Paranoias propias y gustos personales


Feliz Navidad

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 25 de Diciembre, 2008, 21:51 por themackintoshman

Feliz Navidad a todos, y os deseo un venturoso 2009.

Estamos en estas fiestas, y hay un bombardeo de villancicos , miles de "25 de diciembre, fun,fun,fun" y "Noche de paz,noche de amor", a mí , no me gstan especialmete esos vilancicos, me gustan más otros,menos acuales,véase este que os pongo aquí.

http://es.youtube.com/watch?v=XcQYsujAVC0

El buen rey Wenceslao salía del banquete de Esteban
Y la crujiente nieve lo cubría todo alrededor
La luna brillaba esa noche en la que el frío era cruel
Apareció un hombre pobre con un farolillo encendido
Venga, acérquese a mí y caliéntese y sabrá que él es quién lo ordena
Amable caminante, quién es el, cuando llegó y dónde está
Señor, vive lejos de aquí, en una cueva entre las montañas
Cruzando el límite del bosque de la fuente de Santa Agnes
Traedme carne y traedme vino, traedme vino aquí
Nos dará bien de cenar cuando lleguemos allí
El caminante y el monarca se encaminaron hacia el lugar
Cruzaron juntos los fuertes vientos y el mal tiempo

!Feliz Navidad!

Batman

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 27 de Noviembre, 2008, 8:37 por themackintoshman

Ay,qué buenos tiempos aquellos en los que descubrí a Batman, debía tener unos 14 años, era la época en que descubrí a Poe, y me quedaba poco para descubrir a Lovecraft, a M.G. Lewis, y otras obras del terror gótico, por aquella época, también descubrí Metrópilis y el Nosferatu de Murnau.

Leía y releía una aventura del caballero oscuro,contra el espantapájaros,todavía Batman, vestía de gris y azul, y no era la época tan ocura como ahora.

Esa fué la época en que se epezarn a marcar mis gustos,un tanto macabros,góticos, por ello,quería poneros un artículo sobre Batman, el señor de la noche, el caballero oscuro.

OJO.Al que mencione algo sobre la relación entre Batman, y el chico maravilla, se las tendrá que ver conmigo.

Batman
Publicado por DC Comics
Primera aparición Detective Comics Nº 27 (mayo de 1939)
Creado por Bob Kane y Bill Finger
Características
Nombre real Bruce Wayne
Alias conocidos Matches Malone
Estado Activo
Afiliaciones actuales Liga de la Justicia
Los Marginales
Familiares Dr. Thomas Wayne (padre, fallecido),
Martha Wayne (madre, fallecida),
Dick Grayson (hijo adoptivo),
Jason Todd (hijo adoptivo),
Tim Drake (hijo adoptivo),
Damian Wayne (hijo biológico),
Talia al Ghul (madre de Damian)
Habilidades Gran inteligencia,
Habilidades de detective,
Maestro de artes marciales,
Maestro del disfraz,
Escapista experto,
Equipamiento de alta tecnología

Batman (originalmente referido como Bat-Man) es un superhéroe de historietas cocreado por el dibujante Bob Kane y el escritor Bill Finger (aunque sólo se reconoce oficialmente la autoría al primero) y publicado por DC Comics. Su primera aparición fue en Detective Comics Nº 27, en la historia titulada El extraño caso del sindicato químico, de la editorial estadounidense National Publications, en mayo de 1939.

La identidad secreta de Batman es Bruce Wayne (traducido a Bruno Díaz, en algunos países de habla hispana), un empresario multimillonario, playboy y filántropo. Después de presenciar el asesinato de sus padres, durante su infancia, Bruce decidió entrenarse física y mentalmente para combatir el delito en Gotham City, disfrazado como un murciélago. A diferencia de otros superhéroes, no posee superpoderes. En cambio, usa el intelecto, la ciencia y la tecnología como recursos principales, y es asistido frecuentemente por amistades y empleados, entre los que se encuentran Robin y Alfred Pennyworth.

Desde su introducción, se ha convertido en uno de los personajes más reconocidos de la empresa, llegando a obtener su propio libro de historietas, en 1940. A mediados de la década de 1960, fue lanzada una serie de televisión basada en el mismo, que alteró físicamente la apariencia original del personaje. Con la finalidad de devolverle su tono oscuro, los dibujantes Neal Adams y Frank Miller, así como el guionista Dennis O'Neil, trabajaron conjuntamente en la elaboración de nuevos escritos que redefinieran su naturaleza general. El interés popular hacia Batman fue retomado a partir de la película de Tim Burton, estrenada en 1989, y la de Christopher Nolan, en 2005.

Creación y publicación

El éxito logrado por Superman, en la historieta Action Comics, impulsó a los editores de DC Comics (en ese entonces, 1939, la división de National Publications), a crear nuevos superhéroes para sus siguientes ejemplares. En respuesta, Bob Kane creó un personaje llamado "el Bat-Man".[1] Su colaborador Bill Finger recibió una llamada telefónica, para apreciar su proyecto original:

...fui a su casa, y observé que había dibujado un personaje muy similar a Superman, con una especie de medias de color rojo. Me parece que usaba botas y no tenía guantes ni accesorios, sólo contaba con una pequeña máscara, sujetada por una cuerda. Tenía también dos alas que sobresalían, figurando ser alas de murciélago. Y debajo tenía un gran logo: BATMAN.[2]

Finger ofreció algunas sugerencias, como cambiar su antifaz por una capucha, dibujarle una capa en vez de alas, proporcionarle guantes y retirar las secciones rojas y brillantes del traje. Mientras Kane escribía la primera historia de Batman, Finger se ocupaba de los cambios artísticos del personaje.[3] [4]

Estatua de Robert Bruce.

Finger también sugirió el nombre de Bruce Wayne, para la identidad secreta de Batman, "Bruce viene de Robert Bruce, el rey escocés, y Wayne, por contar con la identidad de playboy, del significado "hombre delicado". En este último caso, busqué por un nombre que sugiriera colonialismo. Intenté con Adams, Hancock ... entonces, me acordé de Anthony Wayne."[5] Numerosos aspectos de la personalidad, historia, diseño y equipamiento fueron inspirados en la cultura popular de los años 1930, incluyendo películas, historietas, libros, dibujos animados, e incluso algunos detalles de los bocetos de Kane.[6] Kane percibió, especialmente, la influencia de las películas La Marca del Zorro (1920) y The Bat Whispers (1930), aunque Finger mencionó haberse inspirado de personajes literarios, tales como Doc Savage, The Shadow y Sherlock Holmes, en su doble interpretación de Batman como un maestro de artes marciales y un científico.[7]

El éxito de Superman alentó a la creación de Batman en 1939.

En su autobiografía de 1989, Kane habló acerca de las contribuciones de Finger en la creación del personaje:

Un día, llamé a Bill y le dije, 'Tengo un nuevo personaje llamado el Bat-Man y le he añadido algunos elementos primitivos y elementales. Me gustaría que vinieras a verlo'. Llegó a mi casa y le mostré mis bocetos. En ese entonces, sólo le había dibujado una pequeña máscara, similar a la que portaría después Robin, sobre la cara de Batman. Bill dijo, '¿Porqué no lo hacemos lucir más como un murciélago y le dibujamos una capucha sobre su rostro, con dos rendijas para sus ojos, para hacerlo más misterioso?' Hasta entonces, el Bat-Man vestía un traje rojo; las alas, el tronco y la máscara eran de color negro. Pensaba que el rojo y el negro serían una buena combinación. Sin embargo, Bill me dijo que la vestimenta resultada demasiado brillante: 'Coloréalo de gris oscuro para darle un toque más siniestro'. La capa lucía como un par de alas rígidas de murciélago, sujetas a los brazos. Cuando lo comentamos, concluimos que esas alas le estorbarían al Bat-Man en las escenas de acción, así que las convertimos en una capa con terminaciones puntiagudas para que luciera como el ala de un murciélago, cuando estuviera peleando o columpiándose sobre una cuerda. Además, desde un principio, no quería que Batman portara guantes, pero decidimos dejarlos para evitar que el personaje tuviera problemas con la impresión de sus huellas digitales por dondequiera que fuese.[8]

Kane firmó un contrato en donde se declaraba como el autor legítimo del personaje. Junto con las regalías por el uso del mismo, se añadiría su autoría en todas las historietas de Batman. Inicialmente, los créditos no mencionaban "Batman creado por Bob Kane"; su nombre era, simplemente, escrito encima del título de cada ejemplar. A mediados de los años 1960, el nombre desapareció y fue reemplazado por los créditos de los dibujantes y escritores responsables de cada nueva historia. En la siguiente década, cuando Jerry Siegel y Joe Shuster comenzaron a recibir sus respectivos créditos por las historietas de Superman, y William Moulton Marston recibió su reconocimiento por la creación de la Mujer Maravilla, las publicaciones de Batman empezaron a incluir la línea "Creado por Bob Kane", en adición con otros créditos.

Ray Bradbury y Julius Schwartz, en 2002.

Finger no recibió el mismo reconocimiento. A pesar de que había recibido crédito por sus anteriores trabajos en la empresa, durante la década de los años 1960, recibió únicamente "gratitudes" por sus contribuciones en la creación de Batman; por ejemplo, en las líneas de Batman Nº 169 (febrero de 1965), el editor Julius Schwartz lo mencionó como el creador de Riddler, uno de los villanos recurrentes en la saga de Batman y conocido como Enigma (España) y Acertijo (Latinoamérica). Sin embargo, el contrato de Finger estipulaba que su nombre sólo aparecería entre líneas y no en la sección oficial de los creadores principales. Kane escribió, "Finger estaba desalentado por la ausencia de socios a lo largo de su trayectoria. Sintió que no tenía porqué usar su potencial creativo para completar sus creaciones y tener éxito en sus trabajos".[5] Cuando Finger murió, en 1974, DC Comics aún no lo acreditaba como el co-creador del personaje.

Inicialmente, Kane rechazó a Finger como uno de los creadores del personaje escribiendo una carta a los fanáticos, en 1965, "... me parece que Bill Finger ha dado la impresión de que fue él, y no yo, quien creó al Batman, así como a Robin y todos los villanos y personajes principales. Esto es un anuncio fraudulento y constituye una mentira." Kane comentó también acerca de la desaparición de Finger en los créditos. "El problema con ser un escritor "fantasma" es que debes permanecer en el anonimato y sin "crédito" alguno. Pero, si uno de ellos desea el "crédito", entonces debe dejar de ser un "fantasma" y convertirse en un líder e innovador".[9] En 1989, Kane volvió a hacer mención, en una entrevista, de la situación de Finger,

Durante esa época, fue considerado como un artista y su nombre apareció en una franja al reverso de la historieta — la política de DC en las publicaciones era, si no puedes escribir algo, auxíliate de otros escritores, pero sus nombres nunca aparecerán en la edición final. Así que Bill nunca me cuestionó sobre ello y yo tampoco se lo mencioné — tal vez por mi ego de esa época. Me sentí muy mal sobre lo sucedido cuando él murió.[10]

Primeras apariciones

La primera historieta de Batman, "El extraño caso del sindicato químico", fue difundida como parte del comic book Detective Comics Nº 27 (mayo de 1939). Finger declaró que el argumento pertenece al género pulp de las revistas populares,[11] una evidente influencia que se halla implícita en la personalidad del personaje: sentir un poco de remordimiento a causa de sus asesinatos, cometidos sin involucrar algún arma de fuego. El éxito de su introducción le reportó la creación de su propia serie, Batman, en 1940. En ese entonces, National Publications era la empresa líder en las ventas de historietas, siendo considerada como la más popular y reconocida en la industria; Batman y Superman se habían convertido en sus «héroes estelares».[12] A mediados de 1940, ambos fueron introducidos en la nueva serie World's Finest Comics, en la que Jerry Robinson y Dick Sprang trabajaban como colaboradores.

Los rasgos más perdurables comenzaron a establecerse en los siguientes números. Curiosamente, Kane notó que en 6 ejemplares había dibujado la barbilla más pronunciada y las orejas de una mayor extensión, a diferencia de los bocetos originales. "En un año, siento que casi logré interpretar la madurez completa de Batman".[13] En los números 29 y 31 (julio y septiembre de 1939), aparecieron el cinturón multiusos y el búmeran personalizados, así como el batimóvil, respectivamente.

El Batimóvil fue introducido a finales de 1939.

El concepto e historia de la identidad secreta empezaron a ser explorados a partir del número 33 (noviembre del mismo año), en una edición especial de 2 páginas, cuyo relato revela el acontecimiento que llevó a Bruce Wayne, un playboy millonario, a convertirse en el 'hombre murciélago'. Impresionado y frustrado por el asesinato de sus padres, el pequeño Bruce murmura durante el sepelio de ambos, "por los espíritus de mis padres, prometo que vengaré su muerte, combatiendo el delito, por el resto de mi vida."[14] [15] [16] Las características más notables del género aparecieron hasta el volumen 38 (abril de 1940), a partir de la introducción de Robin, como el 'chico aliado' de Batman.[17] [18] Robin había sido concebido por una sugerencia de Finger, acerca de la necesidad de crear un colega con el que Batman pudiera conversar.[19] Kane no estaba completamente de acuerdo, sin embargo, tras el lanzamiento del número referido, las ventas se duplicaron y con ellas la proliferación de aliados y secuaces en numerosas adaptaciones alternas.[20]

El primer tomo de Batman destacó por la introducción de Catwoman (cuya identidad oculta es Selina Kyle; conocida como Gatúbela en Latinoamérica) y The Joker, al igual que por su controversial historia (Batman vence a criaturas gigantes con una pistola). Más tarde, el editor responsable, Whitney Ellsworth, mencionó que sería "la primera y última ocasión en que el personaje enfrentaría a sus rivales con un arma."[21]

A partir de 1942, con gran parte de los rasgos básicos descritos,[22] DC Comics adoptó una nueva "política editorial", enfocada a las audiencias juveniles. En los años posteriores a la II Guerra Mundial, los editores sustituyeron el tono 'desolado y amenazado' de las historietas de Batman por un entorno más 'colorido y paternalista', respecto al presentado en las ediciones previas.[23]

Controversia de los años 1950

En los años 1950, Batman era uno de los pocos superhéroes que continuaban siendo divulgados, a razón del interés de los lectores en el género. En junio de 1952, hizo su primera aparición en la serie Superman, como co-protagonista del volumen 76, títulado "El equipo más poderoso del mundo". La historia muestra una alianza entre Superman y Batman, quienes compartieron entre sí sus verdaderas identidades.[24] El éxito del tomo ocasionó que DC Comics evaluara la posibilidad de rediseñar World's Finest Comics, bajo la finalidad de contribuir al desarrollo de nuevos relatos estelarizados por los personajes más populares de su editorial.[25]

La obra de Wertham criticó numerosas historietas por sus mensajes implícitos, entre ellas Batman.

La serie fue modificada por el proyecto anterior y su lanzamiento significó "un éxito financiero durante una época en la que los héroes ya no abundaban, mientras que los existentes estaban destinados a un solo tiraje," hasta la cancelación de la misma, en 1986.

En 1954, fue publicado el libro Seduction of the Innocent (traducción, La seducción del inocente), del psicólogo Fredric Wertham. La obra expone la tesis de que los niños imitan los delitos descritos en las historietas, y por lo tanto Wertham concluyó en que este tipo de fábulas corrompe los valores de la juventud. Como resultado, numerosas publicaciones fueron rigurosamente criticadas, entre ellas las correspondientes a Batman, por sus supuestas matices de homosexualidad implícitas en la relación de Batman y Robin.[26] Las protestas alcanzaron un nivel considerable para las audiencias, terminando en la constitución de la organización Comics Code Authority. Las críticas continuaron con el paso de la década, y Batman empezó a ser visto como un personaje de "sexualidad dudosa".[27] Algunos investigadores convergen en que Batwoman (Batimujer) y Batgirl (Batichica), introducidas en 1956 y 1961, fueron creadas para contrarrestar la controversia desatada por la obra de Wertham.[28]

Cronológicamente, los argumentos de Batman adoptaron una temática orientada al género de la ciencia-ficción, en un intento por asemejar el aceptable resultado de otros personajes de la empresa.[29] Con esa nueva orientación, empezaron a aparecer Ace the Bat-Hound y Bat-Mite, e igualmente las aventuras estuvieron relacionadas con transformaciones de algunas de sus figuras secundarias en criaturas alienígenas. Además, en 1960, Batman fue introducido en el ejemplar Nº 28 de El valiente y el astuto, como nuevo miembro de la Liga de la Justicia.

