaba con "La entrevista del patito", en la que la propia Lolo Rico (que también colaboró en algunos sketches o introducciones del programa) entrevistaba a personajes famosos acompañada de un pato.


A partir del programa número 21 se creó un nuevo apartado denominado "La cuarta parte" y en la que se emitían los contenidos más transgresores (razón por la que en ocasiones este fragmento del programa se presentó separado de "La bola de cristal" en las parrillas de programación). En este bloque se emitieron series como "El hombre invisible" o un espacio interpretado por Alaska y el actor Quique San Francisco sobre los signos del Zodiaco. Mientras que en "El cuarto hombre", Javier Gurruchaga emulaba a James Bond para presentar un noticiario de lo más disparatado. En el apartado musical "Los videoclips de la bola" se incluían diversos videoclips de los grupos de moda realizados por el equipo del programa, además de grabaciones de diversos conciertos en directo. La participación de la mayoría de solistas, bandas de rock y pop españolas convirtieron al programa en todo un referente musical del momento. La lista es realmente impresionante: Toreros Muertos (el gamberro grupo del omnipresente Pablo Carbonell), Hombres G, La Unión, Gabinete Caligari, Golpes bajos, Ariel Roth, Siniestro total, Duncan Dhu, Alarma, Nacha Pop, La frontera, Burning, Objetivo Birmania, Danza invisible, Los Nikis, El último de la fila, Glutamato Ye-ye, Pistones, Mecano, Los secretos, Los Ronaldos, Ramoncín y como no, Javier Gurruchaga y la Orquesta Mondragón, entre otros muchos. Tras la marcha del programa de Javier Gurruchaga, se crearon nuevos espacios en esta parte del programa como "El asombroso show de Pedro Reyes" o "The Traka" (unos sketches que homenajeaban al cine mudo y que eran ideados por un grupo teatral en el que participaba una por entonces desconocida Anabel Alonso) y el espacio de guiñoles satíricos "TVE Presenta". El 25 de junio de 1988 se emitió el programa de despedida. Durante sus cuatro años de emisión TVE dio total libertad a Lolo Rico para hacer un programa fresco y diferente que aún perdura en la memoria colectiva (algo totalmente impensable en la actualidad) y que con el paso de los años ha sido considerado de culto y ha tenido un revival con su edición en DVD y su reposición en el canal digital TVE 50. "La bola de cristal" fue sustituido por otro espacio infantil llamado "Cajón desastre", presentado por una joven Miriam Díaz Aroca, un programa muy entretenido pero menos innovador.


Tras finalizar "La bola de cristal", Lolo Rico siguió vinculada a TVE, en 1991 fue productora ejecutiva de la serie "Tercera planta, inspección fiscal" y durante años fue regidora del canal hasta que abandonó la televisión pública en 1999. Como autora, ha publicado varios libros como "Televisión, fábrica de mentiras", "Si tu hijo te pide un libro", "El buen telespectador" o "El libro de La bola de cristal" (en el que hace un repaso por la historia del programa). También ha participado en un proyecto relacionado con las nuevas tecnologías vinculado a la Universidad de Alicante. En fechas cercanas ha concedido diversas entrevistas donde muestra su desagrado hacia programas como "Gran Hermano", se ha quejado de la escasa atención que recibe la programación infantil en los canales generalistas.

Otro artículo sacado de: http://www.lacoctelera.com

Los Goonies

Publicado en Cine mudo, clásico y cine que nos marcó. el 29 de Mayo, 2007, 9:14 por themackintoshman

Lo sabeis, sé que lo sabéis, que soy algo rarito; y he encontrado éste artículo en : http://www.lacoctelera.com/quefuede/post/2007/05/24/los-actores-los-goonies  , y no me he podido resistir a copiarlo, el artículo se llama ¿Qué fué de los actores de los Goonies?, por que somos de la generación que sobrevivió a los vaqueros láser, y a las hombreras....


La película "Los Goonies" fue dirigida en 1985 por Richard Donner, que también produjo el film junto a Steven Spielberg, Kathleen Kennedy, Frank Marshall y Harvey Bernhard. El guión se basaba en una idea del propio Spielberg que luego fue desarrollada por Chris Columbus. Su argumento recordaba en cierta forma a las novelas juveniles de "Los cinco" creadas por la británica Edith Blyton, aderezadas con algunos elementos de comedia juvenil y cierto aire al cine aventuras tan de moda en los 80 gracias al éxito de la saga de "Indiana Jones".


La historia giraba en torno a "Los Goonies", una pandilla de niños formada por Mikey Walsh (Sean Astin), Lawrence "Gordy" Cohen, Richard "Data" Wang y Clark "Bocazas" Devereaux (Corey Feldman), los cuales deciden introducirse en una aventura con el objetivo de encontrar el tesoro perdido de un legendario pirata llamado Willie "El Tuerto". De manera un tanto casual, el hermano adolescente de Mikey, llamado Brand (Josh Brolin), así como la chica de la que éste está enamorado, de nombre Andy Carmichael y una amiga de esta última, llamada Stef Steinbrenner (Martha Plimpton), también acabarán inmuscuidos en esta singular búsqueda que los introducirá en una gruta secreta.


Por otra parte, una familia de maleantes apellidada Los Fratelli y compuesta por Mamá Fratelli (Anne Ramsey, fallecida el 11 de agosto de 1988 a consecuencia de un cáncer de garganta), Jake (Robert Davi) y Francis (Joe Pantoliano) tratarán de arrebatar el ansiado tesoro que buscan los protagonistas, aunque tendrán un imprevisto con el que no contaban y es que la pandilla no se lo pondrán nada fácil y además Lotney "Sloth" Fratelli (John Matuszak, actor fallecido el 17 de junio de 1989 a consecuencia de un ataque al corazón), el tercer hijo de la familia que es un gigantón deficiente y de rostro deforme (pero de buen corazón) también se aliará a Los Goonies.

El film contó con un excelente diseño de producción, un buen trabajo de efectos visuales y una banda sonora a cargo de Dave Grusin. También podemos señalar que su tema central titulado "Goonies R' Enough" fue interpretado por la cantante Cindy Lauper. La película obtuvo una buena acogida comercial y con el paso del tiempo se ha convertido en uno de esos films que marcaron a toda una generación de espectadores infantiles y juveniles en los 80. Como dato curioso podemos señalar que en 1987 se realizó un vídeojuego que fue una continuación del film en toda regla, titulada "The Goonies 2".

En lo relativo a sus actores protagonistas, a Josh Brolin y Sean Astin los hemos podido ver con más frecuencia en cine y televisión hasta la actualidad, razón por lo que sólo repasaremos sus trayectorias brevemente a modo de información complementaria:


Josh Brolin nació el 12 de febrero de 1968 en Los Ángeles, California (USA). Es hijo del actor James Brolin (famoso por su papel de Peter McDermott en la serie "Hotel" y actual marido de Barbra Streisand). Tras su debut con el papel de Brand en "Los Goonies", protagonizó la película sobre monopatines "Trashin': Patinar o morir" e interpretó a Wild Bill Hickock en la serie de tres temporadas "Jóvenes jinetes" (1989-1992). Ha trabajado como actor secundario en películas como "Flirteando con el desastre" (1996), "Mimic" (1997) de Guillermo del Toro, "Escuadrón oculto" (1999), "El hombre sin sombra" de Paul Verhoeven, "Melinda y Melinda" (2004) de Woody Allen o "Inmersión letal" (2005). En 2007 ha estrenado "No Country for Old Men" de Los Hermanos Coen y "Planet Terror" de Robert Rodríguez, este último es uno de los dos films que integran el programa doble de "Grindhouse" (el otro es "Death Proof" de Quentin Tarantino") y que lamentablemente ha sido distribuido en dos partes para su exhibición europea, sin respetar así su formato original norteamericano. Entre sus films pendientes de estreno para 2007 figuran "American Gangster" de Ridley Scott e "In the Valley of Elah". En lo personal estuvo casado con la intérprete Alice Adair (junto a la que tuvo 2 hijos) y desde 2004 está unido en segundas nupcias a otra actriz, en este caso la bellísima Diane Lane.


Sean Astin nació el 5 de febrero de 1971 en California (USA). Aunque debutó como actor en el telefilm "Please Don't Hit Me, Mom" (1981), su papel de Mikey en "Los Goonies" fue su presentación cinematográfica. A finales de los 80 fue secundario en films como "La guerra de los Rose" (1988) de Danny De Vito. Tras intervenir en películas como "Menphis Belle" (1990), "Operación soldados de juguete" (1991), "El hombre de California" (1992) o "Rudy, reto a la gloria" (1993). A mediados de los 90 se le perdió la pista con películas y telefilms poco relevantes. Pero a principios del siglo XXI Peter Jackson le dio el papel de su vida como Sam Gangee en la trilogía de "El señor de los anillos". Tras este gran éxito, últimamente ha combinado papeles secundarios en comedias como "50 primeras citas" (2004) o "Click" (2006) (ambas protagonizadas por Adam Sandler) , con apariciones como invitado en las series "Las Vegas", "Jeremiah" o "24" y también ha colaborado en miniseries como "Hércules" (2005). En 2007 ha intervenido en las películas "The Final Season", "My Wife Is Retarded", "Borderland y "What Love Is" y aún tiene pendiente de estreno el drama "Forever Strong". Desde 1992 está casado con la productora Christine Astin y ambos son padres de dos hijos llamados Alexandra y Mackenzie.

En lo referente al resto de actores:


COREY FELDMAN (CLARK "BOCAZAS" DEVEREAUX):

Nació el 16 de julio de 1971 en Chatsworth, California (USA).
Es hijo de Bob y Sheila Feldman y tiene tres hermanos llamados Mindy (también actriz), Eden y Devin. Comenzó en el mundo de la interpretación a la edad de 3 años apareciendo en spots publicitarios para marcas como McDonalds. A finales de los 70 y principios de los 80 colaboró en episodios de las series "Con ocho basta", "Mork y Mindy" y "Vacaciones en el mar". En 1979 actuó en la serie "The Bad News Bears" y debutó en el cine con la película de aventuras "Los pasajeros del tiempo". Tras intervenir en telefilms como "How to Eat Like a Child" (1980) y "Love, Natalie" (1980), en 1981 prestó su voz al largometraje animado de Disney "Tod y Toby". En 1982 participó en la serie de corta vida "Madam's Place" y dos años después fue actor invitado en un episodio de "Cheers".


A mediados de los 80 realizó papeles secundarios en las películas "Viernes 13: capítulo final" (1984) y "Gremlins" (1984) de Joe Dante. Poco a poco fue ganando cierto protagonismo gracias a su papel del liante Bocazas" en "Los Goonies" (1985) y a sus trabajos en el drama "Cuenta conmigo" (1986) de Rob Reiner y en la película de terror juvenil "Jóvenes ocultos" (1987) de Joel Schumacher, donde coincidió con su amigo Corey Feldman. Junto a este último volvería a colaborar en la comedias juveniles "Papá Cadillac" (1988) y "Dream My Little Dream" (1989). En esta última mantuvo un romance con una de las protagonistas del film, la actriz Meredith Sallenger. En 1989 tuvo un papel secundario en la comedia "No matarás al vecino" de Joe Dante.

Tras esta buena racha, tuvo una etapa conflictiva en la que fue detenido por posesión de drogas. Cuando regresó a la actuación, sus siguientes trabajos fueron subproductos de vídeoclub como "Los Albóndigas 4" (1992), "Agente secreto juvenil" (1992), "Stepmonster" (1993), "Last Resort" (1994), "Dream My Little Dream 2" (1995), "Evil Obsession" (1995) o "Desmadre en la comisaría" (1996) (una inenarrable comedia pseudoerótica que para su doblaje español se utilizaron muletillas del humorista "Chiquito de la Calzada"). En 1993 debutó como cantante de hip hop con el álbum "Honesty".

Al margen de estos films, también se dedicó a prestar su voz al personaje de Donatello en las dos primeras entregas de "Las Tortugas Ninja" e hizo breves colaboraciones en la comedia "Con el arma a punto" (1993) y en el western "Maverick" (1994) de Richard Donner. En 1995 intervino en la serie de una temporada "Dweebs" y acudió a una audición para el papel de Dick Grayson/Robin en "Batman Forever", que finalmente fue a parar a manos de Chris O'Donnell. A lo largo de los 90 también fue actor invitado en las series "Matrimonio con hijos", "Salto al infinito" y "El Cuervo".


En 1996 actuó en la comedia terrorífica "El club de los vampiros" y sus siguientes films de bajo presupuesto fueron "South Beach Academy" (1996), "The Thief & the Stripper" (1998), "Born Bad" (1999), "The Million Dollar Kid (2000), "Ciudadano Toxie: El vengador tóxico 4" (2000), "My Life as a Troll" (2001), "Bikini Bandits" (2002) y "No Witness" (2004). En 2004 actuó en la película de terror española "The Birthday" de Eugenio Mira. Como actor de doblaje ha colaborado en las series animadas "Sonic" y "Super Robot Monkey Team Hyperforce Go!". Recientemente también se le pudo ver en la primera temporada del reality show de la VH1 "The Surreal Life" (2003). En 2005 fue el protagonista de un montaje teatral basado en la película "Atracción fatal". En 2007 ha actuado en la película "The Cluster" y prepara un reality show junto a su amigo Corey Haim llamado "The Coreys: Return of the Lost Boys". En lo personal, entre 1989 y 1991 estuvo casado con la actriz Vanessa Marcil. Desde 2002 ha rehecho su vida casándose en segundas nupcias con la también intérprete Susie Sprague y ambos son padres de un hijo llamado Zen Scott.


KE HUY KUAN (RICHARD "DATA" WANG):


Nació el 20 de agosto de 1971 en Saigón (Vietnam).

Durante la guerra de Vietnam, su familia pidió asilo político y emigró a Estados Unidos. Es trilingüe (habla inglés, cantonés y mandarín).

Siempre sintió interés por la actuación, aunque entró en el mundo del espectáculo casi de casualidad. Su hermano se presentó a las pruebas de "Indiana Jones y el templo maldito" (1984), sin embargo Steven Spielberg se fijó en él y le dio el papel de Tapón, el pequeño compañero oriental de Indiana Jones (Harrison Ford) en su trepidante aventura. Para este rol, se inició en el mundo de las artes marciales con el maestro Philip Tan, prolongando su interés por el tae kwon do hasta hoy en día.


En 1985 Spielberg volvió a acordarse de él, en este caso para su producción "Los Goonies". En ella interpretaba a "Data", un genio de la mecánica que se encargaba de poner trampas (o tuanpas, como él decía) a los hermanos Fratelli.

Un año más tarde intervino en la sitcom "Together we Stand", junto a Dee Wallace Stone. En ella encarnaba a un niño oriental, adoptado por una familia norteamericana. Esta producción pasó desapercibida y se mantuvo una sola temporada en antena. Un año después actuó en la película "Passenger: Sugisarishi hibi".

Tras años de inactividad, en los 90 participó en la sexta y última temporada (1990-91) de la sitcom "Los primeros de la clase", sobre las andanzas de un curso de alumnos superdotados tutelados por el permisivo profesor Charles Moore (Howard Hesseman). Luego intervino en el largometraje de artes marciales "Breathing Fire" (1991) y realizó un papel secundario en la comedia "El hombre de California" (1992), junto a Brendan Fraser, Sean Astin y Pauly Shore.


Por esa misma época abandonó su carrera como actor para graduarse en cine por la "University of Southern California School of Cinema". En los últimos años ha desempeñado labores técnicas en varios films, siendo productor, director de fotografía y editor del cortometraje "Voodoo" (1999). También ha desempañado labores como asistente de las escenas de acción de "X Men" (2000) de Bryan Singer o como director de segunda unidad de "El único" (2001), acreditado con su verdadero nombre, Jonathan Ke Quan. En 2002 regresó brevemente a la interpretación con un papel secundario en la película "Miu haan fook wood" (2002). En 2006 trabajó en el departamento de sonido y edición de la película "The Other Side".



JEFF COHEN (LAWRENCE "GORDY" COHEN):

Nació el 25 de junio de 1974 en Los Ángeles, California (USA).

Debutó como actor a los 9 años apareciendo en un episodio de la serie "Tales from the Darkside". A principios de los 80 hizo otras colaboraciones en capítulos de series como "Webster" o "The Facts of Life".

En 1985 fue Chuck "Gordy" Cohen el niño obeso de "Los Goonies". Entre 1985 y 1986 siguió vinculado a la factoría de Spielberg colaborando en dos episodios de la serie producida por éste "Cuentos asombrosos". A finales de los 80 actuó en el telefilm "Ask Max" (1986), colaboró en dos episodios de "Los problemas crecen" y prestó su voz al especial animado "Scooby-Doo and the Ghoul" School (1988).


Tras participar en el telefilm "Perfect Harmony" (1991), decidió retirarse de la interpretación. Posteriormente se graduó en Derecho por la Universidad de Berkley y se ha dedicado a ejercer como abogado en asuntos referentes al mundo del entretenimiento. También ha ejercido como productor de los programas televisivos "Motown Live" (1998) y "The Living Century" ( 2001-2003). En 2006 realizó funciones como abogado para la película "Surveillance".


KERRI GREEN (ANDY CARMICHAEL):

Nació el 14 de enero de 1967 en New Jersey (USA).

Durante su estancia en un campamento de verano, acudió a una audición donde llamó la atención de Steven Spielberg, que la eligió para el papel de la guapa Andy Carmichael en "Los Goonies".

Tras esta primera experiencia, ese mismo año interpretó a la hija de John Candy en la comedia "Malditas vacaciones". Un año más tarde coincidió con Corey Haim, Charlie Sheen y Winona Ryder en la comedia dramática juvenil "Lucas". En 1987 participó en el telefilm "Young Harry Houdini" y volvió a coincidir con Charlie Sheen en la comedia "Tres en la carretera". Tras esta película abandonó por un tiempo la interpretación para estudiar Bellas Artes en la Universidad Bassard.

A finales de los 80 y principios de los 90 intervino como actriz invitada en las series "ABC Afterschool Specials", "En el calor de la noche", "Loco por tí" y "Se ha escrito un crimen". También participó en los telefilms "The Burden of Proof" (1992) y "Painted Blood" (1993), además de en la película de bajo presupuesto "Blue Flame" (1993). En 1996 fundó la asociación "Independent Women Artists" y tras varios años de inactividad en el mundo del espectáculo, en 1999 dirigió y escribió el cortometraje "Bellyfruit", que fue bien recibido por parte de la crítica. A principios del siglo XXI hizo sus últimos trabajos como actriz realizando colaboraciones especiales en las series "Urgencias" y "Ley y orden: Unidad de víctimas especiales". En lo personal está casada desde los años 90 y desde 2004 reside en Los Ángeles junto a su esposo e hijo, permanenciendo alejada del mundo del espectáculo.


MARTHA PLIMPTON (STEPH STEINBRENNER):

Descendiente de una larga dinastía de actores compuesta por sus padres: Keith Carradine y Shelley Plimpton, su abuelo John Carradine y sus tíos Robert y David Carradine. Su madre la introdujo en el mundo interpretativo y a principios de los 80 apareció en spots publicitarios para marcas como Calvin Kelin. En 1981 debutó en el cine con un pequeño papel en la película "Rollover". En 1984 secundó a Tommy Lee Jones en "River Rat, el barco del infierno" y un año más tarde fue Stef Steinbrenner en "Los Goonies".

En 1986 intervino en la infravalorada "La costa de los mosquitos" de Peter Weir, secundando a Harrison Ford, Helen Mirren y River Phoenix. Poco tiempo más tarde acabaría viviendo un romance con River Phoenix y volvería a coincidir con él en el drama "Un lugar en ninguna parte" (1988) de Sidney Lummet (la pareja acabó rompiendo su relación algunos años antes del fallecimiento de River en 1993). Otros de sus papeles secundarios de finales de los 80 fueron "Gente salvaje" (estrenada en 1987 y por la que obtuvo una nominación como Mejor actriz secundaria en los premios "Independent Spirit"), el drama "Otra mujer" (1988) de Woody Allen y la comedia familiar "Dulce hogar... a veces" (1989) de Ron Howard.

En 1990 fue actriz de reparto en la comedia romántica "Cartas a Iris", protagonizada por Jane Fonda y Robert De Niro. A principios de los 90 actuó en películas poco relevantes como "Inside Monkey Zetterland" (1992), "Samantha" (1992), "The Pefect Woman" (1993) o "Josh y S.A.M." (1993). También participó en los telefilms "A Woman at War" (1991) y "Daybreak" (1993).


A mediados y finales de los 90 comenzó a buscar su camino en el cine independiente con roles de reparto en los films "La señora Parker y el círculo vicioso" (1994) de Alan Rudlph, "Yo disparé a Andy Warhol" (1996), "Beautiful Girls" de Ted Demme, "Pecker" de John Watters y "200 cigarrettes" (1999). En 1998 participó en dos telefilms basados en la serie "Los defensores" titulados "The Defenders: Choice of Evils" y "The Defenders: Taking the First" (1998). Un año después colaboró en 4 episodios de la serie "Urgencias".


En 2001 intervino en la película "The Sleepy Time Gal". En 2002 participó en el documental "En busca de Debra Winger" y en 2004 prestó su voz y produjo la película animada "Hair High". Desde principios del siglo XXI hasta la actualidad, ha colaborado como actriz invitada en las series "Ley y orden: Unidad de víctimas especiales" (por cuya interpretación fue nominada al Emmy como Mejor actriz invitada en serie dramática en 2002), "Karen Sisco", "7 en el paraíso" (donde también ejerció como guionista de un episodio), "Surface" y "Law & Order: Criminal Intent". Sus últimas películas de bajo presupuesto han sido "Marvelous" (2006) y "Dante's Inferno" (2007). En lo personal podemos señalar que en 1995 fue pareja sentimental del actor Jon Patrick Walker. Desde hace años colabora en la organización benéfica "52nd Street Project", destinada a la organización de obras teatrales infantiles y donde ella ha ejercido como directora, guionista y profesora de interpretación. También podemos señalar que forma parte de la compañía teatral "The Steppenwolf Theatre Company Ensembl" y que en los escenarios teatrales ha participado en montajes de las obras "Hurlyburly" (2005) y "The Coast of Utopia" (2007), por cuya interpretación recibió una nominación a los premios "Drama Desk".

En 2001 Sean Astin, Josh Brolin, Corey Feldman, Ke Huy Kuan, Jeff Cohen, Kerri Green y Martha Plimpton se reunieron junto al director Richard Donner para posar en una fotografía y ser entrevistados para los extras de la edición especial en DVD de "Los Goonies". Desde hace años se ha establecido el rumor de la realización de una posible segunda parte, aunque este proyecto carece de fundamento.

En la última foto (de izquierda a derecha): Ke Huy Kuan, Sean Astin, Martha Plimpton, Corey Feldman, Kerri Green, el director Richard Donner, Jeff Cohen y Josh Brolin.

Aquí os dejo el link para que visitéis el resto del blog:

http://www.lacoctelera.com/quefuede/post/2007/05/24/los-actores-los-goonies-

Norton I, Emperador de Estados Unidos, y Protector de Méjico.

Publicado en Historia o parahistoria el 28 de Mayo, 2007, 17:06 por themackintoshman

Todo el mundo comprende a Mickey Mouse. Pocos comprenden a Herman Hesse. Sólo un puñado comprendió a Albert Einstein. Nadie comprendió al Emperador Norton

Principia Discordia
Su Majestad Norton I.
Su Majestad Norton I.

Joshua Abraham Norton (alrededor de 1815 - 8 de enero, 1880), también conocido como Su Majestad el Emperador Norton I, era un ciudadano célebre de San Francisco que se declaró "Emperador de estos Estados Unidos y protector de México" en 1859.

Primeros años

Se sabe nacido en Inglaterra, tal vez en Londres. Las fechas varían entre 1814 y 1819. Algunas fuentes enumeran su fecha de nacimiento como 14 de febrero de 1819. Su obituario en el San Francisco Chronicle, utilizando la mejor información obtenible, cita la placa en su ataud que decía que el emperador estaba alrededor de los 65, sugiriendo su año de nacimiento como 1814. De hecho, se sabe muy poco de su vida hasta que en 1849 llegó a San Francisco en plena fiebre del oro dispuesto a hacer fortuna comerciando.

Los registros de inmigración indican que tenía dos años en 1820 cuando sus padres emigraron a Sudáfrica. La genealogía sudafricana indica que su padre era John Norton (muerto en Agosto de 1848) y su madre era Sarah Norden. Sarah era hija de Abraham Norden y sobrina de Benjamin Norden, un comerciante judío próspero, que tenía una tendencia a demandar a los miembros de su propia familia. Esto es respaldado por Cowan (1923) que dijeron que el Emperador Norton I "Era de origen judío hebreo."

Norton emigró de Sudáfrica a San Francisco en 1849 después de recibir un obsequio de $40,000 de su padre (posiblemente su herencia). Durante un tiempo le fue bien, y llegó a acumular bastante dinero. Hacia el año 1853 había reunido 250.000 dólares. Pero se tornó ambicioso: decidió acaparar arroz comprando todos los cargamentos, pues las importaciones de China se vieron detenidas por un veto debido a los precarios tiempos de hambruna en dicho país. El precio subió de 4 a 36 centavos, pero se negaba a vender. De repente llegó toda una flota del Perú cargada de 100 toneladas arroz y los precios se derrumbaron.

Norton quedó arruinado. Tras un largo litigio con sus asociados entre 1853 y 1857 (en el que Norton resultó vencido aun cuando al principio iba ganando) se declaró en bancarrota. En 1858 decidió dejar la ciudad por un tiempo.