Período del declive (1964-1985)

En 1964, se registró una drástica disminución en las ventas de Batman; Kane lo asociaría a una presunta conspiración de la editorial, en su intento por "desaparecer al personaje de la empresa."[30] El editor Schwartz fue contratado para renovar totalmente la serie, y los cambios comenzaron a evidenciarse en la mitad de ese mismo año: una nueva portada y un nuevo look, enfocados en nuevos relatos con una narrativa similar a la de los típicos relatos de detectives. Los rediseños, tanto de la vestimenta de Batman (la insignia del murciélago cambió de color) como del Batimóvil, son rasgos que definieron a las siguientes historietas del personaje. Batiwoman, Ace the Bat-Hound y Bat-Mite fueron retirados del contexto, y Alfred desapareció de los siguientes ejemplares (después de ser asesinado), con el objetivo de incorporar a la Tia Harriet como la nueva empleada de la Mansión Wayne, y compañera de Bruce Wayne y Dick Grayson —la identidad secreta de Robin.[31]

Dos años después, en 1966, se estrenó la serie de televisión Batman, cuyo éxito incrementó las ventas de la serie literaria, la cual alcanzó un flujo de circulación cercano a las 900.000 copias. La banda sonora de la serie es obra de Neal Hefti, Nelson Riddle, Billy May y Warren Barker, además, el grupo inglés The Who daria sonido a esa banda sonora.[32] Con un tono más "feminista", en comparación al sugerido por Detective Comics, en base a la designación de Batgirl como co-protagonista de los capítulos, la serie fue cancelada en 1968, aún después de sus buenos resultados logrados durante las emisiones. A consecuencia de lo anterior, las historietas de Batman volvieron a perder interés. Schwartz mencionó al respecto, "cuando el programa se volvió tan notable, quedé impactado por su temática. Obviamente, con su desaparición, las historietas sufrieron un efecto similar."[33]

Neal Adams, en Comic-Con de 2007.

En 1969, el escritor Dennis O'Neil y el dibujante Neal Adams comenzaron a describir un Batman apegado a las historias originales, brindándole la distinción de 'severo vengador de la noche.'[34] O'Neil expresó que su idea era reinventar al personaje, basándose en los primeros relatos del mismo. "Acudí a la biblioteca y me puse a leer algunas de las primeras historietas. Mi ideal es resolver cuál fue el sentido con el que Kane y Finger crearon a Batman."[35] La primera colaboración mutua de O'Neil y Adams fue en Detective Comics Nº 395 (enero de 1970). En lo sucesivo, aunque fueron pocas las asociaciones de ambos, la influencia de su reinvención fue catalogada como "tremenda."[36] Uno de los colaboradores, Dick Giordano, dijo, "regresamos al Batman oscuro y siniestro, y creo que fue porque las primeras historias eran buenas ... Incluso, continuamos usando la capa larga y las orejas puntiagudas en nuestro diseño del personaje."[37] En cambio, las ventas no mejoraban —en 1977, Steve Englehart y Marshall Rogers intentaron coordinarse e imitar el estilo interpretativo de Adams. Su colaboración, del número 471 al 476, ha sido considerada como la fuente de inspiración directa de la primera película y la serie animada del personaje—[38] y alcanzaron un nivel crítico a comienzos de 1985.[39]

El ascenso del Caballero Oscuro

Una nueva reinvención surgió con la novela gráfica Batman: The Dark Knight Returns de Frank Miller, publicada en 1986. Convertida en uno de los mayores éxitos en la industria,[40] la novela describe el futuro alternativo de Batman a sus 50 años de edad, tras retomar su oficio de superhéroe. Junto a su considerable nivel de ventas, resulta destacable su impacto en el resurgimiento popular de Batman.[41] Ese mismo año, O'Neil se convirtió en el editor responsable de Batman y, aprovechando las influencias de la obra de Miller y la miniserie Crisis en Tierras Infinitas, decidió constituir a Batman como un héroe más legendario e incomparable. De esta forma, su primer título, Batman: Año uno (números 404-407, 1987), volvió a fijar el origen del personaje, a partir de una nueva perspectiva. En la edición colaboraron Miller y el dibujante David Mazzucchelli.

Al año siguiente, Alan Moore y el dibujante Brian Bolland hicieron su colaboración en la novela gráfica Batman: The Killing Joke, enfocándonse en The Joker e inspirándose en los detalles visuales y narrativos de la edición "Año Uno". La historia relata la hazaña de este criminal en su intento por volver loco al oficial James Gordon. Para ello, hiere gravemente a su hija y termina secuestrándolo, para torturarlo física y mentalmente. En ese entonces, DC Comics creó una línea telefónica, disponible para definir el futuro de algunos personajes secundarios, entre ellos Jason Todd (el segundo Robin). Las votaciones tenían un efecto directo en los siguientes números (en el caso anterior, por un breve margen de 28 votos, los lectores convinieron en su muerte, la cual se halla narrada en la edición Una muerte en la familia).[42]

Tim Burton dirigió la éxitosa película de 1989.

En 1989, se estrenó la película Batman, dirigida por Tim Burton y estelarizada por Michael Keaton. La adaptación tuvo enormes ganancias a nivel internacional y consiguió incrementar significativamente la popularidad del personaje, incluso llevó a la publicación de una nueva serie, Legends of the Dark Knight (traducción, Las leyendas del Caballero de la Noche), cuyo primer tomo vendió alrededor de un millón de copias.[43] Tiempo después, Batman fue introducido en el crossover Batman: Knightfall, de 1993. En su incursión, el villano Bane hiere de gravedad a Batman, por lo cual Azrael (su identidad secreta es Jean-Paul Valley) debe sustituirlo como el nuevo guardián de Gotham City. En 1999, fue lanzado el crossover Batman: No Man"s Land, en donde se describieron los efectos de un gran sismo en Gotham City. En 2003, el escritor Jeph Loeb y el dibujante Jim Lee crearon Batman: Hush, edición anual que introdujo al villano Hush y devolvió la alianza entre Batman y Robin. Su trabajo fue reconocido como la edición más vendida desde el volumen Nº 500 (octubre de 1993). La próxima colaboración de Lee sería con Miller en All Star Batman and Robin the Boy Wonder, referida como la más vendida de las publicaciones de DC en 2005.[44] [45]

A partir del año 2005, Batman fue incorporado en las miniseries Crisis de Identidad y Crisis Infinita. En 2006, Grant Morrison y Paul Dini asumieron los roles de editores responsables de las historietas relacionadas con el personaje.

Biografía y cronología

La recopilación de los sucesos que integran la vida del personaje, ha sido objeto de varias revisiones y cambios constantes. Los investigadores William Uricchio y Roberta E. Pearson han resuelto que "a diferencia de otros personajes, Batman no está ubicado en un período determinado, sino que ha prevalecido como icono en una gran variedad de textos, durante más de cinco décadas."[46] Para determinar las sucesivas relaciones ficticias, los escritores han tomado la historia y origen de Batman como "ejes principales":[47] cuando Bruce era un niño pequeño, quedó impactado luego de presenciar las muertes de sus padres, el médico Thomas Wayne y su esposa Martha, perpetradas por un delincuente. La impresión lo condujo a tomar la decisión de convertirse en el 'hombre murciélago' y combatir el delito en su ciudad. En Batman Confidential Nº 14, se menciona que el asesinato aconteció un 26 de junio, fecha que Bruce anualmente conmemora, visitando la "escena del crimen".[47]

Aunque han surgido numerosos relatos derivados, algunos editores han intentado establecer vínculos entre los principales acontecimientos, con el fin de establecerlos de manera consistente en el transcurso del tiempo.[48]

La inspiración de un murciélago

Bruce Wayne se inspiró en un murciélago, para convertirse en Batman.

Inicialmente, Batman comenzó a ser descrito como un singular combatiente del crimen.[49] Su origen empezó a ser explorado a partir de Detective Comics Nº 33, en el cual Bruce Wayne es hijo del Dr. Thomas Wayne y Martha Wayne, dos empresarios exitosos y reconocidos en la sociedad de Gotham City. Su infancia transcurrió en medio de privilegios y riquezas, predominantes durante su estancia en la mansión familiar. A los 8 años, cuando salían de una función de cine, sus padres son víctimas de un asalto en el que pierden la vida, asesinados por el delincuente Joe Chill. Bruce promete que hará todo lo posible por hacer de su ciudad un lugar más seguro, combatiendo el delito en cualquiera de sus derivaciones. Con el afán de cumplir su sentencia, se somete a un riguroso entrenamiento físico y mental —aunque luego se percata de la necesidad de una identidad secreta, "pues los criminales son supersticiosos y cobardes, por lo que mis habilidades tienen que aprovechar sus temores para intimidarlos. Debo ser una criatura nocturna, oscura e impactante ..." En ese mismo relato, la inspiración de un murciélago que entra a través de la ventana de su cubículo, le es suficiente para convertirse en el nuevo héroe: Batman.[50]

Debido a su repentina aparición como el 'vengador de la noche', la policía de Gotham City piensa que se trata de un nuevo delincuente, por lo que comienza a perseguirlo en sus primeras aventuras. Además, Batman comienza su primera relación romántica con Julie Madison,[51] conociendo también a Robin (cuya identidad secreta es Dick Grayson) y afiliándose a la Liga de la Justicia de América.[52] En los siguientes ejemplares, Batman tiene que demostrar su apego a las leyes y apoyo a la justicia, para convencer al departamento policíaco de su verdadero propósito.[53] Poco después, la policía lo nombra miembro honorario del departamento.[54] [55]

Versión paralela y prototipos

En los años 1960, fueron introducidos numerosos elementos característicos de la ciencia-ficción en las historietas de Batman.

En 1956 inició la denominada "época plateada de las historietas" en DC Comics. A consecuencia de la misma, sus editores se orientaron a la renovación de los personajes e historietas existentes hasta ese momento, mismos que planeaban ubicar en un contexto más contemporáneo. El primero en ser modificado fue Flash. Sin embargo, y a pesar de que adoptó un tono menos oscuro en lo sucesivo, Batman no pasó por ediciones significativas. A inicios de los años 1960, comenzaron a añadir los elementos característicos de la ciencia-ficción en Batman y Detective Comics —en el Nº 327 de este último, muestra una mayor evidencia de lo anterior—, resultando en la creación del Batman de Tierra-2, en base a la perspectiva narrativa de "versión paralela" al Batman original. La versión consiguió ampliarse a algunos personajes más (Gatúbela y Helena Wayne), quienes adoptaron una nueva interpretación. La Cazadora (identidad secreta de Helena Wayne) se convirtió en la nueva guardián de Gotham City, uniéndose al Robin de Tierra-2, luego de que Batman decidiera retirarse de su oficio como héroe, para trabajar como oficial del departamento policiaco. Los investigadores concluyeron en que las 2 versiones refieren a 2 personajes diferentes, ubicados en relatos distintos. Aún con dicha resolución, algunos editores han ignorado —consciente o inconscientemente— las diferencias existentes entre ambas versiones.[56]

Algunos de los nuevos elementos que empezaron a mencionarse como parte del canon fueron el encuentro de Batman con Superman del futuro, la protección de Bruce por su tío Philip Wayne durante su orfandad (Batman Nº 208, enero de 1969) y la manifestación de sus ancestros como los prototipos originales de Batman y Robin.[57] [58] El editor Paul Levitz se ocupó de incluir los anteriores detalles, vinculándolos con la versión paralela, en la serie The Untold Legend of the Batman.

La llegada de Robin y el Joker

Joker apareció, por primera vez, en 1940.

En World's Finest Comics, serie publicada de 1954 a 1986, Batman se une a Superman y otros héroes de DC para resolver, en equipo, diversas intrigas delictivas. En los años 1960, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Liga de la Justicia (The Brave and the Bold Nº 28), al mismo tiempo que Dick Grayson se ocupaba del mantenimiento de una universidad. Durante este período, los editores realizaron una revisión de las historietas del personaje, con el objetivo de continuar la cronología descrita hasta entonces. Para finales de la década, Bruce se mudaría a una nueva y más sofisticada mansión, ubicada detrás de Industrias Wayne (en pleno centro comercial y financiero de la ciudad), buscando radicar más cerca de la sociedad. Robin y Batgirl dejaron de aliarse a él, figurando entonces nuevas aventuras con una mayor descripción violenta, en base a la introducción del Joker, un asesino psicópata y "mente maestra" del delito, y Ra's al Ghul. También apareció Nightwing, la nueva identidad de Grayson. En 1983, la Liga de la Justicia fue disuelta, para ser sustituida por la nueva asociación Los Marginales, -conocida en Argentina y en varios países como "Outsiders"- encabezada por Batman.

Historia y características

Dentro del mito, Batman es el alter ego de Bruce Wayne o según algunas interpretaciones, Bruce Wayne es el alter ego de Batman, sólo una máscara para proteger su yo verdadero que es el justiciero que creó después de la muerte de sus padres y así afrontar la tarea de luchar contra el crimen y evitar que ninguna otra persona muera injustamente a manos de delincuentes.

Sus padres fueron Thomas y Martha Wayne.

Según la versión oficial de DC Comics se sabe que fue Joe Chill el asesino de sus padres. En la saga Zero Hour (Hora Cero) se relata que la identidad del asesino de sus padres nunca fue descubierta. Sin embargo, tras los efectos de Crisis Infinita, ahora no sólo se explica que se conoció el nombre del asesino, sino que incluso fue procesado por el crimen, influencia que algunos consideran proviene de la película Batman Begins.

Para vengar la muerte de sus padres, Wayne pasó su juventud viajando por el mundo aprendiendo una variedad de habilidades para luchar contra el crimen, incluyendo criminología, ciencias forenses en el FBI, artes marciales (especialidad-Ninjutsu) con diversos maestros y técnicas de combate, cacería humana al aire libre en Alaska y en sectores urbanos con Henri Ducard, camuflaje y caracterización de personajes con Alfred, el cual le enseñó a Wayne los cambios significativos a su voz para convertirse en Batman. La voz del Caballero de la Noche es baja y rasposa, a manera de disfraz y como intimidación.

A su regreso a Gotham City (Ciudad Gótica, en algunos países de latinoamérica) a la edad aproximada de 27 años, Bruce Wayne inició su solitaria lucha contra el crimen. Dado el poco éxito que obtuvo, decidió buscar un atuendo que amedrentara a sus enemigos, pues en una de sus lecturas sobre criminología aprendió que "los criminales son cobardes y supersticiosos". En una escena de aires oníricos repetida en varios cómics del personaje, un murciélago rompe el cristal de una ventana e irrumpe en la biblioteca de Wayne cuando éste meditaba; el protagonista lo toma como un presagio y decide que se convertirá en un murciélago.

Según la declaración de Superman, «Batman es el hombre más peligroso de la Tierra». Y esto se demuestra cuando Batman, al descubrir que años atrás, varios miembros de la Liga de la Justicia le borraron 10 minutos de su memoria, decide crear al Hermano Ojo, un satélite espía que tenia como objetivo vigilar la actividad de todos los metahumanos del mundo, este satélite también tenía archivos de poderes y debilidades de todos los metahumanos. Batman es presentado como un hábil e incomparable combatiente cuerpo a cuerpo porque conoce diversas artes marciales y puede comenzar un ataque con una técnica y terminar con otra, por lo cual su contrincante no puede predecir cuáles serán sus movimientos, pudiendo enfrentarse hasta con los grandes maestros de una técnica de combate específica.

Además, con una personalidad estoica y obsesiva, ha entrenado su cuerpo hasta los límites de la capacidad humana debido a su fuerte deseo de justicia.

Cuando su capacidad de respuesta humana se ve sobrepasada recurre a sus ilimitados recursos tecnológicos para solucionar cualquier situación.

Bruce diseña los trajes, equipo y vehículos que utiliza como Batman, siendo éstos producidos por una división militar secreta de las Industrias Wayne. De hecho, muchas veces se ha pensado en Batman como un metahumano (un humano con poderes, por ejemplo Flash) debido a que, la mayor parte del tiempo, su inteligencia y poder de invención va más allá de toda lógica. Pero Batman no es un metahumano (al menos DC ha dicho que no) sino una persona con gran capacidad de deducción y una gran inteligencia. A través de los años, ha acumulado un gran arsenal de artefactos especializados (compárese con James Bond). El diseño de la mayoría del equipo que utiliza Batman comparte su color oscuro y diseño con base en un murciélago. Un ejemplo de esto es su automóvil, el Batmóvil, frecuentemente presentado como un auto negro con largas aletas que parecen alas de murciélago; otro ejemplo es una de sus armas más conocidas, el "batarang", un búmerang con forma de murciélago.

Para el mundo, Bruce Wayne es un hombre de negocios irresponsable y superficial que vive de la fortuna personal de su familia y de las ganancias de las Empresas Wayne, una gran compañía privada de la que es dueño. Sin embargo, Wayne es también conocido por sus contribuciones a la caridad, a través de la Fundación Wayne, una fundación de caridad dedicada a ayudar a las víctimas del crimen y a evitar que la gente recurra a él. La actitud pública de Bruce Wayne fue creada por él mismo para proteger su identidad secreta.