Si bien en algún momento en casa de unos amigos habría comentado que si el fuera emperador de los Estados Unidos verían grandes cambios efectuados, esto no es suficiente para especificar si pronunciada excentricidad fue un aspecto permanente de su psicología o si afloró como resultado de su desgracia financiera. Sin embargo, después de su perdida de estabilidad economica Norton comenzó a parecer un poco extraño y a mostrar delirios de grandeza.

De hombre de negocios a emperador

Volviendo de su autoimpuesto exilio, se disgustó mucho al ver las vicisitudes de los sistemas legal y politico de los Estados Unidos. Así que hizo lo único que podía hacer; enviar la siguiente proclama a la redacción del San Francisco Bulletin:

"En la petición y el deseo perentorio de una gran mayoría de los ciudadanos de estos Estados Unidos, yo, Joshua Norton, antes de la Bahía de Algoa, del Cabo de Buena Esperanza, y ahora por los pasados 9 años y 10 meses de San Francisco, California, me declaro y proclamo emperador de estos Estados Unidos; y en virtud de la autoridad de tal modo envestida en mí, por este medio dirijo y ordeno a los representantes de los diferentes Estados de la Unión a constituirse en asamblea en la Sala de Conciertos de esta ciudad, el primer día de febrero próximo, allí y entonces se realizarán tales alteraciones en las leyes existentes de la Unión como para mitigar los males bajo los cuales el país está trabajando, y de tal modo justificar la confianza que existe, tanto en el país como en el extranjero, en nuestra estabilidad e integridad."

El hombre se proclamó emperador e 17 de setiembre 1859, y la gente le siguió el juego. Una semana más tarde, un segundo decreto hacía saber que a causa de la corrupción en las altas esferas el Presidente era destituido y disuelto el Congreso. A partir de aquel momento gobernaría él personalmente.

“En vista de que un grupo de hombres que se llaman a sí mismos Congreso están ejerciendo en este momento en la ciudad de Washington, violando el edicto imperial del 12 de octubre, se declara abolido y que este decreto debe ser cumplido a cabalidad. Entonces, se le ordena al comandante en jefe de las fuerzas militares, general Scott al momento de terminado este decreto, al mando de las fuerzas necesarias desalojar las salas del Congreso”

Vida y obras

A lo largo de los años, Norton I lanzó varias proclamas, las cuales iban de lo ridículo -establecer una multa de veinticinco dólares a quienquiera que tras haber sido advertido se refiriese a la ciudad con el nombre de Frisco- a lo visionario -ordenar la construcción de un puente colgante que uniese Oakland y San Francisco sin interrumpir la navegación en la bahía, justo en el lugar ocupado hoy día por el Golden Gate- pasando por varios divertidos o curiosos -disolver a los partidos Republicano y Demócrata o autonombrarse Protector de México-.

“Dada la incapacidad de los mexicanos de regir sus propios asuntos, yo, Norton I, asumo el papel de Protector de México”

El emperador Norton tenía su corte en un edificio gris de habitaciones de alquiler, con retratos de Napoleón y la Reina Victoria (con quien se dice mantuvo correspondencia) colgados de la pared. Por las tardes se paseaba por las calles seguido de dos perros mestizos llamados Lazaro y Bummer correspondiendo con toda seriedad a las reverencias de sus súbditos, inspeccionando las alcantarillas y comprobando los horarios de los autobuses. Iba a una iglesia diferente cada domingo, a fin de evitar celos entre las diversas sectas.

Si bien sus decretos y proclamas rara vez eran tomados en serio y Norton siguió llevando una vida simple, y aunque no tenía poder político y su influencia se extendía solamente tan lejos como le fue complacido por aquellos alrededor de él, durante el resto de su vida comió siempre en los mejores restaurantes a cuenta de la casa, e incluso tenía un asiento reservado en los teatros de la ciudad (De hecho, se dice que ninguna obra o concierto se atrevía a abrir sin antes haber predispuesto asientos para Norton y sus dos perros). Cuando Norton I entraba en la ópera, todos los demás asistentes se ponían en pie y guardaban silencio hasta que se sentara. Por supuesto, al ser emperador, tomó medidas para hacer del suyo un país mejor, tales como abolir una compañía ferroviaria por haber tenido la desfachatez de no invitarle a comer gratis en uno de sus vagones... Por suerte la compañía rectificó, proporcionándole un pase vitalicio y disculpándose públicamente.

En 1863 falleció Lazaro en un accidente, atropellado por un vehículo perteneciente al Departamento de Bomberos de San Francisco, conllevando a un periodo de luto público. Cuando Bummer murió en 1865 Mark Twain escribió un epitafio para el perro, diciendo que había muerto "con muchísimos años y muchísimo honor, enfermedades y pulgas".

Billete de $10.
Billete de $10.

Aparte de los favores, recibía ciertos reconocimientos como emperador. En 1870 se hizo un censo citadino, y en las formas referidas a un Joshua Norton (residente del número 642 de Commercial Street) el censor puso como ocupación “emperador”; hizo billetes de su propia denominación, y la municipalidad los valía y los cambiaba por dólares reales al mismo monto, llegando a pagar con ellos varios productos. Estos billetes hoy en día son una rareza evaluada en miles de dólares en casas de subastas.

Al estallar la guerra civil en 1861 siguió el curso de la contienda con "profunda preocupación". Convocó a San Francisco al Presidente Lincoln y a Jefferson Davis, Presidente de la Confederación, para mediar entre ellos. Viendo que no comparecía ninguno y que ni siquiera le contestaban, ordenó un alto el fuego hasta que él "tomara su imperial decisión".

Implantó un sistema de impuestos: 25 a 50 centavos semanales los tenderos y tres dólares semanales los bancos. San Francisco se rió... pero la mayoría pagó.

Como fue un gobernante justo y honrado, no se enrriqueció gracias a su posición. De hecho, en 1867, el oficial Armand Barbier de la policía, arrestó a Norton por vagabundo. La gente se indignó. Mucho. Y no se tranquilizó hasta que el director de la policía le liberó y una delegación de concejales le visitó y le pidió disculpas varias veces. Era magnánimo, y olvidó el incidente.

Era tal la influencia del emperador que, en una ocasión llegó a detener a una turba. Iban los manifestantes indignadísimos hacia el las viviendas de los trabajadores chinos, dispuestos a apalear a varios de ellos, cuando Norton I se colocó frente a la manifestación, se subió a una caja para que todo el mundo le viera, y se puso a cantar. Y a continuación soltó un largo discurso sobre las ventajas de llevarse bien con todo el mundo y la necesidad de amar al prójimo. Debió ser grandioso, pues la enfurecida masa se transformó en un montón de gente sonriente de camino a su casa: Disolvió la turba.

Cuando su uniforme estuvo deslucido y harapiento, Norton dictó una proclama:

«Sabed que yo, Norton I, tengo varias quejas contra mis vasallos, considerando que mi imperial guardarropa constituye una desgracia nacional».

Al día siguiente el ayuntamiento aprobó una subvención para equiparlo de nuevo.

Muerte

El emperador de los Estados Unidos (y protector de México) reinó duante 21 años. Siempre vivió en San Francisco, donde se convirtió en una atracción turística más.

El 8 de enero de 1880, Norton I, Emperador de los Estados Unidos y Protector de México, murió de un ataque de apoplejía mientras se dirigía a una plática en la Academia de Ciencias Naturales. En 1980 San Francisco conmemoró el centenario luctuoso de su monarca con ceremonias a medio día. A su entierro asistieron más de treinta mil (30.000) personas, el cortejo se extendía por más de tres kilómetros. Como decía su necrológica: «El Emperador Norton no mató a nadie, no robó a nadie, no se apoderó de la patria de nadie. De la mayoría de sus colegas no se puede decir lo mismo.»

Fue enterrado en el cementerio Masónico, pero en 1934 fue situado, a expensas de la ciudadanía al cementerio Woodlawn, bajo una lápida con el epitafio: “Emperador de los Estados Unidos y Protector de México”

Reconocimiento póstumo y repercusión en la cultura popular

Joshua A. Norton, el primer y, hasta ahora, único emperador que han tenido los Estados Unidos, todo un personaje. El Rey en Las Aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain está basado en él. Y, por cierto, uno de los santos de la religión Discordiana, y es mencionado repetidamente en la obra muy influyente de la religión, el Principia Discordia, donde se lo llama "Hijo unigénito de la Diosa".

En 1980 se dieron una multitud de ceremonias en San Francisco conmemorando en centenario de la muerte del Emperador.

Actualmente un grupo de simpatizantes promueve una iniciativa que busca cambiar el nombre del puente de la bahía por el de Emperor Norton Bridge.

Tintín

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 23 de Mayo, 2007, 17:42 por themackintoshman

El Dalái Lama con un ejemplar de "Tintín en el Tibet"
El Dalái Lama con un ejemplar de "Tintín en el Tibet"

Las aventuras de Tintín es muy posiblemente la más influyente serie europea de historieta del siglo XX. Característica del estilo gráfico y narrativo conocido como "línea clara", fue creada por el autor belga Hergé (Georges Remi) en 1929, y está constituida por un total de 24 álbumes (de los cuales el último, Tintín y el Arte-Alfa, no llegó a terminarse).

La primera de las aventuras de Tintín, la controvertida Tintín en el país de los Soviets, se publicó inicialmente en Le Petit Vingtième, suplemento del diario belga de orientación católica Le Vingtième Siècle, a partir del 10 de enero de 1929. Posteriormente, las aventuras de Tintín aparecieron en otras publicaciones, como el diario Le Soir (durante la ocupación alemana de Bélgica, entre 1940 y 1944), y el semanario Tintín. La última aventura completa del personaje, Tintín y los 'Pícaros', apareció en 1976. Todas las aventuras del personaje fueron después reeditadas en álbumes, que han sido traducidos a numerosos idiomas. Varios de estos álbumes han conocido sucesivas ediciones. A partir de La estrella misteriosa (1943), los álbumes fueron editados siempre en color, y se emprendió la tarea de colorear también los álbumes anteriores de la serie (a excepción de Tintín en el país de los Soviets). Las nuevas ediciones afectaron en ocasiones al contenido de los álbumes.

La serie conoció desde sus inicios un éxito sin precedentes. Se calcula que se han vendido desde entonces más de 250 millones de álbumes en 40 idiomas, sin contar las ediciones piratas. Las aventuras del personaje de Hergé son además objeto de culto y de coleccionismo en todo el mundo. Es famosa la frase de Charles de Gaulle, según la cual su único rival en el plano internacional era Tintín.

Historia

Antecedentes

En 1928, el abate Norbert Wallez, director del diario belga Le Vingtième Siècle, tomó la decisión de crear un suplemento semanal dirigido al público infantil y juvenil. Confió la dirección de este suplemento a uno de los empleados del periódico, Georges Remi, que en 1924 había empezado a utilizar el pseudónimo por el que sería mundialmente conocido, Hergé.

El primer número de este suplemento, que llevaría el nombre de Le Petit Vingtième, apareció el 1 de noviembre de 1928. En sus páginas Hergé dibujaba una serie, La extraordinaria aventura de Flup, Nénesse, Poussette y Cochonnet, con guiones de uno de los redactores deportivos de Le Vintième Siècle[1]. La serie, poco original, narraba las aventuras de dos niños de doce años, de la hermana de uno de ellos, de seis, y de su mascota, Cochonnet, un cerdito de caucho. Convencido de que el suplemento necesitaba una serie más innovadora y que lograse conectar con el público juvenil, Hergé tuvo la idea de crear un reportero, Tintín, cuya primera aventura sería un viaje a la Rusia comunista.

El 4 de enero de 1929 el periódico publicó el anuncio de la inminente publicación de las aventuras de Tintín, presentado como un ficticio reportero de Le Vingtième Siècle. Seis días después, el 10 de enero, el personaje iniciaba su andadura en las páginas del suplemento.

Se han buscado varios modelos para Tintín, la mayoría de papel y tinta, aunque también hay alguno de carne y hueso. El principal es, sin duda, el boy scout Totor, personaje anterior de Hergé que apareció en la revista Le Boy-Scout Belge desde julio de 1926. Totor era el protagonista de la que puede considerarse la primera serie de historieta de Hergé, que llevaba el título de Totor, jefe de patrulla de los abejorros Totor, CP des Hannetons) [2]. La figura esquemática de Totor es una prefiguración de Tintín, aunque falta el característico mechón. Su actitud ante la vida, característica del movimiento scout, es también muy próxima a la del principal personaje de Hergé.

Se ha señalado también la coincidencia de nombre y el parecido de Tintín con un personaje creado en 1898 por Benjamin Rabier y Fred Isly, Tintin-Lutin, un niño de ocho años que tiene un mechón muy semejante al de la criatura de Hergé [3]. Según su propio testimonio, sin embargo, Hergé no conoció la existencia de este personaje hasta 1970 [4].

Hergé declaró, por su parte, haberse basado en el físico de su hermano, el militar Paul Remi. La profesión de reportero del personaje puede atribuirse también a su admiración por conocidos periodistas de la época, como el francés Albert Londres.

El dirigente fascista Léon Degrelle, en solitario y contra toda evidencia, se jactó en varias ocasiones, especialmente en su libro Tintin mon copain (1992), de haber sido el modelo vivo en que Hergé se inspiró para crear a su célebre reportero. Según él, el viaje de Tintín al país de los soviets estaría basado en su viaje a México para cubrir como reportero la guerra cristera. Esto es imposible, ya que Degrelle viajó a México meses después de que las aventuras de Tintín empezaran a publicarse en Le Petit Vingtiéme. Pierre Assouline, el principal biógrafo de Hergé, descarta rotundamente esta posibilidad. Sí es cierto, en cambio, que, gracias a Degrelle, Hergé pudo conocer varias series de cómic estadounidenses que tuvieron gran influencia en el posterior desarrollo de su obra, tales como Bringing Up Father, de George McManus, o The Katzenjammer Kids, de Rudolph Dirks.

Primeras aventuras (1929-1934)

Muy probablemente, el destino de la primera aventura de Tintín fue decidido por el abate Wallez, fervoroso anticomunista: no se trataba solo de entretener a la juventud, sino de mostrar los supuestos peligros que entrañaba el comunismo. Basado en un libro bastante popular en la época que denunciaba estos peligros, Moscou sans voiles, de Joseph Douillet, Tintín en el país de los Soviets narra la incursión del reportero, ya acompañado por su fiel mascota, Milú, en la Rusia soviética.

La segunda aventura de Tintín tiene como escenario el Congo belga, y es una abierta apología de las ventajas del colonialismo, con ciertos tintes racistas. Predomina un discurso paternalista acerca de la dominación colonial que era el vigente en la sociedad belga de la época. Algunos aspectos más controvertidos del álbum fueron eliminados en ediciones posteriores.

Al término de la aventura de Tintín en el Congo se descubre que un grupo de gángsters de Chicago, dirigido por Al Capone, planea hacerse con el negocio de los diamantes en el Congo, anticipando ya lo que sería la tercera de las aventuras del reportero, Tintín en América. En efecto, en la siguiente historia, que empezó a publicarse en septiembre de 1931 en las páginas de Le Petit Vingtième, el joven reportero y su inseparable fox-terrier visitan Estados Unidos, donde el protagonista no sólo logra desbaratar los planes criminales de Capone, sino que tiene tiempo para hacer una visita a los pieles rojas, largamente idealizados por Hergé desde su época de boy scout. Por primera vez, el personaje de Tintín toma decididamente partido por los derechos de una minoría oprimida, denunciando enérgicamente el abuso de que los indios son objeto en los Estados Unidos. [5]

Reproducción de los cigarros que dan título al álbum Los cigarros del faraón.
Reproducción de los cigarros que dan título al álbum Los cigarros del faraón.

En el siguiente episodio de sus aventuras, Los cigarros del faraón, inicialmente titulado "Las aventuras de Tintín en Oriente", Tintín inicia un periplo que le llevará a nuevos escenarios exóticos: Egipto, primero; luego, la India y, más tarde, en la segunda parte del álbum, El loto azul, a China. En esta ocasión el reportero no viaja como enviado de su periódico, Le Petit Vigtième, sino por motivos de placer. En Los cigarros del faraón aparecen por vez primera dos personajes fundamentales en la serie, los policías Hernández y Fernández (Dupond y Dupont). Cobra protagonismo también la figura del malvado millonario Rastapopoulos, que ya había tenido una breve aparición en Tintín en América. Con respecto a anteriores aventuras, la trama se ha enriquecido considerablemente.

En vísperas de la Segunda Guerra Mundial (1934-1940)

El loto azul, publicado por entregas entre diciembre de 1932 y febrero de 1934, marca un punto de inflexión en la historia de la serie. La crítica coincide en que se trata de la primera obra maestra de Hergé, y algunos autores la consideran el mejor de todos los álbumes de Tintín. [6] Gracias a la colaboración que le prestó un estudiante chino, Tchang, el álbum está minuciosamente documentado, y se lleva a cabo con el propósito explícito de desterrar los absurdos tópicos occidentales acerca de China. Además, El loto azul destaca por su denuncia del racismo y del colonialismo, y por su abierta crítica a la intervención japonesa en China, un asunto candente en el momento de su publicación.

La madurez creativa alcanzada por la serie después de El loto azul se muestra en todo su esplendor en los años siguientes, que coincidieron con las tensiones prebélicas en Europa. Durante esta etapa, Hergé realizó otros tres álbumes hoy considerados clásicos: La oreja rota, La isla negra y El cetro de Ottokar. Un cuarto, Tintín en el país del oro negro, quedaría interrumpido al producirse en 1940 la invasión alemana de Bélgica, y sólo se retomaría varios años después.

La oreja rota se publicó en Le Petit Vingtième entre diciembre de 1935 y febrero de 1937. El álbum marca el inicio de la fascinación de Hergé por Latinoamérica, que luego habría de retomar como escenario en aventuras posteriores. El desencandenante de la trama es el robo de un fetiche arumbaya (una etnia amerindia inventada por Hergé) del Museo Etnográfico, en pos del cual Tintín se desplaza al imaginario país de San Teodoro. La ambientación está inspirada en un conflicto que entonces estaba de actualidad: la Guerra del Chaco, que entre 1932 y 1935 enfrentó a Bolivia y Paraguay por el control del Chaco Boreal. Hergé disfrazó los nombres, convirtiendo a Bolivia en San Teodoro, y a su capital, La Paz, en Los Dopicos; Paraguay aparece como Nuevo Rico, y Asunción, su capital, como Sanfación. [7] El álbum es el primero en que Hergé utiliza países imaginarios como escenario de la acción, y en él aparecen por primera vez destacados personajes, como el general Alcázar.

En La isla negra, que empezó a publicarse en abril de 1937, la acción se traslada a Escocia. En una época en que las tensiones prebélicas debidas al expansionismo de Hitler eran más que evidentes, Hergé firmó una historia de espionaje en la que el principal villano era un alemán, el doctor Müller. Aunque las primeras ediciones del álbum contenían numerosos errores de ambientación, se solucionarían años después cuando se hiciera la edición para el mercado británico, en 1965, en gran parte gracias a la colaboración de Bob De Moor. Es el único de los álbumes de Tintín del que se existen tres ediciones: la primera, en blanco y negro, aparecida en 1938; una segunda en color, en 1943, durante la ocupación alemana; y la tercera y definitiva en 1965.

La edad de oro (1940-1944)

Curiosamente, la etapa de plenitud de la serie coincide con la ocupación alemana de Bélgica, durante la Segunda Guerra Mundial. Es en esta época cuando aparecen varios de los personajes más importantes de la saga, incluyendo al capitán Haddock (en El cangrejo de las pinzas de oro) y al profesor Tornasol (en El tesoro de Rackham el Rojo). Es también la época en que los álbumes de Tintín comienzan a editarse en color (desde 1943).

Cerrado Le Vingtième Siècle por orden de los ocupantes, Hergé aceptó colaborar en el diario Le Soir, controlado por los alemanes. Fue ésta una de las decisiones más controvertidas en la vida de Hergé, que habría de acarrearle no pocos problemas en el futuro.

La tirada de Le Soir, de unos 250.000 ejemplares [8], permitió una difusión todavía más amplia de las aventuras de Tintín. En un primer momento, la nueva aventura, El cangrejo de las pinzas de oro, apareció en el suplemento del diario, Le Soir Jeunesse, todos los jueves a partir del 17 de octubre de 1940. En septiembre del siguiente año, sin embargo, debido a las restricciones de papel, el suplemento dejó de publicarse, y la historieta pasó a aparecer en las ediciones diarias del periódico, en formato de tira de prensa de solo tres o cuatro viñetas. Esto supuso, sin embargo, un aumento importante en el ritmo de trabajo de Hergé, que se veía obligado a realizar unas 24 viñetas semanales en lugar de las 12 a que estaba acostumbrado.

En una atmósfera apocalíptica, La estrella misteriosa, la siguiente aventura de Tintín, pone en escena la rivalidad entre europeos y estadounidenses por encontrar un misterioso meteorito. El álbum fue después muy criticado por el personaje del judío neoyorquino Blumenstein, principal villano del álbum, y por una viñeta en la que aparecían dos judíos estereotipados, uno de los cuales se alegra de la noticia del fin del mundo porque "así no tendría que pagar a mis proveedores". Esta última viñeta se suprimió en la edición en álbum; en cuanto a Blumenstein, en ediciones posteriores de la obra Hergé le cambió el nombre por Bohlwinkel, y le ubicó, en lugar de en Nueva York, en un país imaginario, São Rico. Sin embargo, descubrió después, con sorpresa, que Bohlwinkel era también un apellido judío.

La estrella misteriosa fue el primero de los álbumes de Tintín editado en color, en 1942. Al año siguiente se reeditaron en color otros álbumes anteriores, La oreja rota, La isla negra y El cangrejo de las pinzas de oro.

Los dos álbumes siguientes constituyen una de las obras más ambiciosas de Hergé: el díptico compuesto por El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo, en el cual es evidente la influencia de la clásica novela de aventuras La isla del tesoro de Stevenson. Es en el segundo de los álbumes en el que hace su aparición el profesor Silvestre Tornasol, paradigma del científico despistado y algo chiflado, para cuyos rasgos físicos Hergé se basó en los del célebre Auguste Piccard. En esta aventura, Tintín y Haddock parten a lejanas tierras en busca de un tesoro que, paradójicamente, encuentran en el castillo que ha pertenecido a los antepasados del capitán, Moulinsart, convertido a partir de este momento en el hogar de Haddock y Tornasol, y con frecuencia también del propio Tintín.

En diciembre de 1943, se inició en Le Soir la publicación de otra aventura de largo aliento, Las siete bolas de cristal, en la cual una misteriosa maldición persigue a los arqueólogos que han descubierto la tumba del Inca Rascar Cápac. La publicación de esta aventura, sin embargo, fue interrumpida por la liberación de Bélgica por las tropas aliadas en septiembre del año siguiente.

Después de la liberación (1944-1950)

Bruselas fue liberada por los aliados el 3 de septiembre de 1944, lo que supuso la interrupción inmediata de la publicación de Le Soir y, por consiguiente, de Las aventuras de Tintín. La acción de Las siete bolas de cristal se interrumpió en el momento en que Tintín deja el hospital en que están internados los arqueólogos afectados por la maldición del inca Rascar Capac (p. 50 de la edición actual del álbum). En las últimas tiras se describía su encuentro con el general Alcázar, a punto de viajar a Sudamérica.

Para Hergé, acusado de colaboracionismo, se inició un calvario personal, ya que se le impidió seguir trabajando, y tuvo que responder de su actitud durante la ocupación.

Esta situación llegó a su fin gracias a la intervención de Raymond Leblanc, antiguo miembro de la resistencia belga, que brindó a Hergé la posibilidad de continuar las aventuras de su reportero en una nueva revista, que llevaría precisamente el nombre del célebre personaje, Tintín, y cuyo primer número apareció el 26 de septiembre de 1946. Con algunos pequeños cambios (se intercaló un encuentro entre Tintín y Haddock), la acción de Las siete bolas de cristal se reanudó donde se había interrumpido. En lugar de la tira única en blanco y negro que se había utilizado en los últimos tiempos de Le Soir, en la nueva revista se publicaban tres tiras en color en la doble página central [9], lo que permitió a Hergé cuidar más la ambientación, e introducir en algunas de las planchas un texto explicativo acerca de la civilización inca. El templo del sol, segunda parte de Las siete bolas de cristal, continuó publicándose en la revista Tintín hasta el 22 de abril de 1948. Las dos partes de la aventura aparecerían en álbum, en color, en 1948 y 1949, respectivamente, con significativas modificaciones. [10]

Concluida la publicación de este díptico narrativo, Hergé decidió retomar, ocho años después, la aventura que había quedado interrumpida en 1940 a causa de la invasión alemana, En el país del oro negro. En su reanudación, el autor incorporó personajes y situaciones posteriores al momento en que la obra se había iniciado: aparece Haddock, cuya primera aparición en la serie de Tintín había tenido lugar en El cangrejo de las pinzas de oro, empezado después que En el país del oro negro, e incluso reside ya en Moulinsart, la mansión que solo había adquirido al final de El tesoro de Rackham el Rojo.

Los otros autores de Tintín

Hergé desarrolló completamente en solitario sus primeros álbumes. Sin embargo, a partir de los años 40 el volumen de trabajo le exigió contratar colaboradores. Nunca fueron acreditados en los álbumes, pero tuvieron un importante papel en la historia de la serie.

Edgar Pierre Jacobs

El primer colaborador importante de Hergé en Las aventuras de Tintín fue Edgar P. Jacobs (1904-1987). Jacobs colaboró estrechamente con Hergé entre 1944 y 1947. Su labor principal consistió en corregir, dar nuevo formato y colorear varios álbumes en blanco y negro (Tintín en el Congo, Tintín en América, El Loto Azul y El cetro de Ottokar [11], que se reeditaron en color en la década de 1940. Además, intervino en los decorados de los álbumes El tesoro de Rackham el Rojo, Las siete bolas de cristal y El templo del sol). Jacobs dejó de colaborar con Hergé en 1947 para desarrollar su propia serie, Blake y Mortimer.