Las identidades duales de Bruce Wayne han variado por el tiempo. Los comics presentan el aspecto de playboy decadente de su personaje (antiguamente, los comics presentaban a Wayne como un caballero más maduro y refinado) como un disfraz, y al vigilante enmáscarado y particularmente rudo y oscuro como su "verdadero" yo. Wayne protege su identidad y sólo un número muy reducido de individuos conoce su alter ego de superhéroe, incluidos Alfred Pennyworth, Catwoman, la Dra. Leslie Thompkins, Robin, Oráculo, Nightwing, Jason Todd (Red Hood), Azrael, Spoiler. En ciertos comics, algunos de sus enemigos han descubierto su identidad a lo largo de los años, como Máscara Negra, Ra's al Ghul, Talia, Hugo Strange, el Acertijo, Luthor (antes de Crisis Infinita), y Bane. Afortunadamente, la mayoría, ha descartado la posibilidad de que Bruce Wayne sea Batman debido a la personalidad que Bruce representa. El Joker en particular disfrutó de varias oportunidades en las que podría haber descubierto la identidad de Batman, pero nunca lo ha hecho ya que eso le quitaría el misterio a su enemigo.

Batman trabaja en la Gotham City (una ciudad ficticia inspirada en Nueva York, alterada para enfatizar el "lado oscuro") en contraste con el sentimiento moderno y futurístico de Metrópolis. Para preservar esa temática "oscura", Batman casi siempre opera de noche. Cuando es requerido, la policía activa la "Batseñal" (un proyector con una insignia en forma de murciélago en su lente) que brilla en el cielo. La base de Batman es la Baticueva, una caverna localizada debajo de la Mansión Wayne, que contiene todos sus artefactos, armas y otra parafernalia.

Una parte importante del mito de Batman (a diferencia de Superman y la mayoría de otros héroes disfrazados) es que él no posee poderes sobrehumanos. Sin embargo, se ha elevado a un estatus superheróico gracias a su determinación, inteligencia y entrenamiento constante.

Los detalles del traje de Batman han cambiado repetidamente a lo largo de la evolución del personaje, pero los elementos característicos no: una capa negra, una capucha negra que cubre casi toda su cara, con un par de orejas puntiagudas que parecen las de un murciélago y un emblema de murciélago estilizado en el centro de su pecho. Las variaciones más notables en el traje incluyen un emblema de murciélago con un fondo elíptico amarillo en oposición al emblema sin color de fondo, colores claros (azul y gris claro) vs. colores oscuros (negro y gris oscuro), un cinturón de utilidades abultado vs. un cinturón delgado, orejas largas vs. orejas cortas. El desarrollo del Kevlar, Spectra y otros tipos de blindaje corporal ha causado que los creadores modernos hagan el traje o partes del traje de Batman a prueba de balas. En el trabajo seminal de Frank Miller The Dark Knight Returns, éste explica que la elipse amarilla alrededor del emblema de murciélago sirve como blanco para que las balas sean disparadas a ese lugar, donde el blindaje es más grueso.

Batman mantiene sus armas en una de las partes más reconocidas de su traje, un cinturón utilitario amarillo. A lo largo de los años ha contenido artículos como explosivos plásticos, ganzúas, toxinas nerviosas, batarangs, bombas de humo, herramientas para cortar y una pistola que dispara un gancho magnético unido a una cuerda para colgarse de ciertos lugares, entre otras cosas. En sus primeras apariciones, Batman usaba armas de fuego (véase Detective Comics N° 32 de septiembre de 1939), pero ha evitado su uso dada la forma en que murieron sus padres. Algunas historias han permitido que Batman use armas de fuego en sus vehículos para poder desarmar a otros o para destruir obstáculos inanimados como paredes.

En el 2007 se descubre que tiene un hijo con Talia, la hija Ra's al Ghul. El niño, llamado Damian, ha sido criado por Ra's.

Alias

Algunos apodos para Batman incluyen el Caballero Negro, Caballero Oscuro, Caballero de la Noche, Señor de la Noche, el Justiciero Enmascarado y el Mejor Detective del Mundo. Ra's Al Ghul lo llama "Detective". Batman se refiere a sí mismo como el "boogey-man" o el "Coco" en su traducción al español

Batman es un brillante detective, científico, táctico y comandante. Sus historias más duraderas y populares, casi sin excepción, son aquellas en que despliega inteligencia, ingenio y anticipación para ganar no sólo en combate, sino también en inteligencia a sus enemigos. Sus habilidades deductivas lo ponen a la altura de Sherlock Holmes.

Otra identidad secreta que ha tenido es Matches (Cerillos) Malone, una personalidad que adopta cuando tiene que investigar información del bajo mundo. Regularmente usa bigote, boina y muerde un cerillo.

Batman es la mente maestra detrás de la Liga de la Justicia, ofreciendo su mente y habilidades tácticas para guiar el poder de los demás miembros del equipo. En esta capacidad, Batman es visto como la antítesis de Superman; en los cómics recientes, los dos comparten una incómoda amistad. Participa con molestia con la Liga porque cree que sólo son aficionados, pues confían demasiado en sus superpoderes, dejando de lado la táctica y el trabajo de inteligencia.

También ha formado parte brevemente de otros equipos, incluido uno que fundó en los años 1980 llamado Los Marginales.

Apariciones en otros medios

El personaje de Batman ha aparecido en diferentes medios aparte del cómic, como tiras de prensa, seriales radiofónicos, televisivos, dibujos animados y películas.

La primera adaptación fue para una tira de prensa estrenada el 25 de octubre de 1943. Ese mismo año sus aventuras se adaptaron también para la televisión en un serial de 13 episodios, con Lewis Wilson interpretando el papel de Batman.[59]

Aunque el personaje no ha protagonizado nunca un serial radiofónico, solía aparecer como personaje secundario en The Adventures of Superman, cuyo estreno se remonta a 1945.

A la primera adaptación televisiva le siguió otra en 1949, titulada Batman and Robin, con Robert Lowery como Batman.[60] Estas adaptaciones realizadas a lo largo de la década de 1940 ayudaron a que el personaje ganara popularidad entre gente que normalmente no leía cómics.

En enero de 1966, empezó a emitirse en la cadena estadounidense ABC una nueva serie de televisión, protagonizada en esta ocasión por Adam West. Su rodaje, tras 120 episodios, concluyó en 1969 y dio lugar a una película, Batman (1966), filmada por los mismos realizadores, y a una serie de dibujos animados, The Batman/Superman Hour, que a su vez fue retitulada posteriormente como Batman with Robin the Boy Wonder, donde se eliminaron los episodios en los que no aparecían juntos los personajes de Batman y Robin.[61] [62] Entre 1973 y 1984 Batman se incluyó como personaje en la serie de animación The Superfriends, producida por el estudio Hanna-Barbera;[63] y en 1977 se estrenó The New Adventures of Batman.[64] En ocasiones, el propio Adam West doblaba al personaje en las versiones orginales de estas series de animación.

Christian Bale interpreta a Batman en Batman Begins y en The Dark Knight.

La siguiente película estrenada en cines no llegaría sino hasta 1989, cuando Tim Burton dirigió una nueva adaptación, protagonizada por Michael Keaton (en el papel de Batman), Jack Nicholson y Kim Basinger.[65] El mismo director realizó en 1992 Batman Returns, con Michael Keaton de nuevo a la cabeza del reparto, acompañado esta vez por Danny DeVito y Michelle Pfeiffer.[66]

Tras estos filmes, Joel Schumacher dirigió en el año 1995 Batman Forever, con Val Kilmer encarnando a Batman y junto a actores como Nicole Kidman, Tommy Lee Jones y Jim Carrey, y Batman & Robin en 1997, con George Clooney actuando como Batman, junto a Arnold Schwarzenegger y Uma Thurman.[67] [68]

Batman volvió a protagonizar una serie de dibujos animados en la televisión en 1992 titulada Batman: The Animated Series producida por los estudios Warner Bros, emitida originalmente por la cadena estadounidense Fox hasta 1997. Posteriormente la propia cadena de la Warner emitiría la serie bajo el título The New Batman Adventures. El equipo creativo de esta serie lanzó la película de animación The Mask of The Phantom y las series Batman del Futuro y Justice League.

En 2004 se estrenó una nueva serie de dibujos animados titulada The Batman.[69]

En 2005 el director Christopher Nolan realizó la película titulada Batman Begins, protagonizada por Christian Bale como Batman y en cuyo reparto destacan nombres como Michael Caine, Gary Oldman, Liam Neeson o Katie Holmes.[70] En 2008 Nolan dirigió una nueva película de Batman con Christian Bale y Heath Ledger titulada The Dark Knight, que alcanzó una recaudación en taquilla de 191 millones de euros tan solo 10 días después de su estreno.[71] [72]

Aliados de Batman

Aunque es un personaje solitario por naturaleza, Batman posee numerosos aliados: además de Alfred Pennyworth, su mayordomo, hay que destacar la figura de Robin, el Chico Maravilla, personaje menor de edad entrenado por Batman, y que hasta el momento ha sido personificado por tres jóvenes: el primero fue Dick Grayson que, al hacerse adulto, abandonaría esa identidad para convertirse en otro héroe llamado Nightwing; el segundo fue Jason Todd, quien murió asesinado por el Joker(en la saga Una muerte en la familia) para luego regresar gracias a las ondas de alteración de realidad creadas por Superboy Prime (ver Crisis Infinita) y que ha tomado el nombre de Red Hood; actualmente, Tim Drake ocupa el puesto de Robin.

Nota aparte merece una chica llamada Stephanie Brown, hija del villano Cluemaster y amiga/novia de Tim Drake, que tomó el manto de Robin por unos cuantos números, para darle celos a Tim. Steph ya tenía su carrera contra el crimen como Spoiler y, sorprendentemente, Batman la acepta como Robin justamente en un momento en que Tim dudaba sobre su papel como el Joven Maravilla. Stephanie, sin embargo, muere al final de Juegos de Guerra (War Games, 2004-5) luego de ser torturada hasta la muerte por Máscara Negra.

Otro apoyo del Hombre Murciélago es el comisario James Gordon, su enlace con la policía de la ciudad. Un caso especial es la sensual Catwoman, la ladrona de guante blanco Selina Kyle que en ocasiones ha sido enemiga, pero también amante, de Batman. De hecho, en la saga Silencio (Hush), Bruce le revela su identidad. La hija del comisario Gordon, Barbara Gordon alias Oráculo, ayuda a Batman con informaciones desde la internet; ella es actualmente la novia de Dick Grayson/Nightwing y fue la primera Batgirl hasta que el Joker la dejó paralítica al dispararle dos veces en la columna vertebral.

Helena Bertinelli, la Cazadora, es una vigilante de Gotham City de un estilo más violento que el de Batman, quien no apoya sus acciones e intenta que abandone sus actividades.

Se debe realizar una mención especial a Jean Paul Valley, antiguamente Azrael, que fue elegido por Bruce Wayne para seguir adelante con el rol de Batman cuando Bane le rompió la espalda. Jean Paul utilizó un estilo mucho más violento y brutal con los criminales, cambió su uniforme por una armadura, lesionó gravemente e incluso mató o dejo morir a diversos criminales; por lo cual Wayne se vio forzado a ponerse en forma nuevamente y derrotarlo. Posteriormente, Batman perdonaría a Jean Paul sus faltas y lo aceptaría como un miembro más de su equipo donde su participación llegaría a ser muy importante, especialmente durante los eventos de Tierra de Nadie. Finalmente Azrael fue asesinado por Leeha, un antiguo enemigo.

Enemigos de Batman

Los enemigos de Batman forman una de las galerías de enemigos más distintivas de las historietas. La mayoría de los enemigos más conocidos surgieron en los años 30 y 40:

Otros emergieron en los años 50, 60 y 70, incluyendo a:

Notas y referencias

  1. Daniels, Les. Batman: The Complete History. Chronicle Books, 1999. ISBN 0-8118-4232-0, pg. 18
  2. Steranko, Jim. The Steranko History of Comics 1. Reading, PA: Supergraphics, 1970. (ISBN 0-517-50188-0)
  3. Daniels (1999), pg. 21, 23
  4. Havholm, Peter, Sandifer, Philip (Otoño de 2003). "Corporate Authorship: A Response to Jerome Christensen". Critical Inquiry 30 (1): 192. DOI:10.1086/380810.
  5. a b Kane, Andrae, p. 44
  6. Daniels, Les. DC Comics: A Celebration of the World's Favorite Comic Book Heroes. New York: Billboard Books/Watson-Guptill Publications, 2003, ISBN 0-8230-7919-8, pg. 23
  7. Boichel, Bill. "Batman: Commodity as Myth." The Many Lives of the Batman: Critical Approaches to a Superhero and His Media. Londres, 1991. ISBN 0-85170-276-7, pg. 6–7
  8. Kane, Andrae, p. 41
  9. Comic Book Artist 3. Invierno de 1999. TwoMorrows Publishing
  10. "Comic Book Interview Super Special: Batman" Fictioneer Press, 1989
  11. Daniels (1999), pg. 25
  12. Wright, Bradford W. Comic Book Nation. Baltimore: Johns Hopkins, 2001. ISBN 0-8018-7450-5, pg. 19
  13. Daniels (1999), pg. 29
  14. (noviembre de 1939) Detective Comics. DC Comics.
  15. Detective Comics Nº 33 (noviembre de 1939), Grand Comics Database
  16. John Jefferson Darowski, "Los míticos símbolos de Batman" diciembre de 2007. Consultado el 2008-03-20. Versión guardada el 2008-03-20.
  17. Detective Comics Nº 38 (abril de 1940), Grand Comics Database
  18. Wright, pg. 17
  19. Daniels (1999), pg. 38
  20. Daniels (2003), pg. 36
  21. Daniels (1999), pg. 42
  22. Boichel, pg. 9
  23. Wright, pg. 59
  24. (junio de 1952) The Mightiest Team In the World (Superman Nº 76). DC Comics.
  25. Daniels (1999), pg. 88
  26. Daniels (1999), pg. 84
  27. Boichel, pg. 13
  28. York, Christopher (2000). "All in the Family: Homophobia and Batman Comics in the 1950s". The International Journal of Comic Art 2 (2): 100–110.
  29. Daniels (1999), pg. 94
  30. Daniels (1999), pg. 95
  31. (junio de 1964) Gotham Gang Line-Up! (Detective Comics Nº 328).
  32. Benton, Mike. The Comic Book in America: An Illustrated History. Dallas: Taylor, 1989. ISBN 0-87833-659-1, pg. 69
  33. Daniels (1999), pg. 115
  34. Wright, pg. 233
  35. Pearson, Roberta E.; Uricchio, William. "Notes from the Batcave: An Interview with Dennis O'Neil." The Many Lives of the Batman: Critical Approaches to a Superhero and His Media. Londres, 1991. ISBN 0-85170-276-7, pg. 18
  36. Daniels (1999), pg. 140
  37. Daniels (1999), pg. 141
  38. SciFi Wire (28 de marzo de 2007): "Batman Artist Rogers is Dead": "Aún cuando su Batman fue publicado en 6 ejemplares, el equipo hizo una gran aportación para los siguientes números. Sus historias incluyen el clásico 'Pez Sonriente' (en el que la cara de The Joker parece un pescado); el cual fue adaptado para Batman: The Animated Series en los años 1990. Los bocetos iniciales de la película de 1989, con Michael Keaton como Batman, estuvieron basados directamente en su trabajos."
  39. Boichel, pg. 15
  40. Daniels (1999), pg. 147 y 149
  41. Wright, pg. 267
  42. Daniels (1999), pg. 161
  43. Pearson, Roberta E.; Uricchio, William. "Introduction." The Many Lives of the Batman: Critical Approaches to a Superhero and His Media. Londres, 1991. ISBN 0-85170-276-7, pg. 1
  44. Diamond's 2005 Year-End Sales Charts & Market Share (http). newsarama.com (2006). Consultado el 26 de octubre de 2006.
  45. July 2005 Sales Charts: All-Star Batman & Robin Lives Up To Its Name (http). newsarama.com (2005). Consultado el 26 de octubre de 2006.
  46. Pearson, pg. 185
  47. a b Pearson; Uricchio. "'I'm Not Fooled By That Cheap Disguise.'" Pg. 186
  48. Pearson, pg. 191
  49. (mayo de 1939) The Case of the Chemical Syndicate (Detective Comics Nº 27). DC Comics.
  50. (noviembre de 1939) The Batman Wars Against the Dirigible of Doom (Detective Comics Nº 33). DC Comics.
  51. La primera aparición de Madison fue en Detective Comics Nº 31 (septiembre de 1939)
  52. (agosto/septiembre de 1977) The Untold Origin of the Justice Society (DC Special Nº 29). DC Comics.
  53. (finales de 1940) All Star Comics Nº 3. DC Comics.
  54. (noviembre de 1941) Batman Nº 7. DC Comics.
  55. En Batman Nº 16 (mayo de 1943) es introducido Alfred, como mayordomo de la mansión familiar de Wayne. Su apellido, Beagle, es revelado en Detective Comics Nº 96 (febrero de 1945)
  56. Un ejemplo evidente es Englehart/Rogers, que fue lanzado a mediados de los años 1970, basado en diversos aspectos de la versión paralela.
  57. (septiembre de 1956) The First Batman (Detective Comics Nº 235). DC Comics.
  58. (diciembre de 1955) When Batman Was Robin (Detective Comics Nº 226). DC Comics.
  59. La serie de T.V. de 1943 de Batman en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  60. Batman and Robin en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  61. La peícula de Batman del año 1966 en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  62. The Batman/Superman Hour en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  63. Super Friends en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  64. The New Adventures of Batman en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  65. Batman (película de 1988) en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  66. Batman Returns en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  67. Batman Forever en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  68. Batma& Robin en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  69. The Batman en www.imdb.com (en Inglés). Consultado el 2008-07-29.
  70. Batma Begins en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  71. The Dark Knight en www.imdb.com (en inglés). Consultado el 2008-07-26.
  72. "El caballero oscuro" vuelve a arrasar en la taquilla Noticia de Dean Goodman para la agencia Reuters (en español). Consultado el 2008-07-29.