Aunque no aparece acreditado en los álbumes en que colaboró, aparece retratado en algunos de los álbumes en los que intervino. Aparece junto al propio Hergé (y junto a Quique y Flupi) en la viñeta inicial de Tintín en el Congo. Aparece también en la portada y en una viñeta interior de la edición en color de Los cigarros del faraón, en una broma un tanto macabra: un sarcófago con el letrero E.P. Jacobini. En El cetro de Ottokar, asiste, junto al propio Hergé, a un concierto de la Castafiore y a una recepción real (páginas 38 y 59 del álbum).

Bob de Moor

Bob de Moor (1925-1992) trabajó en los Estudios Hergé desde su creación, en 1950, hasta su muerte. Intervino decisivamente en varios álbumes, como una nueva edición de La isla negra (1965), Objetivo: la Luna (1953), Aterrizaje en la Luna (1954), Vuelo 714 para Sidney y Tintín y los 'Pícaros' (1976) [12]. La revisión de La isla negra se hizo sobre todo pensando en su edición en el mercado británico, ya que se habían detectado numerosas inexactitudes en la ambientación en Escocia del álbum, y De Moor se desplazó al Reino Unido para realizar un minucioso trabajo de documentación. En el díptico sobre el viaje a la Luna, se deben a su mano el diseño del célebre cohete y los paisajes lunares [13].

Participó también en la producción de las versiones en dibujos animados de El templo del sol y Tintín y el lago de los tiburones. Su huella es evidente en obras como Tintín y los pícaros, en la que se hizo cargo de la mayor parte del trabajo gráfico. Durante un tiempo se barajó la posibilidad de que terminase el álbum que Hergé dejó incompleto a su muerte, Tintín y el Arte Alfa. No obstante, no aparece nunca acreditado en ninguno de los álbumes de Tintín.

Jacques Martin

Jacques Martin, que era colaborador de la revista Tintin,entró en los estudios Hergé para sustituir a Edgar P. Jacobs. Trabajó en los guiones de "El Asunto Tornasol" y "Stock de Coque", y dibujó los vestidos de los personajes en estos mismos álbumes.Su colaboración con Hergé duró hasta 1972, año en que se dedicó por entero a sus propias series: Lefranc y, sobre todo, Alix.

Personajes

Tintín y Milú

Tintín y su perro Milú son los dos únicos personajes que aparecen en todas las aventuras de la serie. Tintín es un joven reportero belga que se ve envuelto en extrañas aventuras. Su edad es un misterio.

Desde su primera aventura, Tintín es acompañado por su perro, Milú, un fox-terrier blanco. Milú no es capaz de hablar, pero sus pensamientos aparecen a menudo verbalizados en los globos de diálogo. Generalmente es capaz de hacerse entender.

Su afición por los huesos y su más humano que canino interés por el whisky (en especial de la marca Loch Lomond, la preferida del capitán Haddock) desencadenan a menudo situaciones cómicas.

El capitán Haddock

El capitán Archibaldo Haddock es un marino cuya nacionalidad no se aclara en los álbumes (¿inglés, francés o belga?), aunque sí se sabe que tiene un antepasado francés (el caballero de Hadoque, marino al servicio de Luis XIV). El apellido Haddock procede de una conversación que Hergé mantuvo con su esposa, en la que ella comentó que el haddock (especie de abadejo ahumado) [14] era un "triste pescado inglés". El nombre de pila del capitán, Archibaldo, no se desvela hasta la última aventura de Tintín, Tintín y los pícaros (1976).

Para diseñar la fachada de la mansión de Moulinsart, adquirida por el capitán Haddock al final del álbum El tesoro de Rackham el Rojo, Hergé se inspiró en el castillo de Cheverny (en la fotografía).
Para diseñar la fachada de la mansión de Moulinsart, adquirida por el capitán Haddock al final del álbum El tesoro de Rackham el Rojo, Hergé se inspiró en el castillo de Cheverny (en la fotografía).

Arquetipo del lobo de mar, su apariencia se ajusta perfectamente a este modelo: gorra, jersey azul con el dibujo de un ancla, poblada barba negra. Rudo y de buen corazón, es el inseparable compañero de Tintín desde que hizo acto de presencia en El cangrejo de las pinzas de oro, donde es presentado como un personaje débil y dominado por su alcoholismo. Más tarde se convierte en un personaje más simpático, aun sin abandonar su debilidad por el whisky, en el que tiene especial predilección por la marca Loch Lomond (sus borracheras son a menudo empleadas como gags cómicos). Su mal carácter, su impulsividad irreflexiva y su amplio repertorio de insultos extravagantes, son uno de los lugares comunes de la serie, y contribuyen a dar un contrapunto al generalmente tranquilo y juicioso Tintín.

Descubre un tesoro en El tesoro de Rackham el Rojo, lo que le permite adquirir el castillo de su familia, en Moulinsart, y convertirse en un pacífico rentista. No por ello, sin embargo, deja de acompañar a Tintín en sus aventuras, y aparece en todos los álbumes desde su aparición hasta el final de la serie.

Hernández y Fernández

Hernández y Fernández (Dupond y Dupont en la versión original) son una pareja de policías idénticos, se diria que gemelos, aunque no tienen ninguna relación de parentesco. Sólo se distinguen por el bigote, que Hernandez (Dupont) lleva con dos pequeñas guias o "rabitos", que le dan una forma de T invertida, mientras que Fernández (Dupond) no los tiene, y su bigote tiene el aspecto de una D girada. Amigos de Tintín, aparecen por vez primera en Los cigarros del faraón aunque se les puede ver en la poblada primera viñeta de la reedición a color de Tintín en el Congo, apartados del grupo principal. Su ingenuidad y sus constantes meteduras de pata son las características que más identifican a estos simpáticos personajes.

El profesor Tornasol

El inventor suizo Auguste Piccard sirvió de inspiración a Hergé para la creación del profesor Tornasol
El inventor suizo Auguste Piccard sirvió de inspiración a Hergé para la creación del profesor Tornasol

El profesor Silvestre Tornasol aparece por primera vez en el álbum El tesoro de Rackham el Rojo. Es el arquetipo del científico despistado, cuya sordera le permite estar en desconexión con el mundo y metiéndose en un sinfín de situaciones cómicas. Para su creación, Hergé se inspiró en los rasgos del célebre inventor suizo Auguste Piccard.

Este personaje está inspirado en la vida de toda una generación de científicos que tras lograr avances importantes, como la bomba atómica, decidieron apartarse del mundo horrorizados por lo que habían construido. De esta forma los primeros inventos del profesor no parecen ni muy serios (como el péndulo que indica posiciones) ni muy fiables (como su primer minisubmarino con forma de tiburón); pero en Objetivo la Luna ya es un físico nuclear y en Aterrizaje en la Luna gracias a su audífono oye perfectamente y en El asunto Tornasol es un científico codiciado por grandes potencias para emplear su invento, capaz de reducir a polvo grandes ciudades. Pero ya en Las joyas de la Castafiore se refugia en su sordera para no enterarse de lo que pasa a su alrededor.

Bianca Castafiore

La cantante de ópera Bianca Castafiore es el único personaje femenino de cierta relevancia en la obra. Aparece por primera vez en El cetro de Ottokar, y figura en un total de ocho álbumes de la serie. Según su propio testimonio, Hergé detestaba la ópera: igualmente, tanto Tintín como Haddock (especialmente este último) aborrecen el canto de la Castafiore, especializada en una única pieza musical: el aria "de las joyas" de Margarita en la ópera Fausto de Gounod.

Otros personajes

Además de los mencionados, las aventuras de Tintín cuentan con la presencia de varios personajes secundarios que aparecen en varios álbumes. Es el caso del malvado millonario Rastapopoulos, principal antagonista de Tintín, del mercenario Allan Thompson, del general Alcázar y su eterno rival en el gobierno del imaginario país de San Theodoros, el general Tapioca, del mayordomo Néstor, del estrafalario comerciante portugués Oliveira da Figueira y del insoportable Serafín Latón.

En ocasiones, Hergé parodió con sus personajes a personas reales, cuyos nombres disfrazaba solo ligeramente. Es el caso del traficante de armas que aparece en La oreja rota, Basil Bazaroff, cuyo nombre apenas encubre la referencia a Basil Zaharoff. Menos frecuente es la aparición en los álbumes de Tintín de personajes reales, con su propio nombre, como ocurre con el gángster Al Capone, que tiene un relevante papel en Tintín en América.

Mención aparte merecen los cameos de otros personajes de Hergé, como Quique y Flupi (Quick y Flupke) que aparecen ocasionalmente en algunos álbumes.

Álbumes

En la lista siguiente aparecen exclusivamente los álbumes de Tintín realizados por su creador, Hergé. No aparece, por tanto, Tintín y el lago de los tiburones, que, aunque suele citarse como álbum del personaje, es la adaptación al cómic de un largometraje de animación en cuya realización no intervino Hergé.

# Título Publicación seriada Publicación en álbum
1 Tintín en el país de los Soviets
(Tintin au pays des Soviets)
(1)
Le Petit Vingtième, 10 de enero de 1929-8 de mayo de 1930 Éditions du Petit Vingtième, 1930
2 Tintín en el Congo
(Tintin au Congo)
(2)
Le Petit Vingtième, 5 de junio de 1930-11 de junio de 1931 Éditions du Petit Vingtième, 1931
En color: Casterman, 1946
3 Tintín en América
(Tintin en Amérique)
Le Petit Vingtième, 3 de septiembre de 1931- 20 de octubre de 1932 Éditions du Petit Vingtième, 1932
En color: Casterman, 1945
4 Los cigarros del faraón
(Les cigares du Pharaon)
(2)
Le Petit Vingtième, 8 de diciembre de 1932-8 de febrero de 1934 Casterman, 1934
En color: Casterman, 1955
5 El Loto Azul
(Le lotus bleu)
(2)
Le Petit Vingtième, 9 de agosto de 1934-17 de octubre de 1935 Casterman, 1936
En color: Casterman, 1946
6 La oreja rota
(L'oreille cassée)
Le Petit Vingtième, 5 de diciembre de 1935-25 de febrero de 1937 Casterman, 1937
En color: Casterman, 1943
7 La isla negra
(L'île noire)
(2)
Le Petit Vingtième, 15 de abril de 1937-16 de junio de 1938 Casterman, 1938
En color: Casterman, 1943
8 El cetro de Ottokar
(Le sceptre d'Ottokar)
(2)
Le Petit Vingtième, 4 de agosto de 1938-10 de agosto de 1939 Casterman, 1939
En color: Casterman, 1947
9 El cangrejo de las pinzas de oro
(Le crabe aux pinces d'or)
(2)
Le Soir Jeunesse, 17 de octubre de 1940-3 de septiembre de 1941
Le Soir, 29 de septiembre de 1941-18 de octubre de 1941
Casterman, 1941
En color: Casterman, 1943
(2)
10 La estrella misteriosa
(L'étoile mystérieuse)
(3)
Le Soir, 20 de octubre de 1941-21 de mayo de 1942 Casterman, 1942
11 El secreto del Unicornio
(Le secret de la Licorne)
Le Soir, 11 de junio de 1942-5 de julio de 1942; 16 de julio de 1942-14 de enero de 1943 Casterman, 1943
12 El tesoro de Rackham el Rojo
(Le trésor de Rackham le rouge)
Le Soir, 19 de febrero de 1943-23 de septiembre de 1943 Casterman, 1944
13 Las siete bolas de cristal
(Les 7 boules de cristal)
Le Soir, 16 de diciembre de 1943-2 de septiembre de 1944 Casterman, 1948
14 El templo del sol
(Le temple du soleil)
Tintín, 26 de septiembre de 1946-22 de abril de 1948 Casterman, 1949
15 Tintín en el país del oro negro
(Au pays de l'or noir)
(4)
Le Petit Vingtième, 28 de septiembre de 1939- 8 de mayo de 1940 (publicación interrumpida por la invasión alemana)
Tintín, 16 de septiembre de 1948-23 de febrero de 1950 (continuación)
Casterman, 1950
16 Objetivo: la Luna
(Objectif Lune)
Tintín, 30 de marzo de 1950-30 de diciembre de 1953 (historia completa, luego dividida en dos episodios) Casterman, 1953
17 Aterrizaje en la Luna
(On a marché sur la Lune)
Tintín, 30 de marzo de 1950-30 de diciembre de 1953 (historia completa, luego dividida en dos episodios) Casterman, 1954
18 El asunto Tornasol
(L'affaire Tournesol)
Tintín, 22 de diciembre de 1954-22 de febrero de 1956 Casterman, 1956
19 Stock de coque
(Coke en stock)
Tintín,31 de octubre de 1956-1 de enero de 1958 Casterman, 1958
20 Tintín en el Tíbet
(Tintin au Tibet)
Tintín, 17 de septiembre de 1958-25 de noviembre de 1959 Casterman, 1960
21 Las joyas de la Castafiore
(Les bijoux de la Castafiore)
Tintín, 4 de julio de 1961-4 de septiembre de 1962 Casterman, 1963
22 Vuelo 714 para Sidney
(Vol 714 pour Sydney)
Tintín, 27 de septiembre de 1966-28 de noviembre de 1967 Casterman, 1968
23 Tintín y los 'Pícaros'
(Tintin et les Picaros)
16 de septiembre de 1975-13 de abril de 1976 Casterman, 1976
24 Tintín y el Arte-Alfa
(Tintin et l'Alph-Art)
(5)
no publicada Casterman, 1986
Notas:

1. Es el único álbum de Tintín del que no se realizó edición en color.
2. Existen importantes diferencias entre la versión original y la versión en color.
3. Primer álbum de Tintín publicado directamente en color.
4. Comenzó publicándose tras El cetro de Ottokar, pero la Segunda Guerra Mundial interrumpió su publicación, que fue completada posteriormente (1950) con una revisión para enlazar con la trama creada por los títulos publicados desde entonces. En 1971 sufrió una segunda revisión suprimiendo algunos elementos y localizaciones reales.
5. La obra no fue terminada debido al fallecimiento del autor y sólo se encuentran bocetos de su desarrollo.

Traducción a otras lenguas

Aparte del francés, la primera lengua en que se publicaron Las aventuras de Tintín fue el portugués. Gracias al padre Abel Varzim, conocido de Hergé por haber estudiado en la universidad de Lovaina, entre el 16 de abril de 1936 y el 20 de mayo de 1937 se publicó en la revista O Papagaio, dirigida por Adolfo Simões Müller, Tim-Tim na América do Norte (Tintín en América) [15]. En O Papagaio, las aventuras de Tintín aparecieron en color antes incluso que en su país de nacimiento. La adaptación al portugués conllevó algunos cambios: el protagonista se presentaba como reportero, no de Le Vingtième Siècle, sino de la propia O Papagaio, y al estrafalario portugués Oliveira da Figueira que aparece en Los cigarros del faraón se le convirtió en español.

Ediciones en español

Para los países de lengua española, se encargó de la publicación de los álbumes de Tintín la barcelonesa Editorial Juventud. La traductora al español de todos los álbumes fue Concepción Zendrera, hija del fundador y propietario de la editorial, José Zendrera Fecha [16]. Zendrera fue también la responsable de los nombres en español de algunos personajes, como Hernández y Fernández (en el original, Dupond y Dupont) o Silvestre Tornasol (Tryphon Tournesol en el original).

El orden de aparición en España de los álbumes de Tintín fue el siguiente [17]:

  • 1958: El cetro de Ottokar, Objetivo: la Luna
  • 1959: El secreto del Unicornio, Aterrizaje en la luna
  • 1960: La estrella misteriosa, El tesoro de Rackham el Rojo
  • 1961: La isla negra, El asunto Tornasol
  • 1962: Tintín en el Tíbet, Stock de coque, Tintín en el país del oro negro
  • 1963: El cangrejo de las pinzas de oro
  • 1964: Los cigarros del faraón, Las joyas de la Castafiore
  • 1965: El Loto Azul, La oreja rota
  • 1966: Las siete bolas de cristal, El templo del sol
  • 1968: Tintín en América, Tintín en el Congo
  • 1969: Vuelo 714 para Sidney

Existe una edición muy poco conocida de dos ejemplares de las aventuras de Tintín, El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo, publicados en español por la propia Editorial Casterman en 1952, seis años antes de que de la traducción y comercialización en España se encargara la Editorial Juventud. Ambos álbumes se habrían editado al mismo tiempo que las ediciones en inglés y alemán, aunque debido al escaso éxito que tuvieron en el mercado, Casterman no continuó editando las aventuras de Tintín en español. Debido a que esta rara edición presenta una traducción al español idéntica de la que presentaría la Editorial Juventud al hacerse cargo de la edición, se baraja la hipótesis de que las páginas de los álbumes de Casterman en español no vendidos fueran aprovechados en su momento para la edición de Juventud[18]

En el año 2001, la editorial belga Casterman decidió publicar directamente los álbumes de Tintín en todo el mundo. Ello provocó un conflicto con la editorial Juventud, que ha poseído los derechos para los países de lengua española desde hace más de cuarenta años[19]. En la actualidad (2006) existen dos ediciones en español: la de Juventud, con la traducción de Concepción Zendrera, en formato álbum (30 x 23 cm), y la de Casterman, en formato reducido (22 x 17 cm) y con una nueva traducción.


Álbumes no oficiales

La popularidad del personaje ha sido la causa de la producción de varios álbumes no oficiales, esto es, no autorizados por Hergé y sus herederos. Existe una amplia gama de álbumes no oficiales de Tintín: desde las ediciones piratas de los álbumes oficiales hasta pastiches y parodias.

Las ediciones piratas se han centrado sobre todo en el primer álbum de la serie, Tintín en el país de los Soviets, que durante mucho tiempo Hergé se negó a reeditar por su contenido político.

En cuanto a las parodias, la primera de cierta importancia fue Tintín en el país de los nazis [20], publicada en 1944 por el diario belga L'Insoumis, en el que sus propios personajes acusan a Hergé de colaboracionismo durante la ocupación alemana de Bélgica.

Con una finalidad satírica se han escrito varias parodias, como Tintín en Tailandia o La vida sexual de Tintín.

Algunos artistas se han dedicado a realizar pastiches de los álbumes de Tintín. Es el caso del canadiense Yves Rodier, quien realizó a los diecinueve años, en 1986, una versión acabada de Tintín y el Arte-Alfa, sumamente respetuosa del trabajo de Hergé, con la intención de ver autorizada su publicación por los herederos del autor. No obstante, se le denegó el permiso. Más tarde, Rodier ha producido nuevos pastiches de Tintín, entre los que destacan Tintin et le Lac de la Sorcière y Tintin reporter pigiste au XX. Esta última historia, de sólo tres páginas, se sitúa al comienzo de la serie y cuenta cómo Tintín se hizo famoso y fue enviado al país de los Soviets [21].

Otro destacado imitador de Hergé es Harry Edwood, quien dibuja portadas de álbumes inexistentes y nuevas aventuras del personaje, como The Voice of the Lagoon y The Elves of Marlinspike.

Adaptaciones

Cine

Se han hecho varias adaptaciones cinematográficas de la serie, tanto en dibujos animados como en cine de imagen real. Las dos películas producidas con autores reales, Tintín y el misterio del Toisón de Oro (1961) y Tintín y las naranjas azules, fueron desarrolladas a partir de guiones originales y no de los álbumes de la serie. En su producción no intervino personalmente Hergé.

Por el contrario, todas las películas de animación, con excepción de una (Tintín y el lago de los tiburones), son adaptaciones de los álbumes de la serie.

El célebre director estadounidense Steven Spielberg adquirió los derechos para el cine de las aventuras de Tintín en 1983 [22], aunque de momento su proyecto de producir una trilogía de películas de imagen real sobre el personaje no ha llegado a materializarse.

Televisión

Se han producido dos series de animación sobre Tintín, las dos basadas en los álbumes originales de la serie.

La primera, titulada Aventuras de Tintín, por Hergé fue producida por Belvision entre 1958 y 1962, y consta de 104 episodios de 5 minutos de duración. La serie fue adaptada por Charles Shows, y luego traducida al francés por Greg (Michel Regnier), que era entonces el editor de la revista Tintín. Esta serie ha sido muy criticada por su pobre calidad y por las libertades que se toma con respecto al argumento de las álbumes.

La segunda serie, Las aventuras de Tintín, fue producida en 1991 por Ellipse Programme y Nelvana ltd.Se trata de una coproducción franco-canadiense que consta de 21 episodios de 52 minutos de duración cada uno, que adaptan cada uno de los álbumes, excepto "Tintín en el País de los soviets" y "Tintín en el Congo". Su calidad y su fidelidad a los dibujos originales de Hergé es muy superior a la anterior adaptación.En cuanto al dibujo de los personajes, se decidió crear un mismo modelo para todos los episodios,resolviendo así adecuadamente el problema que suponían las variaciones que cada personaje había ido experimentando en la historietas a lo largo de sus cincuenta años de historia.La banda sonora, a cargo de Ray Parker, contribuye a dotar a esta serie de un carácter de película de aventuras, alejándola del aire más infantil de otras adaptaciones.

Teatro

El propio Hergé participó en la creación de dos obras de teatro sobre el personaje: Tintín en la India: el misterio del diamante azul (1941) y La desaparición de Mr. Boullock (1941–42). Ambas fueron escritas en colaboración con Jacques Van Melkebeke y representadas en Bruselas.

A finales de los años 70 y comienzos de los 80, dos obras teatrales protagonizadas por Tintín fueron presentadas en Londres, adaptadas para la escena por Geoffrey Case para la Unicorn Theatre Company: Tintin's Great American Adventure, basada en Tintín en América, que se representó en la temporada 1976–77; y Tintin and the Black Island, basada en La isla negra, y estrenada en 1980. Esta segunda obra fue luego llevada en gira, y se representó incluso en Quebec (Canadá).

Un musical basado en Las siete bolas de cristal y El templo del sol se estrenó el 15 de septiembre de 2001 en el Stadsschouwburg (teatro municipal) de Amberes, en Bélgica, con el título de Kuifje – De Zonnetempel (De Musical). La representación fue emitida por Canal Plus. Más tarde se adaptó en francés y se estrenó en Charleroi, en 2002, con el título de Tintin – Le Temple du Soleil.

La compañía de teatro británica Young Vic produjo una versión musical de Tintín en el Tíbet, que se representó en el Barbican Arts Centre de Londres de diciembre de 2005 a enero de 2006. La Fundación Hergé tiene previsto volver a representar este espectáculo en Londres entre diciembre de 2006 y enero de 2007 para celebrar el centenario de Hergé.

Exposiciones

La serie Las aventuras de Tintín ha sido objeto de numerosas exposiciones. La Fundación Hergé creó una exposición móvil en 1991, con el título de "El mundo de Hergé", que ha sido descrita por la mencionada fundación como "una excelente introducción a la obra de Hergé". Los objetos de esta exposición han sido utilizados después en otras posteriores, como "Hergé el dibujante", con que se conmemoró el sexagésimo aniversario de la aparición del personaje, y la más reciente "En el Tíbet con Tintín". En 2001, el Museo de la Marina albergó una exposición de objetos relacionados con el mar que inspiraron a Hergé. En 2002 el Museo de Arte de Bunkamura, en Japón, acogió una exposición de dibujos originales del autor, así como el submarino y el cohete inventados en la serie por el profesor Tornasol. En 2003, Barcelona albergó también una exposición sobre Tintín y el mar.

En 2004 hubo varias exposiciones sobre el personaje: en el Museo Real de Etnología de Holanda, sobre "Tintín y los incas"; en Halles Saint Géry de Bruselas, acerca de "Tintín en la ciudad"; y en el Museo Nacional Marítimo de Londres, de nuevo sobre Tintín y el mar. [23]

El centenario del nacimiento de Hergé fue conmemorado con una amplia exposición en el Centro Georges Pompidou de París, del 20 de diciembre de 2006 al 19 de febrero de 2007. En la muestra estaban incluidas las 120 planchas originales de El loto azul. [24] [25]


Significado de Tintín

Tintín se ha convertido en un personaje que forma ya parte de la cultura universal. Su actitud pugnaz contra las injusticias y su valentía para hacer frente al tirano y arrostrar un desafío allá donde se le presente, unido a su sempiterna juventud; son marcas de autor de un personaje aceptado hogaño como símbolo de rebeldía y justicia.