Sacado, como no, de Wikipedia.

Takeshi Kitano

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 18 de Septiembre, 2007, 9:52 por themackintoshman

Takeshi Kitano en Cannes (2000)
Takeshi Kitano en Cannes (2000)

Takeshi Kitano (北野 武 en kanji, Kitano Takeshi en romaji; nacido el 18 de enero de 1947 en Umeshima, Adachi, Tokyo) es un actor, cineasta, comediante, escritor, poeta, pintor, diseñador de videojuegos para adultos japonés. Conocido en su país principalmente como personaje televisivo y miembro del dúo cómico Two Beat (de ahí que figure como Beat Takeshi o ビートたけし en kana, Bīto Takeshi en romaji cuando actúa en películas que él no dirige; cuando dirige un filme participando o no como actor en él, firma simplemente como Takeshi Kitano). Sin embargo es su faceta cinematográfica la que lo ha hecho conocido en el resto del mundo. Su peculiar trabajo cinematográfico ha recibido el apoyo de la crítica, tanto en Japón como a nivel internacional. Como actor, se dio a conocer internacionalmente al interpretar al Sargento Hara en Feliz Navidad, Mr. Lawrence, de Nagisa Oshima. Uno de sus trabajos más elogiados como cineasta ha sido Flores de fuego. También ha interpretado y dirigido Brother (2000) y Zatoichi (2003), además de otras muchas películas. Desde abril de 2005, dicta una cátedra en la Escuela de Postgrado de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música.

Las mayor parte de las películas que Kitano ha dirigido son dramas acerca de mafiosos o la policía, caracterizadas por contar con un humor muy inexpresivo, casi estático. Comúnmente emplea largas tomas, donde parece que nada sucediera o la edición cuenta con cortes que saltan a las consecuencias de un suceso determinado. Muchas de sus películas expresan una filosofía sombría o nihilista, pero también cuentan con mucho humor y un gran cariño por los personajes. Paradójicamente, los largometrajes de Kitano parecen dejar impresiones controvertidas. Si bien superficialmente siguen la estructura de la comedia negra o del cine de yakuzas, ellos enfatizan preguntas morales y entregan mucho material para la reflexión personal. Si bien el reconocimiento que recibe en el mundo crece, el público japonés le conoce principalmente como animador de televisión y comediante. Su interpretación de Zatoichi en la película homónima de 2003 ha sido, hasta el momento, su mayor éxito comercial en Japón. Dolls (2003), película que dirigió y en la que no participó como actor, se considera que es su obra maestra, tanto por el guión que él mismo escribió, como la puesta en escena y la fotografía hecha con una gran maestría en el tratamiento de los colores produciendo unos planos de excepcional belleza plástica.

También es conocido por ser el presentador del hilarante concurso Takeshi's Castle, conocido en España como Humor Amarillo, emitido en España a principios de los 90 y que el canal Cuatro recuperó en 2005.

Filmografía

Porsche

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 12 de Junio, 2007, 9:17 por themackintoshman

Cuando uno divaga sobre qué haría si le tocara o tocase un pelotazo de éstos que meten miedo, hay una cosa que siempre me asalta, y es tener un Porsche 356B, del año 1959, una preciosidad de coche, o el 911, no sé por qué , hoy me dió por pensar en ésto, en fin....

Porsche es una fábrica alemana de automóviles deportivos, fundada en 1931 por Ferry Porsche, hijo de Ferdinand Porsche.

Historia

Ferdinand Porsche

Mercedes-Benz SSK
Mercedes-Benz SSK
Volkswagen Kübelwagen
Volkswagen Kübelwagen
Volkswagen anfibio
Volkswagen anfibio
Volkswagen Escarabajo
Volkswagen Escarabajo
El primer Porsche, el 356 original de 1948
El primer Porsche, el 356 original de 1948
Porsche 356B cabrio, 1959
Porsche 356B cabrio, 1959
Porsche 550 Spyder, famoso por el accidente mortal de James Dean
Porsche 550 Spyder, famoso por el accidente mortal de James Dean
Porsche 912, el hermano de 4 cilindros del 911
Porsche 912, el hermano de 4 cilindros del 911
Porsche 928
Porsche 928
Porsche 944
Porsche 944
Porsche 959, propiedad de Ralph Lauren
Porsche 959, propiedad de Ralph Lauren
Porsche 968 CS
Porsche 968 CS
Porche 911(993) cabrio
Porche 911(993) cabrio
Porsche Boxster, 1996
Porsche Boxster, 1996
Porsche 911(996) Carrera 4
Porsche 911(996) Carrera 4
Porsche Cayenne S
Porsche Cayenne S
Porsche 911(997), 2004
Porsche 911(997), 2004
Porsche Carrera GT, 2003
Porsche Carrera GT, 2003
Porsche RSK Spyder, 1959
Porsche RSK Spyder, 1959
Porsche 962 IMSA de Mario Andretti
Porsche 962 IMSA de Mario Andretti
Circuito de La Sarthe, donde se celebran las 24h de Le Mans
Circuito de La Sarthe, donde se celebran las 24h de Le Mans
Vista nocturna del circuito de Daytona, donde el 935 ganó 6 veces consecutivas las 24h de Daytona
Vista nocturna del circuito de Daytona, donde el 935 ganó 6 veces consecutivas las 24h de Daytona
Porsche 917/20 "Pink Pig"
Porsche 917/20 "Pink Pig"
Porsche 917/30 Can-Am, 1100CV, 1973
Porsche 917/30 Can-Am, 1100CV, 1973

Nació en Maffesdorf (entonces en Austria, hoy en la República Checa), el 3 de septiembre de 1875 y fue el 3º de los 5 hijos de Anton Porsche, ingeniero y empresario. Desde su etapa de adolescente se interesó por experimentar con la energía eléctrica. En 1893 entró a trabajar en Brown Boveri, Viena, una empresa perteneciente al sector eléctrico. Demostró ser un gran profesional y ascendió rápidamente. Hacia 1898 pasó a formar parte de la división de automóviles de Jacob Lohner, también en Viena. En la exposición universal de 1900, en París, se presentó el coche eléctrico Lohner-Porsche, propulsado por 4 motores eléctricos integrados en las ruedas del auto.

El mismo Ferdinand pilotó sus propios diseños en carreras a principio del s.XX obteniendo algunas victorias. En 1906 se convierte en director técnico de Austro-Daimler. Porsche ganó en 1910 la Prinz-Heinrich Farht con un Austro-Daimler, ocupando otro de sus coches la 2ª plaza. Posteriormente es ascendido hasta director general. En 1922 el Sascha gana la famosa Targa Florio en su clase (motor de 4 cilindros y 1.1 litros)

En 1923 es contratado por Mercedes como director técnico. Allí se encarga de desarrollar los motores con compresor de la marca, ganando en 1924 la Targa Florio en la clasificación absoluta. Méritos que le hicieron ser nombrado doctor honoris causa en ingeniería por el Technische Hochschule de Stuttgart. Porsche dejó su impronta en Mercedes-Benz para toda la historia, ya que se encargó del diseño de los magníficos Mercedes-Benz S, SS y SSK.

La oficina de proyectos

Tras un breve paso por Steyr, creó su oficina de ingeniería y diseño el 23 de abril de 1931 en Stuttgart. El primer proyecto se denominó nº7 porque no querían que se supiese que era el primero. Su primer encargo relevante fue el de Auto Union para un monoplaza de gran premio con motor de 16 cilindros: el Auto Union P-Wagen (Porsche tipo 22), que ganó 1 de cada 2 carreras en las que participó.

En la cabeza de Porsche rondaba desde hacía tiempo la construcción de un automóvil de calidad y popular, que no fuese una versión de juguete de las berlinas tradicionales. Este deseo pudo materializarse gracias al encargo recibido por parte de la administración nazi. De esta forma en el taller de proyectos de Zuffenhausen (Stuttgart) nace el Volkswagen Escarabajo. Entonces corría el año 1938 y la guerra estaba a punto de estallar, con lo que los planes para producir en masa el Escarabajo quedaron aparcados.

La 2ª Guerra Mundial

Durante la guerra el estudio de Porsche se ocupó del diseño de material bélico como el tanque Mouse o la versión anfibia y todo-terreno del Volkswagen (Kubelwagen).

Los bombardeos aliados forzaron al traslado de la Porsche desde sus instalaciones de Zuffenhausen a Gmünd, Austria, en 1944. En 1945 fue arrestado y encarcelado en Francia durante 22 meses por haber diseñado vehículos militares para los nazis.

Este periodo de presidio perjudicó bastante la salud del Dr. Porsche y obligó a su hijo Ferry a tomar el mando de la empresa. En su ausencia, Ferry Porsche diseñó el Cisitalia de competición para el industrial italiano Piero Dusio, proyecto que fue revisado por Ferdinand a su salida de prisión y que le llenó de orgullo por lo bien realizado que estaba el trabajo de su hijo. Ferdinand Porsche murió el 30 de enero de 1951, viendo circular por la carretera los deportivos con su nombre.

Ferry Porsche

Ferry Porsche nació el 19 de septiembre de 1909, fue colaborador de su padre desde que en 1931 abriese su propia oficina de proyectos y fue adquiriendo responsabilidades. Ferry fue el responsable del departamento de investigación y desarrollo en el proyecto Volkswagen. Ferry junto a Karl Rabe y Erwin Komenda comienzan en 1947 el estudio de un deportivo biplaza sobre el Volkswagen, el proyecto nº356 que se convertiría en el primer Porsche 356, el primero de la historia de la marca. El Porsche original es un roadster biplaza con motor central y carrocería de aluminio. El motor era de Volkswagen, pero modificado para dar 35CV a 4000 rpm. Este primer 356 era muy diferente de los posteriores 356 de serie. Este prototipo salió del taller de Porsche en Gmünd (una vieja serrería).

Por motivos de costes y practicidad, el prototipo se fue modificando para dar el 356 coupé con motor trasero, marcando una tradición en Porsche hasta hoy. En 1948 la producción del 356 en Austria fue lenta porque faltaba de todo. A partir de 1949 mejoró el ritmo de producción. Porsche quería ofrecer también un cabrio, pero no podía hacerlo en Gmünd, por lo que pidió la participación de la suiza Beutler. Así, en el salón de Ginebra de 1949 se presentaron por primera vez en un salón internacional los Porsche 356 coupé y cabrio.

Vuelta a Stuttgart

En verano de 1949 se preparan para el traslado de la producción a Stuttgart, ya que sabían que el ejército estadounidense dejaría libre las instalaciones de Zuffenhausen al cabo de un año. A comienzos de los 50 se firma un acuerdo entre Volkswagen y Porsche por el que el primero suministra componentes al segundo.

El último Porsche austriaco se fabrica el 20 de marzo de 1951, tras haber producido unos sesenta coupés con carrocería de aluminio. Los nuevos 356 alemanes serán con carrocería de acero. El primero de estos sale en marzo de 1950. En 1951, Porsche debuta oficialmente en competición, ganando las 24 horas de Le Mans en la categoría hasta 1100cc. A finales de 1952 aparece el emblema de Porsche, compuesto por los escudos de Stuttgart y Baden-Wüttemberg.

En 1955 se presenta el 356A. Coincidiendo con el 25 aniversario de la fundación de la oficina de diseño Porsche, sale de la cadena de producción el Porsche nº 10000, un 356A coupé. Poco a poco los Porsche van perdiendo su herencia Volkswagen con motores cada vez más potentes y de mayor cilindrada, como lo demuestra el 356A Carrera 1500 de 1956 que desarrollaba 100CV y alcanzaba los 200km/h. También en la década de los 50 se incorpora la segunda fábrica en Zuffenhausen. En el salón de Fránkfurt de 1959 se presenta el 356B. El 1 de noviembre de 1960 entró en funcionamiento la fábrica nº3 y dos meses más tarde sale el Porsche 356 nº 40000.

La última generación del primer modelo de la marca salió al mercado en 1963 bajo la denominación 356C, que permaneció en producción hasta el 28 de abril de 1965, después de 17 años de éxitos y 76.302 unidades fabricadas. Para entonces ya había cientos de 911 rodando por las carreteras.

El 911 y consolidación

A mediados de los 50, en Porsche se pensaba en la necesidad de crear un sustituto del 356. Tenía que ser un coche nuevo porque el margen de evolución del 356 ya era muy limitado por su origen Volkswagen. Este nuevo modelo se convirtió en la prioridad de los ingenieros y diseñadores de la marca. Para su concepción había sólo dos premisas básicas: el motor debía ser trasero y estar refrigerado por aire (como en el 356). En las posteriores reuniones entre Ferry y sus colaboradores se fueron concretando características del vehículo: se prefería un motor boxer, debía ser más largo que su predecesor para dejar más espacio a los pasajeros y la cola del coche tenía que ser tipo fastback. Al final se decidió sacrificar el espacio destinado a los pasajeros traseros, dejándolo como un 2+2.

El diseño elegido para el nuevo modelo fue obra de Butzi Porsche, hijo de Ferry, cuyas formas básicas han perdurado por 40 años. Para el motor, la decisión final fue optar por un nuevo 6 cilindros boxer, refrigerado por aire, 1991 cc. y 130CV. En el desarrollo del motor intervino un joven Ferdinand Piëch Porsche, el ingeniero que creó el Audi Quattro y que llegó a ser presidente del grupo Volkswagen.

Así, en el salón de Fráncfort de 1963 se presentaba el nuevo Porsche 901. Peugeot reclamó el derecho exclusivo de utilizar nombres de tres cifras con un cero en medio por lo que, para evitar problemas, Porsche cedió y el 10 de noviembre de 1964 nace la denominación 911.

Según la gama 911 se diversificaba con versiones más potentes, también se encarecía. Esto alejaba al 911 de muchos compradores potenciales. Por eso, y para dar un sustito de 4 cilindros al 356, salió una versión económica del 911, equipado con un motor 1600 y equipamiento reducido. El 911 de 4 cilindros se denominó 912, era un 25% más barato y con 90CV, aunque renunciaba a las altas prestaciones. El 912 tuvo un gran éxito tanto en Europa como en Estados Unidos y en tres años se vendieron más de 30000 unidades.

1969 fue un año importante: se renueva el 911, que pasa de 2.0 a 2.2 (en versiones T, E y S con 125, 155 y 180CV respectivamente) y el 912 es sustituido por el 914, modelo muy criticado pero que se vendió bien. Durante los 70 el 911 siguió evolucionando y aumentando de cilindrada y potencia. En 1973 aparece el 911 Carrera RS, versión deportiva pensada para la homologación para la competición y con 210CV que en su versión de calle se vendió mejor de lo esperado. En 1975 se retira el 914 tras casi 120.000 coches vendidos. En 1974, el 911 sufre sus primeras modificaciones estéticas de relevancia con la llegada del 911 2.7.

En la segunda mitad de los 70 la gama se fue enriqueciendo y ampliando con nuevos modelos: el 930/911 Turbo, el 912E, el 924 y el 928. Este último se había ideado como sustituto del 911 y era radicalmente distinto: motor V8 delantero, refrigerado por agua y un equipamiento abundante y lujoso. En 1978, al 928 se le otorgó el título de coche del año en Europa, siendo el único gran turismo en alzarse con este galardón. Siguiendo la línea iniciada con el 924 y el 928, en 1981 se les une el 944.