Notas

  1. Los guiones de la serie estaban firmados por un tal Smettini, que encubría la identidad del redactor deportivo Desmedt (ref. Assouline; p. 32)
  2. Las aventuras de Totor aparecieron en Le Boy-Scout Belge entre julio de 1926 y enero de 1930
  3. Pueden verse algunas imágenes de Tintin-Lutin en esta página dedicada a su creador, Benjamin Rabier
  4. Assouline, p. 40
  5. Véase, por ejemplo, la página 29 de la edición actual de Tintín en América, en la que se narra la expulsión de una tribu de indios pies negros de una región en la que acaba de encontrarse petróleo.
  6. Farr, p. 51.
  7. Farr, p. 62.
  8. Assouline, p. 130
  9. Farr, p. 121.
  10. Farr, p. 123.
  11. En El cetro de Ottokar, Jacobs es el responsable principal de la página en que se describe la batalla de Zileheroum, así como de la decoración de las salas del castillo de Kropow (Michael Farr, op. cit., p. 89)
  12. Bob de Moor, por Shervin Moloudi (en inglés)
  13. Michael Farr, op. cit., p. 141.
  14. Le capitaine Haddock: le nom du capitaine, en tintin.com.
  15. Tintin faz 75 anos, en BD97, A 9ª Arte em Português
  16. "La familia adoptiva de Tintín", en El Periódico de Aragón, 10 de enero de 2004
  17. Las fechas de las primeras ediciones de los álbumes proceden de Les edicions infantils i juvenils de l' Editorial Joventut (1923-1969), tesis doctoral de Mònica Baró Llambias. En otras fuentes, sin embargo, se afirma que la publicación de Las aventuras de Tintín en España comenzó en 1957
  18. "El Tintín de Casterman de 1952 en español", en el blog La mirada estrábica, 1 de febrero de 2007
  19. "Tintín cuelga de la nostalgia", en La Voz de Asturias, 16 de marzo de 2003
  20. En esta página pueden verse algunas de las tiras de la historieta.
  21. Yves Rodier, le roi du pastiche !
  22. Steven Spielbert Bringing 'Tintin' to Big Screen, en www.hollywood.com, 22 de noviembre de 2002
  23. The Adventures of Tintin at Sea - a major new exhibition at the National Maritime Museum. Consultado el 2006-09-09.
  24. Yahoo News on Pompidou exhibition
  25. [1]

Bibliografía

Evangelio de María Magdalena

Publicado en Historia o parahistoria el 23 de Mayo, 2007, 10:04 por themackintoshman

Se denomina evangelio de María Magdalena a un evangelio apócrifo gnóstico, posiblemente del siglo II, del que han llegado hasta nuestros días sólo algunos fragmentos.

Características del texto

De este evangelio se conservan sólo tres fragmentos: dos, muy breves, en griego, en manuscritos del siglo III (papiro Rylands 463 y papiro Oxyrhynchus 3525); y otro, más extenso, en copto (Berolinensis Gnosticus 8052,1), probable traducción del original griego. El texto copto fue hallado en 1896 por C. Schmidt, aunque no se publicó hasta 1955. Los fragmentos en griego fueron publicados, respectivamente, en 1938 y en 1983.

En ninguno de los fragmentos hay mención alguna del autor de este evangelio. El nombre que tradicionalmente recibe, evangelio de María Magdalena, se debe a que se cita en el texto a una discípula de Jesús llamada María, que la mayoría de los especialistas identifican con la María Magdalena que aparece en los evangelios canónicos.

No puede ser posterior al siglo III, ya que se los manuscritos en griego corresponden a esta época. Por características internas del texto, como la presencia de ideas gnósticas, suele considerarse que fue redactado en el siglo II.

Contenido

EVANGELIO DE MARÍA

(Fragmento copto berolinense)

[Faltan las páginas 1-6].

PALABRAS DE JESÚS

La materia y el mundo

7 [...] entonces, ¿será destruida o no la materia? El Salvador dijo: «Todas las naturalezas, todas las producciones y todas las criaturas se hallan implicadas entre sí, y se disolverán otra vez en su propia raíz, pues la naturaleza de la materia se disuelve en lo que pertenece únicamente a su naturaleza.Quién tenga oídos para escuchar, que escuche.

La materia y el pecado

Pedro le dijo: «Puesto que nos lo has explicado todo, explícanos también esto: ¿cuál es el pecado del mundo?». El Salvador dijo: «No hay pecado, sin embargo vosotros cometéis pecado cuando practicáis las obras de la naturaleza del adulterio denominada «pecado». Por esto el bien vino entre vosotros, hacia lo que es propio de toda naturaleza, para restaurarla en su raíz».

Prosiguió todavía y dijo: «Por esto enfermáis y morís, puesto que 8 [practicáis lo que os extravía. Que quien pueda comprender] comprenda. [La materia engendró] una pasión carente de la semejanza, puesto que procedió de un acto contra natura. Entonces se produce un trastorno en todo el cuerpo. Por esto os dije: Estad en armonía (con la naturaleza), y si no estáis en armonía, sí que estáis en armonía ante las diversas semejanzas de la naturaleza. Quien tenga oídos para escuchar, que escuche».

Últimos preceptos

Después de decir todo esto, el Bienaventurado se despidió de todos ellos diciendo: «La paz sea con vosotros, que mi paz surja entre vosotros. Vigilad para que nadie os extravíe diciendo: «Helo aquí, belo aquí», pues el hijo del hombre está dentro de vosotros; seguidlo. Los que lo busquen lo hallarán. Id y proclamad el evangelio del reino. No 9 impongáis más preceptos que los que yo he establecido para vosotros, y no deis ninguna ley, como el legislador, para que no seáis atenazados por ella».

Dicho esto, partió.

INTERMEDIO

Ellos, sin embargo, estaban entristecidos y lloraban amargamente diciendo: «¿Cómo iremos hacia los gentiles y predicaremos el evangelio del reino del hijo del hombre? Si no han tenido con él ninguna consideración, ¿cómo la tendrán con nosotros?».

Entonces Mariam se levantó, los saludó a todos y dijo a sus hermanos: «No lloréis y no os entristezcáis; no vaciléis más, pues su gracia descenderá sobre todos vosotros y os protegerá. Antes bien, alabemos su grandeza, pues nos ha preparado y nos ha hecho hombres». Dicho esto, Mariam convirtió sus corazones al bien y comenzaron a comentar las palabras del [Salvador].

10 Pedro dijo: «Mariam, hermana, nosotros sabemos que el Salvador te apreciaba más que a las demás mujeres. Danos cuenta de las palabras del Salvador que recuerdes, que tú conoces y nosotros no, que nosotros no hemos escuchado». Mariam respondió diciendo: «Lo que está escondido para vosotros os lo anunciare». Entonces comenzó el siguiente relato:

PALABRAS DE MARÍA MAGDALENA

Visión de María

«Yo —dijo— vi al Señor en una visión y le dije: «Señor, hoy te he visto en una visión». Él respondió y me dijo: «Bienaventurada eres, pues no te has turbado al Verme, pues allí donde está el Intelecto, allí está el tesoro». Yo le dije: «Señor, ahora, el que ve la visión ¿la ve en alma o en espíritu?». El Salvador respondió y dijo: «No la ve ni en alma ni en espíritu, sino que es el Intelecto que se halla en medio de ellos el que ve la visión, y él es el que [...]».

[Laguna: faltan las páginas 11-14].

La ascensión del alma

15 [...] a él, y la Concupiscencia dijo: «No te he visto bajar y ahora te veo subir. ¿Por qué mientes, si me perteneces?». El alma respondió diciendo: «Yo te he visto, pero tú no me has visto ni me has reconocido. Por la vestimenta, que era tuya, y no me reconociste». Una vez dicho esto, (el alma) se apartó con gran alegría y seguidamente cayó en manos de la tercera potestad, la llamada Ignorancia. Esta interrogó al alma diciendo: «¿A dónde vas? En maldad estás atenazada; puesto que estás dominada, no juzgues». El alma dijo: «¿Por qué me juzgas tú a mí, si yo no te he juzgado? Yo he sido dominada, pero no he dominado. No he sido reconocida, pero be sabido que el universo está siendo disuelto, tanto en las cosas terrenales 16 como en las cosas celestiales».

Una vez el alma hubo sobrepasado la tercera potestad, continuó ascendiendo y divisó la cuarta potestad, la de siete formas. La primera forma es la tiniebla; la segunda, la concupiscencia; la tercera, la ignorancia; la cuarta, la envidia de muerte; la quinta, el reino de la carne; la sexta, la loca inteligencia de la carne; la séptima, la sabiduría irascible. Estas son las siete potestades de la ira, las cuales preguntan al alma: «¿De dónde vienes, homicida? ¿A dónde vas, dueña del espacio?». El alma respondió diciendo: «Lo que me ata ha sido matado y lo que me atenaza ha sido aniquilado, y mi concupiscencia se ha disipado y mi ignorancia ha perecido. A un mundo he sido precipitada 17 desde un mundo, y a una imagen desde una imagen celestial. La ligadura del olvido dura un instante. En adelante alcanzaré el reposo del tiempo (kairós), del tiempo (chrónos), (el reposo) de la eternidad, en silencio».

EPÍLOGO

María Magdalena reveladora de Jesús

Después de decir todo esto, Mariam permaneció en silencio, dado que el Salvador había hablado con ella hasta aquí. Entonces, Andrés habló y dijo a los hermanos: «Decid lo que os parece acerca de lo que ha dicho. Yo, por mi parte, no creo que el Salvador haya dicho estas cosas. Estas doctrinas son bien extrañas». Pedro respondió hablando de los mismos temas y les interrogó acerca del Salvador: «¿Ha hablado con una mujer sin que lo sepamos, y no manifiestamente, de modo que todos debamos volvernos y escucharla? ¿Es que la ha preferido a nosotros. 18 Entonces Mariam se echó a llorar y dijo a Pedro: «Pedro, hermano mío, ¿qué piensas? ¿Supones acaso que yo he reflexionado estas cosas por mí misma o que miento respecto al Salvador?

Entonces Leví habló y dijo a Pedro: «Pedro, siempre fuiste impulsivo. Ahora te veo ejercitándote contra una mujer como si fuera un adversario. Sin embargo, si el Salvador la hizo digna, ¿quién eres tú para rechazarla? Bien cierto es que el Salvador la conoce perfectamente; por esto la amó más que a nosotros. Más bien, pues, avergoncémonos y revistámonos del hombre perfecto, partamos tal como nos lo ordenó y prediquemos el evangelio, sin establecer otro precepto ni otra ley fuera de lo que dijo el Salvador».

Luego que 19 [Leví hubo dicho estas palabras], se pusieron en camino para anunciar y predicar.

El evangelio según Mariam. Según interpretaciones como la de Karen King [1], el texto revela las tensiones existentes en las primitivas comunidades cristianas entre los protoortodoxos, representados por Pedro, y los gnósticos, simbolizados por María Magdalena. Una confrontación similar existe en otros textos gnósticos, como el evangelio de Tomás, la Pistis Sophia o el evangelio copto de los egipcios. Además, de acuerdo con este texto, María Magdalena habría sido depositaria de revelaciones secretas de Jesús, y habría tenido un papel destacado en la comunidad cristiana postpascual. Sin embargo, es posible que María Magdalena no sea aquí más que un símbolo de la Sofía de la teología gnóstica.

Pueden encontrarse ciertas analogías entre las ideas expuestas en este evangelio y religiones orientales como el taoísmo y el budismo.

La Santa Muerte

Publicado en Religiones del mundo el 23 de Mayo, 2007, 10:02 por themackintoshman

Santa Muerte o la Santísima Muerte es una figura de culto mexicana, que recibe peticiones de amor, suerte, y protección, por parte de sus fieles. Aunque la Iglesia Católica ha condenado su devoción, muchas personas siguen practicando su culto.

Inicio

La Santa Muerte es adorada sobre todo por personas que cotidianamente ponen en riesgo su vida; pero los habitantes urbanos de hoy en día, también invocan a esta figura para la protección y la recuperación de la salud, artículos robados, o aún miembros secuestrados de la familia.

La Santa Muerte puede ser representada como una figura masculina o femenina; de forma masculina lo visten de manera tenebrosa, con guadaña y un rosario; Algunas ocasiones, La Santa Muerte es femenina, vestida con una túnica larga blanca de satín y una corona de oro.

Historia

Imagen de la Santa Muerte en un local de ocultismo en la Ciudad de México.
Imagen de la Santa Muerte en un local de ocultismo en la Ciudad de México.

Una fuente [cita requerida] indica que este culto ha estado alrededor desde solamente los años 60's. Cuando en Catemaco, Veracruz un local vio la figura de la Santa Muerte dibujada en las tablas de su choza. cuando fue a pedirle al cura local que verificara la imagen y la canonizara este se negó y de ahí que este culto se difunde de persona a persona sin tener una iglesia u organización fija.

Sin embargo, la otra investigación inclina que el culto a la Santa muerte es mucho más viejo. Las raíces de la creencia datan de la época prehispánica, bajo el nombre de Mictecancuhtli y Mictecacihuatl como el dios y diosa de la muerte, la oscuridad y el Mictlan "la región de los muertos" (se manejaba un concepto de dualidad en la religión Mexica o azteca). A este lugar iban los hombres y mujeres que morían de causas naturales. Pero el camino no era fácil. Antes de presentarse ante el Señor y Señora de la muerte había que pasar numerosos obstáculos; piedras que chocan entre sí, desiertos y colinas, un cocodrilo llamado Xochitonal, viento de filosas piedras de obsidiana, y un caudaloso río que el muerto atravesaba con la ayuda de un perro que era sacrificado el día de su funeral (Xoloizcuintl).