Cuando el 911 debería haber concluido sus días bajo el peso del 944 y el 928, no fue así, y en 1983 se le añade una versión cabrio al 911SC. El 911, en vez de ir al cementerio, renace en 1984. Recibió un rediseño profundo y se convierte en el 911 Carrera 3.2 con 231CV, que terminó siendo una de las gamas más amplias de este modelo: coupé, targa, cabrio, speedster, más la opción turbo look y el propio 911 Turbo 3.3 de 300CV.

Pensado para competir en el grupo B, aparece el primer Porsche 4x4, el 959, presentado como prototipo en 1984. Debutó en competición en el París-Dakar 1985. Los retrasos en la producción supusieron que no pudiese ser homologado antes de la prohibición del grupo B en 1987, por lo que el Super-Porsche no pudo llegar al mundial de rallies. Los 250 ejemplares fabricados se convirtieron, junto al Ferrari F40 y al Lamborghini Countach, en los superdeportivos por excelencia de los 80.

La crisis y el nuevo despegue

Desde finales de los 80 los resultados y las ventas de la empresa se resienten y se empiezan a acumular fracasos. Se estaba cocinando una crisis que llegó a poner en entredicho la supervivencia de Porsche a principios de los 90. En 1984 ,las ventas de Porsche eran de 50.000 coches; a principios de la nueva década eran la mitad. Especialmente alarmante fue la caída de ventas en Estados Unidos: en 1984 absorbía el 50% de la producción mientras que en 1991 sólo se consiguió vender 6.000 Porsches.

Esto se reflejó en la gama de modelos. En 1988 se retira el 924, sin ser sustituido. En 1991 aparece la última versión del 928, el 928GTS que sería retirado sin pena ni gloria en 1995. También en 1991 se presentó el 968 como sustituto del 944, que fue un rotundo fracaso. Se dejó de fabricar en 1995 después de 11.602 unidades ensambladas, muchas menos de lo previsto. El 911 estaba envejeciendo frente a la competencia, debía cambiar y en 1989 se presenta el 911/964, que tenía la misión de ser el sostén de Porsche para los siguientes años. El nuevo 911 fue incapaz de cumplir con su misión. Además, la construcción del 911/964 resultó ser muy cara.

Con este panorama, Porsche entró en la década de los 90 con una enorme preocupación. Sólo les quedaba una carta y no podían equivocarse. Se tenía que simplificar la gama para recortar gastos y había que concentrar los recursos financieros en la creación de un 911 de éxito. Se encargó a un veterano de la marca, Peter Falk, la elaboración de un amplio dossier sobre el que se definirían las pautas de desarrollo del futuro 911/993. En este dossier se antepone ante todo la agilidad. Así el nuevo modelo debía girar en torno a agilidad, comportamiento y juventud. Para mejorar la agilidad se decidió rediseñar por completo el tren trasero. Al final el 911/993 no heredó nada del 964 a excepción de la línea del techo. Por otro lado, la simplificación de la gama fue radical, quedando el 911/993 como único modelo durante algunos meses en 1995-1996.

El 911 Carrera coupé (993) debutó en diciembre de 1993, con un nuevo motor que ofrecía 272CV. El 993, a diferencia de su antecesor, sí fue un éxito; se recuperaron las ventas y fue rentable. Esto hizo que con el tiempo el 993 fuese ampliando el número de carrocerías y recibiese un ligero aumento de potencia hasta 282CV. A la gama 993 se le añade el nuevo Turbo de 408CV en 1995, y más tarde, llegó el Turbo S de 450CV. en edición limitada.

Al conseguir superar el bache económico, la marca se animó a producir el Boxster en primavera del 96, aunque el prototipo había sido presentado tres años antes. El Boxster se había desarrollado en conjunto con el futuro 911/996 que saldría en 1997. El objetivo era que ambos vehículos compartiesen el mayor número de piezas posible para contener los costes y mejorar la productividad (dos causas de los problemas económicos antes mencionados).

1997 fue un buen año para Porsche. Se había dejado atrás las dificultades, el 993 era un éxito, el Boxster se vendía bien, se empezaba a recuperar su imagen y la gestión realizada por el nuevo presidente, Wendelin Wiedeking, parecía eficiente. Además, salía al mercado el nuevo 911, el primero con motor refrigerado por agua. Este fue el último modelo de la marca a cuya presentación acudió Ferry Porsche, que murió el 27 de marzo de 1998. En 2003, Porsche celebra el 40 aniversario del 911 de la mejor forma posible porque el 911/996 se convirtió en uno de los mejor vendidos de esta longeva saga, y lo hizo con una edición limitada de 1963 ejemplares del 911, con un diseño mezcla del 911 básico y el Carrera 4S, y una evolución del motor hasta 345CV.

En 2002, Porsche inaugura su nueva fábrica en Leipzig, de donde salen los nuevos Cayenne, el primer Porsche todo-terreno y el primero en poder ser utilizado para viajar con la familia. El Cayenne suponía entrar en un segmento mucho más grande que el de los deportivos, como lo demuestra su nivel de ventas, en torno a 30.000 unidades anuales. En 2003, se añade el superdeportivo Carrera GT de 612CV. Al año siguiente se renuevan el Boxster y el 911, y en 2005 aparece un quinto modelo, el Cayman derivado del Boxster y el 911. También ha anunciado su intención de comercializar una berlina de 4 puertas para 2009 con el nombre de Panamera, y recientemente también se rumorea acerca de un supercoupé derivado de esa berlina.

En la actualidad Porsche es el fabricante de automóviles más rentable del mundo por unidad fabricada. Da empleo a más de 10.000 personas. En 2005 se ha convertido en el accionista mayoritario de Volkswagen. Aunque la gestión de la empresa se profesionalizó en la década de los 70, la familia Porsche sigue reteniendo la mayoría de las acciones siendo Ferdinand Piëch el mayor accionista individual.

La Competición

El éxito de Porsche en competición ha sido inmenso, sumando más de 23.000 victorias en todo tipo de categorías. Porsche ha sido capaz de ganar al más alto nivel de resistencia, GT, rally, raids y monoplozas. De esta enorme variedad de victorias no pueden presumir otros constructores con multitud de victorias como BMW o Ferrari. En los primeros años, debido a que Porsche ofrecía motores de pequeña cilindrada, las victorias eran dentro de su clase. A partir de los 60 llegaron las victorias absolutas (mientras seguían acumulando las victorias de clase). Porsche también se ha caracterizado porque en muchas ocasiones ha delegado la responsabilidad sobre equipos semioficiales y privados.

Porsche en los rallies

Las victorias más importantes en el mundo de los rallies han sido el título por marcas en el mundial de rallies de 1970 (entonces campeonato internacional) y las victorias en el París-Dakar de 1984 y 1986. También ha conseguido 20 camponatos europeos de montaña y ha ganado 11 Targa Florio.

Porsche 356

Al ser el primer modelo de la marca, lógicamente también fue el primero en competir en rallies, siempre en manos privadas y mostrándose muy competitivo. La primera victoria llegó en 1952 en el Rally del sol de medianoche (Suecia), prueba que dominó a la perfección, pues volvió a ganar en 1953, 1954, 1955 y 1963. El otro rally en el que este coche se encontró como en su casa fue el Lieja-Roma-Lieja, donde, debido a la gran cantidad de kilómetros de recorrido, la fiabilidad era muy importante. Este rally lo ganó en cuatro ocasiones: 1952, 1954, 1957 y 1959. A los mandos de un 356 se proclamaron campeón de Europa Helmuth Polensky en 1953 y Hans-Joachim Walter en 1961.

Fuera de Europa el 356 consiguió ganar dentro de su categoría la Carrera Panamericana en 1952 y 1953 (las victorias en esta carrera fueron el origen de la denominación Carrera utilizado para los 356 y 911).

Porsche 911 2.0

El 911 debutó en los rallies en el Rally de Monte Carlo de 1965, obteniendo una quinta plaza. Al año siguiente cambió la reglamentación y hubo que homologar los coches dentro de alguno de los cinco grupos en los que se dividió la competición. Porsche consiguió homologar el mismo modelo para todos los grupos (aunque para el grupo 1 lo hiciese con el 912). La primera victoria en los rallies de máxima categoría llegó en el Rally de Alemania de 1966. Hasta 1969 sumó 19 victorias, incluidos dos Rallies de Monte Carlo. En 1968 Pauli Toivonen se proclamó campeón de Europa y Porsche quedó tercera en el campeonato internacional de marcas. Al año siguiente fueron segundos.

La potencia y el peso del 911 dependía del grupo en el que estuviese homologado. Para el grupo 5 ofrecía 210CV y 830 kg de peso.

Porsche 911S 2.2 y 2.5

Con la experiencia adquirida en los 4 años anteriores, se presentaba para la temporada 1970 el nuevo 911S 2.2 y esta vez si se consiguió el título por marcas. Además, esa temporada Björn Waldegard consiguió 3 victorias: Monte-Carlo, Suecia y Austria. Esta fue la última temporada en la que el 911 tuvo un equipo oficial, pasando desde entonces a equipos privados. El 2.2 desarrollaba 230CV y el 2.5 aumentaba hasta 275CV.

Porsche SC y 911 RS

En 1973 se crea el Campeonato Mundial de Rallies de la FIA, que supuso la prohibición del grupo 5. La respuesta de Porsche fue el 911 Carrera RS 2.7 para el grupo 3. Este modelo se diferenciaba de los anteriores por su "cola de pato" debido a la forma de su alerón trasero. La versión RSR se homologó para el grupo 4. Más tarde el motor se amplió hasta los 3 litros, alcanzando los 300CV de potencia. Como la fábrica ya no tenía equipo oficial y el Lancia Stratos dominaba con mano de hierro, los resultados fueron escasos en el mundial. Sólo pudo vencer el Rally de Monte-Carlo de 1978 con Jean-Pierre Nicolas. Sin embargo, en manos de pilotos privados, consiguió numerosos títulos nacionales durante la década de los 70.

En 1978 Porsche anuncia su sustituto, el 911SC. Este coche supuso la vuelta de un equipo oficial Porsche, con patrocinio de Martini, para el Rally Safari de 1978. En este debut la actuación fue muy buena y sólo los problemas con la suspensión privaron a Björn Waldegard de la victoria. Al final, Porsche se tuvo que conformar con el segundo y cuarto puesto, firmando una de sus mejores actuaciones en África. A pesar de que pronto los Porsche volvieron a manos privadas, sobre todo a las del equipo francés Porsche Almeras, el 911SC si fue capaz de ganar rallies y de obtener podiums con cierta regularidad. También en su palmarés está el campeonato de Europa con el español Antonio Zanini en 1980; y los campeonatos nacionales francés y español con Bernard Béguin y Zanini.

El 911SC consiguió la última victoria de Porsche dentro del mundial de rallies, fue en Córcega, en 1980.

Porsche 911SC RS

Este coche fue preparado junto a Prodrive, el equipo que actualmente se encarga de los Subaru oficiales, para participar en el grupo B en 1984. El coche no era lo suficientemente potente y con tracción trasera estaba desfasado frente a los 4x4 como el Audi Quattro o el Peugeot 205 T16. Así, éste fue un segunda fila dentro del mundial de rallies. Sin embargo, fuera del mundial, en el desierto, inició un período de tres años en los que las victorias de Porsche fueron algo habitual. En 1984 también debuta Porsche en el París-Dakar con una versión de 4 ruedas motrices del 911 y ganó a la primera con René Metge y Dominique Lemoyne.

De todas formas Porsche no se preocupó demasiado del desarrollo del último 911 de rallies porque estaban más preocupados en el desarrollo del 959.

Porsche 959

El 959 fue el primer Porsche diseñado específicamente pensando en el grupo B y en los rallies en general. Con tracción total y un potentísimo motor biturbo capaz de dar 600CV era una auténtica bestia. Presentado al público en 1984, si hubiese debutado ese mismo año habría sido el coche de grupo B definitivo, pero no fue así. Porsche tenía que construir 200 unidades para poder homologarlo en el grupo B. Debido a los retrasos en la producción no se consiguió completar el coche nº200 hasta 1987, cuando ya estaba prohibido el grupo B. Ante la imposibilidad de competir en el mundial, la marca lo hizo participar en los raids donde estaban permitidos los prototipos. El resultado fue excelente: en 1985 ganó el Rally de los Faraones con Saeed Al Hajri, que se impuso en todas las etapas y le sacó más de 3 horas al 2º clasificado. En 1986 el 959 se adjudicó el París-Dakar con la pareja Metge-Lemoyne.

Porsche en los circuitos El palmarés de la marca en circuitos es superior al obtenido en el mundo de los rallies y raids. Los principales campeonatos en circuitos obtenidos por la marca son:

  • 16 victorias en las 24h de Le Mans
  • 2 títulos como motorista en Fórmula 1 con el equipo McLaren
  • 26 victorias en F1
  • 14 títulos del Campeonato Mundial de Marcas
  • 18 títulos IMSA
  • 20 victorias en las 24h de Daytona
  • 8 títulos mundiales de larga distancia
  • 6 campeonatos del DRM

Porsche 935

El nuevo grupo 5 definió el Campeonato Mundial de Marcas en 1976. Los nuevos coches tenían que proceder de vehículos de serie, tanto a nivel mecánico como estético. Además, para poder participar en el gr.5 el automóvil tenía que haber sido homologado antes en uno de los grupos inferiores. Porsche consideró que en el 930/911 Turbo tenía un buen punto de partida. Homologó primero la versión para el grupo 4 denominado 934. Tras esto se puso manos a la obra con el 935.

El 935 no era, ni por asomo, un turismo y del 911 Turbo quedaba la línea del techo y la base de la mecánica. Con 2857cc. y turbo (para entrar en la categoría de 4 litros), empezó desarrollando 600CV en 1976 para terminar ofreciendo hasta 850CV. Para Le Mans se desarrolló el 936, ya que en esta carrera existía un grupo 6. La familia 934-935-936 es el Porsche más exitoso en cuanto a triunfos obtenidos.

En concreto el 935 machacó a toda oposición exitente, sumando entre 1976 y 1981 41 victorias en el Campeonato Mundial de Marcas y 63 en el IMSA estadounidense. A esto hay que sumar la victoria en las 24h de Le Mans en 1979, donde los 935 quedaron 1º, 2º y 3º y un 934 quedo 4º. Acumuló 6 victorias consecutivas en las 24h de Daytona, 5 títulos consecutivos en el Campeonato Mundial de Marcas y otros 5 campeonatos IMSA, aparte de muchos campeonatos nacionales por todo el mundo.

No hay ningún otro coche con un pálmares parecido. Fue tal la superioridad que Porsche retiró su equipo oficial en 1978, aburrido por la falta de oposición, dejando así multitud de victorias al alcance de los Porsche de los equipos privados.

Porsche 917]

El 917 nace a partir de un cambio en la reglamentación del Campeonato del Mundo de Marcas promovido por la CSI (Comission Sportive Internationale) en 1968. Con el nuevo reglamento apareció una nueva categoría de coches denominada grupo 4, para la cual había que producir al menos 25 unidades del modelo. Alcanzar esta producción no era un problema para Porsche que desarrollo el 917 como sustituto de los 907 y 908.

En julio de 1968 el equipo de Ferdinand Piëch se hace cargo del proyecto. Para el desarrollo del motor se partió del motor de 8 cilindros del 908 que fue transformado a fondo para obtener un 12 cilindros de 4,5 L, que al empezar a rodar en el banco de pruebas desarrolló 542CV que rápidamente irían siendo superados una y otra vez.

El 917 debutó en competición en 1969, en los 1000 km de Spa, Bélgica, sin mucho éxito. Pronto se ganó la fama de rápido y peligroso y le faltaba desarrollo aerodinámico. En los entrenamientos de Le Mans 1969 marcó un nuevo record de velocidad en pista con 380 km/h en la recta de Mulsanne. Ya en carrera uno de los pilotos del 917, John Woolfe, se mató en la primera vuelta; los otros dos coches también quedarían fuera de combate.

La primera victoria del 917 llegaría en los 1000 km de Austria. Para solucionar los problemas de estabilidad apareció el 917K de cola corta. Durante 1970 y 1971 el dominio de Porsche fue aplastante, de las 24 carreras del mundial en las que participaron los 917 entre 1969 y 1971, se alzaron con la victoria en 15 y el 908 ganó en otras 4 consiguiendo para Porsche el Campeonato de Marcas en 1970 y 1971.

Un nuevo reglamento para el campeonato de 1972 puso fin al 917 en el campeonato del mundo de marcas. Esto le obligó a emigrar a la Can-Am norteamericana. Los 917 de la Can-Am equipados con sobrealimentación llegaron a alcanzar 1100 CV en los últimos 917/30. En la Can-Am conseguiría 11 victorias y los títulos de 1972 y 1973.

Tintín

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 23 de Mayo, 2007, 17:42 por themackintoshman

El Dalái Lama con un ejemplar de "Tintín en el Tibet"
El Dalái Lama con un ejemplar de "Tintín en el Tibet"

Las aventuras de Tintín es muy posiblemente la más influyente serie europea de historieta del siglo XX. Característica del estilo gráfico y narrativo conocido como "línea clara", fue creada por el autor belga Hergé (Georges Remi) en 1929, y está constituida por un total de 24 álbumes (de los cuales el último, Tintín y el Arte-Alfa, no llegó a terminarse).

La primera de las aventuras de Tintín, la controvertida Tintín en el país de los Soviets, se publicó inicialmente en Le Petit Vingtième, suplemento del diario belga de orientación católica Le Vingtième Siècle, a partir del 10 de enero de 1929. Posteriormente, las aventuras de Tintín aparecieron en otras publicaciones, como el diario Le Soir (durante la ocupación alemana de Bélgica, entre 1940 y 1944), y el semanario Tintín. La última aventura completa del personaje, Tintín y los 'Pícaros', apareció en 1976. Todas las aventuras del personaje fueron después reeditadas en álbumes, que han sido traducidos a numerosos idiomas. Varios de estos álbumes han conocido sucesivas ediciones. A partir de La estrella misteriosa (1943), los álbumes fueron editados siempre en color, y se emprendió la tarea de colorear también los álbumes anteriores de la serie (a excepción de Tintín en el país de los Soviets). Las nuevas ediciones afectaron en ocasiones al contenido de los álbumes.

La serie conoció desde sus inicios un éxito sin precedentes. Se calcula que se han vendido desde entonces más de 250 millones de álbumes en 40 idiomas, sin contar las ediciones piratas. Las aventuras del personaje de Hergé son además objeto de culto y de coleccionismo en todo el mundo. Es famosa la frase de Charles de Gaulle, según la cual su único rival en el plano internacional era Tintín.

Historia

Antecedentes

En 1928, el abate Norbert Wallez, director del diario belga Le Vingtième Siècle, tomó la decisión de crear un suplemento semanal dirigido al público infantil y juvenil. Confió la dirección de este suplemento a uno de los empleados del periódico, Georges Remi, que en 1924 había empezado a utilizar el pseudónimo por el que sería mundialmente conocido, Hergé.

El primer número de este suplemento, que llevaría el nombre de Le Petit Vingtième, apareció el 1 de noviembre de 1928. En sus páginas Hergé dibujaba una serie, La extraordinaria aventura de Flup, Nénesse, Poussette y Cochonnet, con guiones de uno de los redactores deportivos de Le Vintième Siècle[1]. La serie, poco original, narraba las aventuras de dos niños de doce años, de la hermana de uno de ellos, de seis, y de su mascota, Cochonnet, un cerdito de caucho. Convencido de que el suplemento necesitaba una serie más innovadora y que lograse conectar con el público juvenil, Hergé tuvo la idea de crear un reportero, Tintín, cuya primera aventura sería un viaje a la Rusia comunista.

El 4 de enero de 1929 el periódico publicó el anuncio de la inminente publicación de las aventuras de Tintín, presentado como un ficticio reportero de Le Vingtième Siècle. Seis días después, el 10 de enero, el personaje iniciaba su andadura en las páginas del suplemento.

Se han buscado varios modelos para Tintín, la mayoría de papel y tinta, aunque también hay alguno de carne y hueso. El principal es, sin duda, el boy scout Totor, personaje anterior de Hergé que apareció en la revista Le Boy-Scout Belge desde julio de 1926. Totor era el protagonista de la que puede considerarse la primera serie de historieta de Hergé, que llevaba el título de Totor, jefe de patrulla de los abejorros Totor, CP des Hannetons) [2]. La figura esquemática de Totor es una prefiguración de Tintín, aunque falta el característico mechón. Su actitud ante la vida, característica del movimiento scout, es también muy próxima a la del principal personaje de Hergé.

Se ha señalado también la coincidencia de nombre y el parecido de Tintín con un personaje creado en 1898 por Benjamin Rabier y Fred Isly, Tintin-Lutin, un niño de ocho años que tiene un mechón muy semejante al de la criatura de Hergé [3]. Según su propio testimonio, sin embargo, Hergé no conoció la existencia de este personaje hasta 1970 [4].

Hergé declaró, por su parte, haberse basado en el físico de su hermano, el militar Paul Remi. La profesión de reportero del personaje puede atribuirse también a su admiración por conocidos periodistas de la época, como el francés Albert Londres.

El dirigente fascista Léon Degrelle, en solitario y contra toda evidencia, se jactó en varias ocasiones, especialmente en su libro Tintin mon copain (1992), de haber sido el modelo vivo en que Hergé se inspiró para crear a su célebre reportero. Según él, el viaje de Tintín al país de los soviets estaría basado en su viaje a México para cubrir como reportero la guerra cristera. Esto es imposible, ya que Degrelle viajó a México meses después de que las aventuras de Tintín empezaran a publicarse en Le Petit Vingtiéme. Pierre Assouline, el principal biógrafo de Hergé, descarta rotundamente esta posibilidad. Sí es cierto, en cambio, que, gracias a Degrelle, Hergé pudo conocer varias series de cómic estadounidenses que tuvieron gran influencia en el posterior desarrollo de su obra, tales como Bringing Up Father, de George McManus, o The Katzenjammer Kids, de Rudolph Dirks.

Primeras aventuras (1929-1934)

Muy probablemente, el destino de la primera aventura de Tintín fue decidido por el abate Wallez, fervoroso anticomunista: no se trataba solo de entretener a la juventud, sino de mostrar los supuestos peligros que entrañaba el comunismo. Basado en un libro bastante popular en la época que denunciaba estos peligros, Moscou sans voiles, de Joseph Douillet, Tintín en el país de los Soviets narra la incursión del reportero, ya acompañado por su fiel mascota, Milú, en la Rusia soviética.

La segunda aventura de Tintín tiene como escenario el Congo belga, y es una abierta apología de las ventajas del colonialismo, con ciertos tintes racistas. Predomina un discurso paternalista acerca de la dominación colonial que era el vigente en la sociedad belga de la época. Algunos aspectos más controvertidos del álbum fueron eliminados en ediciones posteriores.

Al término de la aventura de Tintín en el Congo se descubre que un grupo de gángsters de Chicago, dirigido por Al Capone, planea hacerse con el negocio de los diamantes en el Congo, anticipando ya lo que sería la tercera de las aventuras del reportero, Tintín en América. En efecto, en la siguiente historia, que empezó a publicarse en septiembre de 1931 en las páginas de Le Petit Vingtième, el joven reportero y su inseparable fox-terrier visitan Estados Unidos, donde el protagonista no sólo logra desbaratar los planes criminales de Capone, sino que tiene tiempo para hacer una visita a los pieles rojas, largamente idealizados por Hergé desde su época de boy scout. Por primera vez, el personaje de Tintín toma decididamente partido por los derechos de una minoría oprimida, denunciando enérgicamente el abuso de que los indios son objeto en los Estados Unidos. [5]

Reproducción de los cigarros que dan título al álbum Los cigarros del faraón.
Reproducción de los cigarros que dan título al álbum Los cigarros del faraón.

En el siguiente episodio de sus aventuras, Los cigarros del faraón, inicialmente titulado "Las aventuras de Tintín en Oriente", Tintín inicia un periplo que le llevará a nuevos escenarios exóticos: Egipto, primero; luego, la India y, más tarde, en la segunda parte del álbum, El loto azul, a China. En esta ocasión el reportero no viaja como enviado de su periódico, Le Petit Vigtième, sino por motivos de placer. En Los cigarros del faraón aparecen por vez primera dos personajes fundamentales en la serie, los policías Hernández y Fernández (Dupond y Dupont). Cobra protagonismo también la figura del malvado millonario Rastapopoulos, que ya había tenido una breve aparición en Tintín en América. Con respecto a anteriores aventuras, la trama se ha enriquecido considerablemente.

En vísperas de la Segunda Guerra Mundial (1934-1940)

El loto azul, publicado por entregas entre diciembre de 1932 y febrero de 1934, marca un punto de inflexión en la historia de la serie. La crítica coincide en que se trata de la primera obra maestra de Hergé, y algunos autores la consideran el mejor de todos los álbumes de Tintín. [6] Gracias a la colaboración que le prestó un estudiante chino, Tchang, el álbum está minuciosamente documentado, y se lleva a cabo con el propósito explícito de desterrar los absurdos tópicos occidentales acerca de China. Además, El loto azul destaca por su denuncia del racismo y del colonialismo, y por su abierta crítica a la intervención japonesa en China, un asunto candente en el momento de su publicación.

La madurez creativa alcanzada por la serie después de El loto azul se muestra en todo su esplendor en los años siguientes, que coincidieron con las tensiones prebélicas en Europa. Durante esta etapa, Hergé realizó otros tres álbumes hoy considerados clásicos: La oreja rota, La isla negra y El cetro de Ottokar. Un cuarto, Tintín en el país del oro negro, quedaría interrumpido al producirse en 1940 la invasión alemana de Bélgica, y sólo se retomaría varios años después.

La oreja rota se publicó en Le Petit Vingtième entre diciembre de 1935 y febrero de 1937. El álbum marca el inicio de la fascinación de Hergé por Latinoamérica, que luego habría de retomar como escenario en aventuras posteriores. El desencandenante de la trama es el robo de un fetiche arumbaya (una etnia amerindia inventada por Hergé) del Museo Etnográfico, en pos del cual Tintín se desplaza al imaginario país de San Teodoro. La ambientación está inspirada en un conflicto que entonces estaba de actualidad: la Guerra del Chaco, que entre 1932 y 1935 enfrentó a Bolivia y Paraguay por el control del Chaco Boreal. Hergé disfrazó los nombres, convirtiendo a Bolivia en San Teodoro, y a su capital, La Paz, en Los Dopicos; Paraguay aparece como Nuevo Rico, y Asunción, su capital, como Sanfación. [7] El álbum es el primero en que Hergé utiliza países imaginarios como escenario de la acción, y en él aparecen por primera vez destacados personajes, como el general Alcázar.

En La isla negra, que empezó a publicarse en abril de 1937, la acción se traslada a Escocia. En una época en que las tensiones prebélicas debidas al expansionismo de Hitler eran más que evidentes, Hergé firmó una historia de espionaje en la que el principal villano era un alemán, el doctor Müller. Aunque las primeras ediciones del álbum contenían numerosos errores de ambientación, se solucionarían años después cuando se hiciera la edición para el mercado británico, en 1965, en gran parte gracias a la colaboración de Bob De Moor. Es el único de los álbumes de Tintín del que se existen tres ediciones: la primera, en blanco y negro, aparecida en 1938; una segunda en color, en 1943, durante la ocupación alemana; y la tercera y definitiva en 1965.

La edad de oro (1940-1944)

Curiosamente, la etapa de plenitud de la serie coincide con la ocupación alemana de Bélgica, durante la Segunda Guerra Mundial. Es en esta época cuando aparecen varios de los personajes más importantes de la saga, incluyendo al capitán Haddock (en El cangrejo de las pinzas de oro) y al profesor Tornasol (en El tesoro de Rackham el Rojo). Es también la época en que los álbumes de Tintín comienzan a editarse en color (desde 1943).

Cerrado Le Vingtième Siècle por orden de los ocupantes, Hergé aceptó colaborar en el diario Le Soir, controlado por los alemanes. Fue ésta una de las decisiones más controvertidas en la vida de Hergé, que habría de acarrearle no pocos problemas en el futuro.

La tirada de Le Soir, de unos 250.000 ejemplares [8], permitió una difusión todavía más amplia de las aventuras de Tintín. En un primer momento, la nueva aventura, El cangrejo de las pinzas de oro, apareció en el suplemento del diario, Le Soir Jeunesse, todos los jueves a partir del 17 de octubre de 1940. En septiembre del siguiente año, sin embargo, debido a las restricciones de papel, el suplemento dejó de publicarse, y la historieta pasó a aparecer en las ediciones diarias del periódico, en formato de tira de prensa de solo tres o cuatro viñetas. Esto supuso, sin embargo, un aumento importante en el ritmo de trabajo de Hergé, que se veía obligado a realizar unas 24 viñetas semanales en lugar de las 12 a que estaba acostumbrado.

En una atmósfera apocalíptica, La estrella misteriosa, la siguiente aventura de Tintín, pone en escena la rivalidad entre europeos y estadounidenses por encontrar un misterioso meteorito. El álbum fue después muy criticado por el personaje del judío neoyorquino Blumenstein, principal villano del álbum, y por una viñeta en la que aparecían dos judíos estereotipados, uno de los cuales se alegra de la noticia del fin del mundo porque "así no tendría que pagar a mis proveedores". Esta última viñeta se suprimió en la edición en álbum; en cuanto a Blumenstein, en ediciones posteriores de la obra Hergé le cambió el nombre por Bohlwinkel, y le ubicó, en lugar de en Nueva York, en un país imaginario, São Rico. Sin embargo, descubrió después, con sorpresa, que Bohlwinkel era también un apellido judío.

La estrella misteriosa fue el primero de los álbumes de Tintín editado en color, en 1942. Al año siguiente se reeditaron en color otros álbumes anteriores, La oreja rota, La isla negra y El cangrejo de las pinzas de oro.

Los dos álbumes siguientes constituyen una de las obras más ambiciosas de Hergé: el díptico compuesto por El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo, en el cual es evidente la influencia de la clásica novela de aventuras La isla del tesoro de Stevenson. Es en el segundo de los álbumes en el que hace su aparición el profesor Silvestre Tornasol, paradigma del científico despistado y algo chiflado, para cuyos rasgos físicos Hergé se basó en los del célebre Auguste Piccard. En esta aventura, Tintín y Haddock parten a lejanas tierras en busca de un tesoro que, paradójicamente, encuentran en el castillo que ha pertenecido a los antepasados del capitán, Moulinsart, convertido a partir de este momento en el hogar de Haddock y Tornasol, y con frecuencia también del propio Tintín.

En diciembre de 1943, se inició en Le Soir la publicación de otra aventura de largo aliento, Las siete bolas de cristal, en la cual una misteriosa maldición persigue a los arqueólogos que han descubierto la tumba del Inca Rascar Cápac. La publicación de esta aventura, sin embargo, fue interrumpida por la liberación de Bélgica por las tropas aliadas en septiembre del año siguiente.

Después de la liberación (1944-1950)

Bruselas fue liberada por los aliados el 3 de septiembre de 1944, lo que supuso la interrupción inmediata de la publicación de Le Soir y, por consiguiente, de Las aventuras de Tintín. La acción de Las siete bolas de cristal se interrumpió en el momento en que Tintín deja el hospital en que están internados los arqueólogos afectados por la maldición del inca Rascar Capac (p. 50 de la edición actual del álbum). En las últimas tiras se describía su encuentro con el general Alcázar, a punto de viajar a Sudamérica.

Para Hergé, acusado de colaboracionismo, se inició un calvario personal, ya que se le impidió seguir trabajando, y tuvo que responder de su actitud durante la ocupación.

Esta situación llegó a su fin gracias a la intervención de Raymond Leblanc, antiguo miembro de la resistencia belga, que brindó a Hergé la posibilidad de continuar las aventuras de su reportero en una nueva revista, que llevaría precisamente el nombre del célebre personaje, Tintín, y cuyo primer número apareció el 26 de septiembre de 1946. Con algunos pequeños cambios (se intercaló un encuentro entre Tintín y Haddock), la acción de Las siete bolas de cristal se reanudó donde se había interrumpido. En lugar de la tira única en blanco y negro que se había utilizado en los últimos tiempos de Le Soir, en la nueva revista se publicaban tres tiras en color en la doble página central [9], lo que permitió a Hergé cuidar más la ambientación, e introducir en algunas de las planchas un texto explicativo acerca de la civilización inca. El templo del sol, segunda parte de Las siete bolas de cristal, continuó publicándose en la revista Tintín hasta el 22 de abril de 1948. Las dos partes de la aventura aparecerían en álbum, en color, en 1948 y 1949, respectivamente, con significativas modificaciones. [10]

Concluida la publicación de este díptico narrativo, Hergé decidió retomar, ocho años después, la aventura que había quedado interrumpida en 1940 a causa de la invasión alemana, En el país del oro negro. En su reanudación, el autor incorporó personajes y situaciones posteriores al momento en que la obra se había iniciado: aparece Haddock, cuya primera aparición en la serie de Tintín había tenido lugar en El cangrejo de las pinzas de oro, empezado después que En el país del oro negro, e incluso reside ya en Moulinsart, la mansión que solo había adquirido al final de El tesoro de Rackham el Rojo.