En la tradición, se le entregaba a los dueños del inframundo ofrendas. Este detalle es muy importante ya que con el tiempo estas ofrendas seguirán presentes en los altares de la Santa Muerte. Mictecancuhtli y Mictecacihuatl fueron sin lugar a dudas las deidades a quienes se encomendaban a los muertos pero también eran invocados por todo aquel que deseaba el poder de la muerte. Su templo se encontraba en el centro ceremonial de la antigua ciudad de México-Tenochtitlan. Algo de estas creencias prehispánicas aun es latente en la cultura popular mexicana como por ejemplo el 2 de noviembre o día de muertos cuando se festeja el día con los antepasados muertos, o la idea que a los muertos no hay que recordarlos con tristeza si no con alegría como ellos vivieron por lo que es muy popular el llevar música bailable a los entierros.

Ideales del Venerador

Mercado de Sonora, Ciudad de México
Mercado de Sonora, Ciudad de México

Este culto ve a la muerte como algo innegable de la vida, una ley natural y que se tiene que aceptar. Se entiende a la muerte como un ser sufriente que se encarga de un trabajo penoso, que se le dio un gran poder pero una aun más grande carga. Recibe su poder de Dios a quien obedece, al ser la muerte un elemento indispensable para la vida. bajo esto se ve a la Santa Muerte mas como un ángel que como cualquier otra cosa.

La muerte es justa y pareja para todos pues todos vamos a morir. este es el ideal principal de la personalidad que se entiende de la Santísima (como también se le conoce) por lo que cuando se pide algo se sobreentiende que no es recomendable pedir nada negativo para una persona. Al pedir algo a la Santísima se puede o no ofrecer alguna ofrenda a cambio, mismas que pueden variar en todo sentido, pueden ser desde algo material como veladoras o mejoras al altar o cosas simbólicas como el cantarle, "hecharse un tequila juntos" sacarla a pasear o vestirla de fiesta, también son validas cosas como hacer las paces con algún familiar, cambiar algún habito o cualquier cosa se dicte el corazón e imaginación del orante. La Santísima espera que se le cumpla lo que se le pide por lo que es más recomendable no ofrecer nada a cambio del favor que ofrecer algo que no se tiene la seguridad de cumplir o qué puede ser olvidado.

El trato que se tiene a las imágenes de la santa muerte y el culto en general es un trato de más de sinceridad y compañía algo muy diferente del habitual temor a los rituales religiosos. El caso es tratar a la imagen como un miembro de la familia y mostrarte ante ella sin temerle ni faltarle al respeto. La Santísima tiene un trabajo triste y penoso por lo que espera ser tratada con alegría y cariño algo muy normal en la personalidad de los mexicanos.

Cuando una persona se informa sobre el culto la primera información que recibe es que debe de retractar antes de iniciar si es que tiene algún temor al respecto y que nunca deberá faltarle al respeto a la Santísima. el trato que debe de recibir debe de ser el mismo que le das a una persona real por lo que es muy común poner dulces en los altares, que platiquen con la imagen en voz alta o que tomen junto a los altares. Se trata de hacer con la Santísima lo mismo que con los amigos más respetados que tenemos.

Un venerador tiene como ideales el evitar toda actitud que limite la vida humana, tales como los miedos, las tristezas, el odio, envidias, etc. psicológicamente desde que se empieza a analizar los miedos e irlos perdiendo ya sea confrontándolos o aceptándolos como es el caso del hecho que vamos a morir, la persona tiende a reflexionar mas sobre lo que de verdad quiere en la vida y las cosas que lo hacen feliz.

Este culto se basa en respeto así que no va en contra de ninguna religión, aunque en el caso de las cristianas estas van en contra del culto a la muerte pues se supone que en el juicio final llegara Cristo a vencer a la Muerte.

Formas de Culto

Las estatuas tenebrosas se hacen en rojo, blanco, y negro - para el amor, suerte, y protección. Las ofrendas a la Santa Muerte incluyen rosas y tequila. Las capillas públicas a la Santa Muerte se adornan con las rosas y las botellas de tequila, y se encienden velas en su honor.

En México los elementos principales característicos de la estatuilla de la muerte son una balanza que representa la justicia, una hoz con la cosecha las almas y un pequeño mundo que carga en una de sus manos representando su impacto en el mismo, un reloj de arena que señala el paso del tiempo. La figura es humanoíde andrógena aunque tiende a tener mas semejanza con la figura femenina esto debido a la idea que si nacimos de una mujer morimos por una. es un esqueleto cubierto con una túnica que cubre todo menos las manos y cara.

Las personas que practican el culto se refieren a la imagen de varias formas que tienden a ser apodos cariñosos, tales como Flaquita, Niña Blanca Santita, Chiquita, etcétera. Esto es según la personalidad de cada orante

En la frontera entre México y los Estados Unidos, novenas de la Santa Muerte, medallas, y las velas se hacen y se venden al público. Similar a otras culturas alrededor del mundo, las figuras de viejos cultos en México están sincretizádos a veces como santos.

Por otra parte, puede representar simplemente una reinterpretación religiosa de la gente tradicional y católicos ortodoxos practican de rezo para recibir una muerte bendecida en un estado de la tolerancia. Sus rezos, oraciones, y los novenas contienen a la Trinidad, y adoración de Yahvé (o Jehová). Mientras que una cierta visión Santa Muerte como figura de la magia negra, otras opiniones de ella como específicamente santo católico digno del veneración.

Una plegaria breve, es la que se recita especialmente antes de algún evento abrupto y peligroso, la cual dice: "Santísima Muerte de mi adoración, no me desampares de tu protección"; ésta oración puede tener la variante: "Santísima Muerte de mi salvación, no me desampares de tu protección".

Evangelios Apócrifos

Publicado en Historia o parahistoria el 23 de Mayo, 2007, 10:00 por themackintoshman

Nombre dado a escritos surgidos en los primeros siglos del cristianismo en torno a la figura de Jesús de Nazaret y que no fueron aceptados por la ortodoxia católica, entre los que se encuentran los textos de Nag Hammadi.

Se les dio el nombre de evangelio por su aspecto similar a los cuatro evangelios admitidos en el canon del Nuevo Testamento. Sin embargo, muchos de ellos no tienen un estilo evangélico, ya que no son utilizados para anunciar una Buena Noticia (esto es lo que significa etimológicamente Evangelio).

Algunos de estos escritos surgieron en comunidades gnósticas, con la intención de contener palabras ocultas (en griego, apokryphos). Estos mensajes ocultos entre los discursos atribuidos a Jesús estaban reservados a los iniciados en esas comunidades. Aunque inicialmente se denominó "Evangelio apócrifo" únicamente a este tipo de escritos, se amplió posteriormente a todos los que no se incluyeron en el canon del Nuevo testamento, independientemente de su finalidad, oculta o no. En nuestros días la acepción más utilizada para el término apócrifo hace referencia a falsedad, por tal motivo se los ha empezado a llamar también, evangelios extracanónicos.

Entre los más de 50 descritos, pueden citarse:

Los 438

Publicado en Apuntes de la moleskine el 22 de Mayo, 2007, 10:42 por themackintoshman
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Este es un "pantallazo" de la sección estadísticas, que ofrece zoomblog; 438 personas, se pasaron por mi blog ayer, yo lo flipo, aún así , a todos, gracias.

Patrimonio de la Humanidad en España

Publicado en Cosas curiosas el 18 de Mayo, 2007, 9:54 por themackintoshman

España posee, junto con Italia, el mayor número de Patrimonio de la Humanidad del mundo, sumando un total de 41, no seamos membrillos, y conservémoslos, y aumentémoslo, aquí, en León, hay una serie de sitios y monumentos, que merecen engordar la lista.

PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD DE ESPAÑA
Año  ↓ Nombre  ↓ Situación  ↓ Comunidad Autónoma  ↓ Fotografía  ↓
1984, 2005 Obras de Antonio Gaudí (Parque Güell y Palau Güell, Casa Milá, Casa Batlló, casa Vicens, portal de la Natividad de la Sagrada Familia en Barcelona y Cripta de la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló) Barcelona Cataluña
1984 Monasterio y sitio de El Escorial Madrid  Comunidad de Madrid
1984 Catedral de Burgos Burgos  Castilla y León
1984 La Alhambra, Generalife y Albaicín. Granada  Andalucía
Levantándose sobre la ciudad moderna, más baja, la Alhambra y el Albaycín, situados en dos colinas adyacentes, forman la parte medieval de Granada. Al este de la fortaleza y de la residencia de la Alhambra están los magníficos jardines del Generalife, anterior residencia rural de los emires que gobernaron esta parte de España en los siglos XIII y XIV. La zona residencial del Albaicín es rica en arquitectura vernácula morisca, con la que la arquitectura andaluza tradicional se mezcla armoniosamente.

Notas: Extensión de la Alhambra y del Generalife, incluiyen el barrio del Albaizin.

1984 Centro histórico de Córdoba Córdoba  Andalucía
1985 Monumentos de Oviedo y del Principado de Asturias Oviedo  Principado de Asturias
1985 Cueva de Altamira Santillana del Mar  Cantabria
Este sitio prehistórico en la provincia de Santander fue habitado en el período aurignaciense y luego en los períodos solutrense y magdaleniense. La mayor parte de los instrumentos de la piedra y, en particular, las famosas pinturas de la gran cámara (en ocre, rojo y negro y representando una variedad de animales salvajes tales como bisonte, caballos, cervatillos y verraco salvaje) datan de este último período.
1985 Ciudad vieja de Segovia y Acueducto de Segovia Segovia  Castilla y León
1985 Ciudad vieja de Santiago de Compostela Santiago de Compostela  Galicia
1985 Ciudad vieja de Ávila con sus iglesias extra-muros Ávila  Castilla y León
1986, 2001 Conjunto monumental mudéjar de la ciudad de Teruel Teruel  Aragón
1986 Parque Nacional de Garajonay La Gomera  Canarias
1986 Ciudad vieja de Cáceres Cáceres
1986 Ciudad histórica de Toledo Toledo  Castilla-La Mancha
1987 Catedral, Alcázar y Archivo de Indias en Sevilla Sevilla  Andalucía
1988 Ciudad vieja de Salamanca Salamanca  Castilla y León
1991 Monasterio de Poblet Vimbodí, Tarragona Cataluña
1993 Conjunto arqueológico de Mérida Mérida  Extremadura
La colonia de Augusta Emerita, que es la Mérida actual en Estremadura, fue fundada en el año 25 d.C. al final de la campaña española y era la capital de Lusitania. Los restos bien conservados de la vieja ciudad incluye, en particular, un gran puente sobre el Guadiana, un amfiteatro, un teatro, un gran circo y un sistema excepcional de abastecimiento de agua. Es un ejemplo excelente de una capital romana de provincias durante el imperio y años posteriores.
1993 Real Monasterio de Nuestra Señora de Guadalupe Guadalupe, Cáceres  Extremadura
1993 El Camino de Santiago
1994 Parque nacional de Doñana Huelva y una menor parte en Sevilla  Andalucía
El parque nacional de Doñana en Andalucia ocupa la ribera derecha del río de Guadalquivir en su estuario en el Océano Atlántico. Es notable por la gran diversidad de sus biotopos, especialmente lagunas, los marjales, dunas fijas y móviles, arbolado bajo y matorral. Es el hogar de cinco especies de aves amenazadas. Es uno de los mayores lugares de cria de las garzas de la región mediterránea y es el lugar de invierno de más de 500.000 aves zancudas cada año.
1996 Ciudad histórica fortificada de Cuenca Cuenca  Castilla-La Mancha
1996 La Lonja de la Seda de Valencia Valencia  Comunidad Valenciana
1997 Palau de la Música Catalana y hospital de San Pau Barcelona Cataluña
1997 Las Médulas provincia de León  Castilla y León
1997 Monasterio de San Millán de Yuso y Monasterio de San Millán de Suso San Millán de la Cogolla, La Rioja  La Rioja
1998 Arte rupestre del arco mediterráneo de la Península Ibérica Cataluña, Aragón, Castilla-La Mancha, Región de Murcia y Andalucía. Cataluña -  Aragón -  Comunidad Valenciana -  Castilla-La Mancha -  Región de Murcia -  Andalucía
1998 Universidad y barrio histórico de Alcalá de Henares Alcalá de Henares  Comunidad de Madrid
1999 Ibiza, biodiversidad y cultura Isla de Ibiza  Islas Baleares
1999 San Cristóbal de La Laguna Tenerife  Canarias
2000 Sitio Arqueológico de Atapuerca Atapuerca, Burgos  Castilla y León
2000 Palmeral de Elche Elche  Comunidad Valenciana
2000 Iglesias (iglesias románicas catalanas) Valle de Bohí, Lérida Cataluña
2000 Muralla romana de Lugo Lugo  Galicia
2000 Conjunto arqueológico de Tarragona Tarragona Cataluña
2001 Paisaje cultural de Aranjuez Aranjuez, Madrid  Comunidad de Madrid
2001 Misteri D'Elx (Elche) Elche  Comunidad Valenciana
2003 Conjuntos Monumentales Renacentistas de Úbeda y Baeza Úbeda y Baeza  Andalucía
2005 La Patum de Berga Berga, Barcelona Cataluña
2006 Puente de Vizcaya Portugalete y Guecho, Vizcaya  País Vasco

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