Los otros autores de Tintín

Hergé desarrolló completamente en solitario sus primeros álbumes. Sin embargo, a partir de los años 40 el volumen de trabajo le exigió contratar colaboradores. Nunca fueron acreditados en los álbumes, pero tuvieron un importante papel en la historia de la serie.

Edgar Pierre Jacobs

El primer colaborador importante de Hergé en Las aventuras de Tintín fue Edgar P. Jacobs (1904-1987). Jacobs colaboró estrechamente con Hergé entre 1944 y 1947. Su labor principal consistió en corregir, dar nuevo formato y colorear varios álbumes en blanco y negro (Tintín en el Congo, Tintín en América, El Loto Azul y El cetro de Ottokar [11], que se reeditaron en color en la década de 1940. Además, intervino en los decorados de los álbumes El tesoro de Rackham el Rojo, Las siete bolas de cristal y El templo del sol). Jacobs dejó de colaborar con Hergé en 1947 para desarrollar su propia serie, Blake y Mortimer.

Aunque no aparece acreditado en los álbumes en que colaboró, aparece retratado en algunos de los álbumes en los que intervino. Aparece junto al propio Hergé (y junto a Quique y Flupi) en la viñeta inicial de Tintín en el Congo. Aparece también en la portada y en una viñeta interior de la edición en color de Los cigarros del faraón, en una broma un tanto macabra: un sarcófago con el letrero E.P. Jacobini. En El cetro de Ottokar, asiste, junto al propio Hergé, a un concierto de la Castafiore y a una recepción real (páginas 38 y 59 del álbum).

Bob de Moor

Bob de Moor (1925-1992) trabajó en los Estudios Hergé desde su creación, en 1950, hasta su muerte. Intervino decisivamente en varios álbumes, como una nueva edición de La isla negra (1965), Objetivo: la Luna (1953), Aterrizaje en la Luna (1954), Vuelo 714 para Sidney y Tintín y los 'Pícaros' (1976) [12]. La revisión de La isla negra se hizo sobre todo pensando en su edición en el mercado británico, ya que se habían detectado numerosas inexactitudes en la ambientación en Escocia del álbum, y De Moor se desplazó al Reino Unido para realizar un minucioso trabajo de documentación. En el díptico sobre el viaje a la Luna, se deben a su mano el diseño del célebre cohete y los paisajes lunares [13].

Participó también en la producción de las versiones en dibujos animados de El templo del sol y Tintín y el lago de los tiburones. Su huella es evidente en obras como Tintín y los pícaros, en la que se hizo cargo de la mayor parte del trabajo gráfico. Durante un tiempo se barajó la posibilidad de que terminase el álbum que Hergé dejó incompleto a su muerte, Tintín y el Arte Alfa. No obstante, no aparece nunca acreditado en ninguno de los álbumes de Tintín.

Jacques Martin

Jacques Martin, que era colaborador de la revista Tintin,entró en los estudios Hergé para sustituir a Edgar P. Jacobs. Trabajó en los guiones de "El Asunto Tornasol" y "Stock de Coque", y dibujó los vestidos de los personajes en estos mismos álbumes.Su colaboración con Hergé duró hasta 1972, año en que se dedicó por entero a sus propias series: Lefranc y, sobre todo, Alix.

Personajes

Tintín y Milú

Tintín y su perro Milú son los dos únicos personajes que aparecen en todas las aventuras de la serie. Tintín es un joven reportero belga que se ve envuelto en extrañas aventuras. Su edad es un misterio.

Desde su primera aventura, Tintín es acompañado por su perro, Milú, un fox-terrier blanco. Milú no es capaz de hablar, pero sus pensamientos aparecen a menudo verbalizados en los globos de diálogo. Generalmente es capaz de hacerse entender.

Su afición por los huesos y su más humano que canino interés por el whisky (en especial de la marca Loch Lomond, la preferida del capitán Haddock) desencadenan a menudo situaciones cómicas.

El capitán Haddock

El capitán Archibaldo Haddock es un marino cuya nacionalidad no se aclara en los álbumes (¿inglés, francés o belga?), aunque sí se sabe que tiene un antepasado francés (el caballero de Hadoque, marino al servicio de Luis XIV). El apellido Haddock procede de una conversación que Hergé mantuvo con su esposa, en la que ella comentó que el haddock (especie de abadejo ahumado) [14] era un "triste pescado inglés". El nombre de pila del capitán, Archibaldo, no se desvela hasta la última aventura de Tintín, Tintín y los pícaros (1976).

Para diseñar la fachada de la mansión de Moulinsart, adquirida por el capitán Haddock al final del álbum El tesoro de Rackham el Rojo, Hergé se inspiró en el castillo de Cheverny (en la fotografía).
Para diseñar la fachada de la mansión de Moulinsart, adquirida por el capitán Haddock al final del álbum El tesoro de Rackham el Rojo, Hergé se inspiró en el castillo de Cheverny (en la fotografía).

Arquetipo del lobo de mar, su apariencia se ajusta perfectamente a este modelo: gorra, jersey azul con el dibujo de un ancla, poblada barba negra. Rudo y de buen corazón, es el inseparable compañero de Tintín desde que hizo acto de presencia en El cangrejo de las pinzas de oro, donde es presentado como un personaje débil y dominado por su alcoholismo. Más tarde se convierte en un personaje más simpático, aun sin abandonar su debilidad por el whisky, en el que tiene especial predilección por la marca Loch Lomond (sus borracheras son a menudo empleadas como gags cómicos). Su mal carácter, su impulsividad irreflexiva y su amplio repertorio de insultos extravagantes, son uno de los lugares comunes de la serie, y contribuyen a dar un contrapunto al generalmente tranquilo y juicioso Tintín.

Descubre un tesoro en El tesoro de Rackham el Rojo, lo que le permite adquirir el castillo de su familia, en Moulinsart, y convertirse en un pacífico rentista. No por ello, sin embargo, deja de acompañar a Tintín en sus aventuras, y aparece en todos los álbumes desde su aparición hasta el final de la serie.

Hernández y Fernández

Hernández y Fernández (Dupond y Dupont en la versión original) son una pareja de policías idénticos, se diria que gemelos, aunque no tienen ninguna relación de parentesco. Sólo se distinguen por el bigote, que Hernandez (Dupont) lleva con dos pequeñas guias o "rabitos", que le dan una forma de T invertida, mientras que Fernández (Dupond) no los tiene, y su bigote tiene el aspecto de una D girada. Amigos de Tintín, aparecen por vez primera en Los cigarros del faraón aunque se les puede ver en la poblada primera viñeta de la reedición a color de Tintín en el Congo, apartados del grupo principal. Su ingenuidad y sus constantes meteduras de pata son las características que más identifican a estos simpáticos personajes.

El profesor Tornasol

El inventor suizo Auguste Piccard sirvió de inspiración a Hergé para la creación del profesor Tornasol
El inventor suizo Auguste Piccard sirvió de inspiración a Hergé para la creación del profesor Tornasol

El profesor Silvestre Tornasol aparece por primera vez en el álbum El tesoro de Rackham el Rojo. Es el arquetipo del científico despistado, cuya sordera le permite estar en desconexión con el mundo y metiéndose en un sinfín de situaciones cómicas. Para su creación, Hergé se inspiró en los rasgos del célebre inventor suizo Auguste Piccard.

Este personaje está inspirado en la vida de toda una generación de científicos que tras lograr avances importantes, como la bomba atómica, decidieron apartarse del mundo horrorizados por lo que habían construido. De esta forma los primeros inventos del profesor no parecen ni muy serios (como el péndulo que indica posiciones) ni muy fiables (como su primer minisubmarino con forma de tiburón); pero en Objetivo la Luna ya es un físico nuclear y en Aterrizaje en la Luna gracias a su audífono oye perfectamente y en El asunto Tornasol es un científico codiciado por grandes potencias para emplear su invento, capaz de reducir a polvo grandes ciudades. Pero ya en Las joyas de la Castafiore se refugia en su sordera para no enterarse de lo que pasa a su alrededor.

Bianca Castafiore

La cantante de ópera Bianca Castafiore es el único personaje femenino de cierta relevancia en la obra. Aparece por primera vez en El cetro de Ottokar, y figura en un total de ocho álbumes de la serie. Según su propio testimonio, Hergé detestaba la ópera: igualmente, tanto Tintín como Haddock (especialmente este último) aborrecen el canto de la Castafiore, especializada en una única pieza musical: el aria "de las joyas" de Margarita en la ópera Fausto de Gounod.

Otros personajes

Además de los mencionados, las aventuras de Tintín cuentan con la presencia de varios personajes secundarios que aparecen en varios álbumes. Es el caso del malvado millonario Rastapopoulos, principal antagonista de Tintín, del mercenario Allan Thompson, del general Alcázar y su eterno rival en el gobierno del imaginario país de San Theodoros, el general Tapioca, del mayordomo Néstor, del estrafalario comerciante portugués Oliveira da Figueira y del insoportable Serafín Latón.

En ocasiones, Hergé parodió con sus personajes a personas reales, cuyos nombres disfrazaba solo ligeramente. Es el caso del traficante de armas que aparece en La oreja rota, Basil Bazaroff, cuyo nombre apenas encubre la referencia a Basil Zaharoff. Menos frecuente es la aparición en los álbumes de Tintín de personajes reales, con su propio nombre, como ocurre con el gángster Al Capone, que tiene un relevante papel en Tintín en América.

Mención aparte merecen los cameos de otros personajes de Hergé, como Quique y Flupi (Quick y Flupke) que aparecen ocasionalmente en algunos álbumes.

Álbumes

En la lista siguiente aparecen exclusivamente los álbumes de Tintín realizados por su creador, Hergé. No aparece, por tanto, Tintín y el lago de los tiburones, que, aunque suele citarse como álbum del personaje, es la adaptación al cómic de un largometraje de animación en cuya realización no intervino Hergé.

# Título Publicación seriada Publicación en álbum
1 Tintín en el país de los Soviets
(Tintin au pays des Soviets)
(1)
Le Petit Vingtième, 10 de enero de 1929-8 de mayo de 1930 Éditions du Petit Vingtième, 1930
2 Tintín en el Congo
(Tintin au Congo)
(2)
Le Petit Vingtième, 5 de junio de 1930-11 de junio de 1931 Éditions du Petit Vingtième, 1931
En color: Casterman, 1946
3 Tintín en América
(Tintin en Amérique)
Le Petit Vingtième, 3 de septiembre de 1931- 20 de octubre de 1932 Éditions du Petit Vingtième, 1932
En color: Casterman, 1945
4 Los cigarros del faraón
(Les cigares du Pharaon)
(2)
Le Petit Vingtième, 8 de diciembre de 1932-8 de febrero de 1934 Casterman, 1934
En color: Casterman, 1955
5 El Loto Azul
(Le lotus bleu)
(2)
Le Petit Vingtième, 9 de agosto de 1934-17 de octubre de 1935 Casterman, 1936
En color: Casterman, 1946
6 La oreja rota
(L'oreille cassée)
Le Petit Vingtième, 5 de diciembre de 1935-25 de febrero de 1937 Casterman, 1937
En color: Casterman, 1943
7 La isla negra
(L'île noire)
(2)
Le Petit Vingtième, 15 de abril de 1937-16 de junio de 1938 Casterman, 1938
En color: Casterman, 1943
8 El cetro de Ottokar
(Le sceptre d'Ottokar)
(2)
Le Petit Vingtième, 4 de agosto de 1938-10 de agosto de 1939 Casterman, 1939
En color: Casterman, 1947
9 El cangrejo de las pinzas de oro
(Le crabe aux pinces d'or)
(2)
Le Soir Jeunesse, 17 de octubre de 1940-3 de septiembre de 1941
Le Soir, 29 de septiembre de 1941-18 de octubre de 1941
Casterman, 1941
En color: Casterman, 1943
(2)
10 La estrella misteriosa
(L'étoile mystérieuse)
(3)
Le Soir, 20 de octubre de 1941-21 de mayo de 1942 Casterman, 1942
11 El secreto del Unicornio
(Le secret de la Licorne)
Le Soir, 11 de junio de 1942-5 de julio de 1942; 16 de julio de 1942-14 de enero de 1943 Casterman, 1943
12 El tesoro de Rackham el Rojo
(Le trésor de Rackham le rouge)
Le Soir, 19 de febrero de 1943-23 de septiembre de 1943 Casterman, 1944
13 Las siete bolas de cristal
(Les 7 boules de cristal)
Le Soir, 16 de diciembre de 1943-2 de septiembre de 1944 Casterman, 1948
14 El templo del sol
(Le temple du soleil)
Tintín, 26 de septiembre de 1946-22 de abril de 1948 Casterman, 1949
15 Tintín en el país del oro negro
(Au pays de l'or noir)
(4)
Le Petit Vingtième, 28 de septiembre de 1939- 8 de mayo de 1940 (publicación interrumpida por la invasión alemana)
Tintín, 16 de septiembre de 1948-23 de febrero de 1950 (continuación)
Casterman, 1950
16 Objetivo: la Luna
(Objectif Lune)
Tintín, 30 de marzo de 1950-30 de diciembre de 1953 (historia completa, luego dividida en dos episodios) Casterman, 1953
17 Aterrizaje en la Luna
(On a marché sur la Lune)
Tintín, 30 de marzo de 1950-30 de diciembre de 1953 (historia completa, luego dividida en dos episodios) Casterman, 1954
18 El asunto Tornasol
(L'affaire Tournesol)
Tintín, 22 de diciembre de 1954-22 de febrero de 1956 Casterman, 1956
19 Stock de coque
(Coke en stock)
Tintín,31 de octubre de 1956-1 de enero de 1958 Casterman, 1958
20 Tintín en el Tíbet
(Tintin au Tibet)
Tintín, 17 de septiembre de 1958-25 de noviembre de 1959 Casterman, 1960
21 Las joyas de la Castafiore
(Les bijoux de la Castafiore)
Tintín, 4 de julio de 1961-4 de septiembre de 1962 Casterman, 1963
22 Vuelo 714 para Sidney
(Vol 714 pour Sydney)
Tintín, 27 de septiembre de 1966-28 de noviembre de 1967 Casterman, 1968
23 Tintín y los 'Pícaros'
(Tintin et les Picaros)
16 de septiembre de 1975-13 de abril de 1976 Casterman, 1976
24 Tintín y el Arte-Alfa
(Tintin et l'Alph-Art)
(5)
no publicada Casterman, 1986
Notas:

1. Es el único álbum de Tintín del que no se realizó edición en color.
2. Existen importantes diferencias entre la versión original y la versión en color.
3. Primer álbum de Tintín publicado directamente en color.
4. Comenzó publicándose tras El cetro de Ottokar, pero la Segunda Guerra Mundial interrumpió su publicación, que fue completada posteriormente (1950) con una revisión para enlazar con la trama creada por los títulos publicados desde entonces. En 1971 sufrió una segunda revisión suprimiendo algunos elementos y localizaciones reales.
5. La obra no fue terminada debido al fallecimiento del autor y sólo se encuentran bocetos de su desarrollo.

Traducción a otras lenguas

Aparte del francés, la primera lengua en que se publicaron Las aventuras de Tintín fue el portugués. Gracias al padre Abel Varzim, conocido de Hergé por haber estudiado en la universidad de Lovaina, entre el 16 de abril de 1936 y el 20 de mayo de 1937 se publicó en la revista O Papagaio, dirigida por Adolfo Simões Müller, Tim-Tim na América do Norte (Tintín en América) [15]. En O Papagaio, las aventuras de Tintín aparecieron en color antes incluso que en su país de nacimiento. La adaptación al portugués conllevó algunos cambios: el protagonista se presentaba como reportero, no de Le Vingtième Siècle, sino de la propia O Papagaio, y al estrafalario portugués Oliveira da Figueira que aparece en Los cigarros del faraón se le convirtió en español.

Ediciones en español

Para los países de lengua española, se encargó de la publicación de los álbumes de Tintín la barcelonesa Editorial Juventud. La traductora al español de todos los álbumes fue Concepción Zendrera, hija del fundador y propietario de la editorial, José Zendrera Fecha [16]. Zendrera fue también la responsable de los nombres en español de algunos personajes, como Hernández y Fernández (en el original, Dupond y Dupont) o Silvestre Tornasol (Tryphon Tournesol en el original).

El orden de aparición en España de los álbumes de Tintín fue el siguiente [17]:

  • 1958: El cetro de Ottokar, Objetivo: la Luna
  • 1959: El secreto del Unicornio, Aterrizaje en la luna
  • 1960: La estrella misteriosa, El tesoro de Rackham el Rojo
  • 1961: La isla negra, El asunto Tornasol
  • 1962: Tintín en el Tíbet, Stock de coque, Tintín en el país del oro negro
  • 1963: El cangrejo de las pinzas de oro
  • 1964: Los cigarros del faraón, Las joyas de la Castafiore
  • 1965: El Loto Azul, La oreja rota
  • 1966: Las siete bolas de cristal, El templo del sol
  • 1968: Tintín en América, Tintín en el Congo
  • 1969: Vuelo 714 para Sidney

Existe una edición muy poco conocida de dos ejemplares de las aventuras de Tintín, El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo, publicados en español por la propia Editorial Casterman en 1952, seis años antes de que de la traducción y comercialización en España se encargara la Editorial Juventud. Ambos álbumes se habrían editado al mismo tiempo que las ediciones en inglés y alemán, aunque debido al escaso éxito que tuvieron en el mercado, Casterman no continuó editando las aventuras de Tintín en español. Debido a que esta rara edición presenta una traducción al español idéntica de la que presentaría la Editorial Juventud al hacerse cargo de la edición, se baraja la hipótesis de que las páginas de los álbumes de Casterman en español no vendidos fueran aprovechados en su momento para la edición de Juventud[18]

En el año 2001, la editorial belga Casterman decidió publicar directamente los álbumes de Tintín en todo el mundo. Ello provocó un conflicto con la editorial Juventud, que ha poseído los derechos para los países de lengua española desde hace más de cuarenta años[19]. En la actualidad (2006) existen dos ediciones en español: la de Juventud, con la traducción de Concepción Zendrera, en formato álbum (30 x 23 cm), y la de Casterman, en formato reducido (22 x 17 cm) y con una nueva traducción.


Álbumes no oficiales

La popularidad del personaje ha sido la causa de la producción de varios álbumes no oficiales, esto es, no autorizados por Hergé y sus herederos. Existe una amplia gama de álbumes no oficiales de Tintín: desde las ediciones piratas de los álbumes oficiales hasta pastiches y parodias.

Las ediciones piratas se han centrado sobre todo en el primer álbum de la serie, Tintín en el país de los Soviets, que durante mucho tiempo Hergé se negó a reeditar por su contenido político.

En cuanto a las parodias, la primera de cierta importancia fue Tintín en el país de los nazis [20], publicada en 1944 por el diario belga L'Insoumis, en el que sus propios personajes acusan a Hergé de colaboracionismo durante la ocupación alemana de Bélgica.

Con una finalidad satírica se han escrito varias parodias, como Tintín en Tailandia o La vida sexual de Tintín.

Algunos artistas se han dedicado a realizar pastiches de los álbumes de Tintín. Es el caso del canadiense Yves Rodier, quien realizó a los diecinueve años, en 1986, una versión acabada de Tintín y el Arte-Alfa, sumamente respetuosa del trabajo de Hergé, con la intención de ver autorizada su publicación por los herederos del autor. No obstante, se le denegó el permiso. Más tarde, Rodier ha producido nuevos pastiches de Tintín, entre los que destacan Tintin et le Lac de la Sorcière y Tintin reporter pigiste au XX. Esta última historia, de sólo tres páginas, se sitúa al comienzo de la serie y cuenta cómo Tintín se hizo famoso y fue enviado al país de los Soviets [21].

Otro destacado imitador de Hergé es Harry Edwood, quien dibuja portadas de álbumes inexistentes y nuevas aventuras del personaje, como The Voice of the Lagoon y The Elves of Marlinspike.

Adaptaciones

Cine

Se han hecho varias adaptaciones cinematográficas de la serie, tanto en dibujos animados como en cine de imagen real. Las dos películas producidas con autores reales, Tintín y el misterio del Toisón de Oro (1961) y Tintín y las naranjas azules, fueron desarrolladas a partir de guiones originales y no de los álbumes de la serie. En su producción no intervino personalmente Hergé.

Por el contrario, todas las películas de animación, con excepción de una (Tintín y el lago de los tiburones), son adaptaciones de los álbumes de la serie.

El célebre director estadounidense Steven Spielberg adquirió los derechos para el cine de las aventuras de Tintín en 1983 [22], aunque de momento su proyecto de producir una trilogía de películas de imagen real sobre el personaje no ha llegado a materializarse.

Televisión

Se han producido dos series de animación sobre Tintín, las dos basadas en los álbumes originales de la serie.

La primera, titulada Aventuras de Tintín, por Hergé fue producida por Belvision entre 1958 y 1962, y consta de 104 episodios de 5 minutos de duración. La serie fue adaptada por Charles Shows, y luego traducida al francés por Greg (Michel Regnier), que era entonces el editor de la revista Tintín. Esta serie ha sido muy criticada por su pobre calidad y por las libertades que se toma con respecto al argumento de las álbumes.

La segunda serie, Las aventuras de Tintín, fue producida en 1991 por Ellipse Programme y Nelvana ltd.Se trata de una coproducción franco-canadiense que consta de 21 episodios de 52 minutos de duración cada uno, que adaptan cada uno de los álbumes, excepto "Tintín en el País de los soviets" y "Tintín en el Congo". Su calidad y su fidelidad a los dibujos originales de Hergé es muy superior a la anterior adaptación.En cuanto al dibujo de los personajes, se decidió crear un mismo modelo para todos los episodios,resolviendo así adecuadamente el problema que suponían las variaciones que cada personaje había ido experimentando en la historietas a lo largo de sus cincuenta años de historia.La banda sonora, a cargo de Ray Parker, contribuye a dotar a esta serie de un carácter de película de aventuras, alejándola del aire más infantil de otras adaptaciones.

Teatro

El propio Hergé participó en la creación de dos obras de teatro sobre el personaje: Tintín en la India: el misterio del diamante azul (1941) y La desaparición de Mr. Boullock (1941–42). Ambas fueron escritas en colaboración con Jacques Van Melkebeke y representadas en Bruselas.

A finales de los años 70 y comienzos de los 80, dos obras teatrales protagonizadas por Tintín fueron presentadas en Londres, adaptadas para la escena por Geoffrey Case para la Unicorn Theatre Company: Tintin's Great American Adventure, basada en Tintín en América, que se representó en la temporada 1976–77; y Tintin and the Black Island, basada en La isla negra, y estrenada en 1980. Esta segunda obra fue luego llevada en gira, y se representó incluso en Quebec (Canadá).

Un musical basado en Las siete bolas de cristal y El templo del sol se estrenó el 15 de septiembre de 2001 en el Stadsschouwburg (teatro municipal) de Amberes, en Bélgica, con el título de Kuifje – De Zonnetempel (De Musical). La representación fue emitida por Canal Plus. Más tarde se adaptó en francés y se estrenó en Charleroi, en 2002, con el título de Tintin – Le Temple du Soleil.

La compañía de teatro británica Young Vic produjo una versión musical de Tintín en el Tíbet, que se representó en el Barbican Arts Centre de Londres de diciembre de 2005 a enero de 2006. La Fundación Hergé tiene previsto volver a representar este espectáculo en Londres entre diciembre de 2006 y enero de 2007 para celebrar el centenario de Hergé.

Exposiciones

La serie Las aventuras de Tintín ha sido objeto de numerosas exposiciones. La Fundación Hergé creó una exposición móvil en 1991, con el título de "El mundo de Hergé", que ha sido descrita por la mencionada fundación como "una excelente introducción a la obra de Hergé". Los objetos de esta exposición han sido utilizados después en otras posteriores, como "Hergé el dibujante", con que se conmemoró el sexagésimo aniversario de la aparición del personaje, y la más reciente "En el Tíbet con Tintín". En 2001, el Museo de la Marina albergó una exposición de objetos relacionados con el mar que inspiraron a Hergé. En 2002 el Museo de Arte de Bunkamura, en Japón, acogió una exposición de dibujos originales del autor, así como el submarino y el cohete inventados en la serie por el profesor Tornasol. En 2003, Barcelona albergó también una exposición sobre Tintín y el mar.

En 2004 hubo varias exposiciones sobre el personaje: en el Museo Real de Etnología de Holanda, sobre "Tintín y los incas"; en Halles Saint Géry de Bruselas, acerca de "Tintín en la ciudad"; y en el Museo Nacional Marítimo de Londres, de nuevo sobre Tintín y el mar. [23]

El centenario del nacimiento de Hergé fue conmemorado con una amplia exposición en el Centro Georges Pompidou de París, del 20 de diciembre de 2006 al 19 de febrero de 2007. En la muestra estaban incluidas las 120 planchas originales de El loto azul. [24] [25]


Significado de Tintín

Tintín se ha convertido en un personaje que forma ya parte de la cultura universal. Su actitud pugnaz contra las injusticias y su valentía para hacer frente al tirano y arrostrar un desafío allá donde se le presente, unido a su sempiterna juventud; son marcas de autor de un personaje aceptado hogaño como símbolo de rebeldía y justicia.

Notas

  1. Los guiones de la serie estaban firmados por un tal Smettini, que encubría la identidad del redactor deportivo Desmedt (ref. Assouline; p. 32)
  2. Las aventuras de Totor aparecieron en Le Boy-Scout Belge entre julio de 1926 y enero de 1930
  3. Pueden verse algunas imágenes de Tintin-Lutin en esta página dedicada a su creador, Benjamin Rabier
  4. Assouline, p. 40
  5. Véase, por ejemplo, la página 29 de la edición actual de Tintín en América, en la que se narra la expulsión de una tribu de indios pies negros de una región en la que acaba de encontrarse petróleo.
  6. Farr, p. 51.
  7. Farr, p. 62.
  8. Assouline, p. 130
  9. Farr, p. 121.
  10. Farr, p. 123.
  11. En El cetro de Ottokar, Jacobs es el responsable principal de la página en que se describe la batalla de Zileheroum, así como de la decoración de las salas del castillo de Kropow (Michael Farr, op. cit., p. 89)
  12. Bob de Moor, por Shervin Moloudi (en inglés)
  13. Michael Farr, op. cit., p. 141.
  14. Le capitaine Haddock: le nom du capitaine, en tintin.com.
  15. Tintin faz 75 anos, en BD97, A 9ª Arte em Português
  16. "La familia adoptiva de Tintín", en El Periódico de Aragón, 10 de enero de 2004
  17. Las fechas de las primeras ediciones de los álbumes proceden de Les edicions infantils i juvenils de l' Editorial Joventut (1923-1969), tesis doctoral de Mònica Baró Llambias. En otras fuentes, sin embargo, se afirma que la publicación de Las aventuras de Tintín en España comenzó en 1957
  18. "El Tintín de Casterman de 1952 en español", en el blog La mirada estrábica, 1 de febrero de 2007
  19. "Tintín cuelga de la nostalgia", en La Voz de Asturias, 16 de marzo de 2003
  20. En esta página pueden verse algunas de las tiras de la historieta.
  21. Yves Rodier, le roi du pastiche !
  22. Steven Spielbert Bringing 'Tintin' to Big Screen, en www.hollywood.com, 22 de noviembre de 2002
  23. The Adventures of Tintin at Sea - a major new exhibition at the National Maritime Museum. Consultado el 2006-09-09.
  24. Yahoo News on Pompidou exhibition
  25. [1]

Bibliografía

Meme rmxed

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 20 de Abril, 2007, 11:59 por themackintoshman

Como no me lo manda nadie, y me apetece hacerlo, he copiado uno que encontré por ahí, y lo he "condimentado" un poco

Cuatro cuadros que "robaría":

- El matrimonio Arnolfini.de Jan Van Eyck

- Finis Gloriae Mundi de Juan Valdés Leal.

- Ascendiendo, descendiendo de M.C. Escher.

-Gran Vía 1981 , Antonio López García.

Cuatro personas con las que sería infiel a mi amantísima: Ella ya sabe lo de la lista,je,je,de hecho,ella ya tiene la suya, y creo que Darek, ocupa un puesto alto.

- Juliette Binoche.

- Sarah Jessica Parker.

- Kylie Minogue.

- Martina Klein.

Cuatro personas con las que tomar cañas-famosos o relevantes,vivos o muertos:

- Olvido Gara.

- Faemino y Cansado.

- Tim Burton.

- Hugh Grant, éste , de pintas , tiene que ser cojonudo.

Cuatro discos sin los que no podría vivir: ¿Sólo cuatro?, no puedo,

- Una i-pod de 80 gb.

-Una i-pod de 80 gb.

- Una i-pod de 80 gb.

- Una i-pod de 80 gb.
Cuatro películas que puedo ver una y otra vez:

- El rey arturo y los Caballeros de la Tabla Cuadrada.

- Pesadilla antes de navidad.

- Sospechosos habituales.

- El gabinete del Dr. Caligari.
Cuatro lugares donde he vivido:

- En León.

- En Oviedo.

- En mi mundo.

-En mi cabeza.
Cuatro programas de TV que me gusta ver:

- La hora chanante.

- Camera Café.

- Se lo que hicistéis....

- Rugby
Cuatro lugares donde he estado de vacaciones:

- Londres.

- La sierra de Madrid.

- Alicante.

-Asturias.
Cuatro de mis platos favoritos:

- Mollejas.

- Carne Guisada..

- Callos.

-Patatas con Pata.
Cuatro sitios que visito a diario:

- El baño.

- Mi coche.

- La oficina.

- El cristal ( café- bar)
Cuatro lugares donde preferiría estar ahora:

- Aturias.

- Londres.

- Petra.

-La fábrica de Guinness

Dark City

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 2 de Abril, 2007, 17:46 por themackintoshman

Dark City
Título Dark City
Ficha técnica
Dirección Alex Proyas

Producción Alex Proyas, Andrew Mason

Guión Alex Proyas, Lem Dobbs, David S. Goyer

Música Trevor Jones

Reparto Rufus Sewell, William Hurt, Kiefer Sutherland, Jennifer Connelly
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1998
Género Ciencia Ficción
Duración 100 minutos
Compañías
Distribución New Line Cinema
Presupuesto $27,000,000

Ficha en IMDb

Dark City es una película de 1998 dirigida por Alex Proyas y escrita por Alex Proyas, Lem Dobbs y David S. Goyer. A pesar de no ser un éxito en taquilla, la película es un referente en el cine fantástico para adultos por abordar temas de cierta complejidad de una forma imaginativa y estéticamente original, aunque lo haga conjugando géneros tan dispares como el cine negro y el expresionismo, con retazos de ciberpunk.

Sinopsis

John Murdoch se despierta a medianoche tumbado en la bañera de un hotel, aquejado de una grave amnesia que le impide recordar su pasado, exceptuando pequeños retazos de un idílico y soleado lugar donde supuestamente pasó su niñez. Más tarde descubrirá que la falta de recuerdos es el menor de sus problemas ya que, por una parte es perseguido por la policía acusado de ser un asesino en serie de prostitutas, y por otro descubre que la ciudad es manipulada en las sombras por un misterioso grupo llamado 'Los Ocultos'.

Valoración

No llegó masivamente al gran público por varias razones de índole práctico: se trata de una película fantástica dirigida por la trama, desarrollada a través de diálogos y descubrimientos del propio protagonista en su interacción con la ciudad; de este modo hay una notable ausencia de escenas de acción y pirotecnia que diluyan de alguna manera la densidad del argumento como así sucedía en Matrix. Por otra parte la película, aun planteando preguntas de gran calado humano (la predisposición genética del individuo frente a los recuerdos y vivencias generados como respuesta al entorno social que le rodea a la hora de modelar el carácter único de la persona), lo hace desde un punto de vista netamente fantástico, necesitado de un cierto grado de complicidad por parte del espectador, que ha de estar dispuesto a dejarse llevar por la situación hipotética que se describe. De otro modo la película se vuelve fácilmente aburrida y disparatada.

Interpretaciones

La historia ofrece varias lecturas según el grado de inmersión en la trama por parte del espectador. En una primer pase puede resultar la típica lucha del bien contra el mal, o de la búsqueda de identidad, de una forma similar a como sucedía en Desafío Total o RoboCop, donde el protagonista sufría un borrado de memoria y luchaba para recuperar sus recuerdos.

La película nos muestra a los Ocultos: una raza alienígena, similar físicamente a la medusa, incapaz de sobrevivir al aire libre; de este modo utilizan los cuerpos humanos muertos como recipientes para poder moverse por la ciudad. Debido a su mayor evolución han desarrollado la capacidad de modificar la realidad creando y destruyendo materia, facultad que utilizan para recrear la ciudad cada noche y así adaptarla a las memorias modificadas de sus habitantes humanos. Por otro lado, su superior desarrollo tecnológico les permite borrar y generar recuerdos a base de mezclar los ya existentes en las mentes de los habitantes. Cuentan para ello con la ayuda del doctor Schreiber, el único humano en la ciudad que retiene sus conocimientos originales de psiquiatría, para ayudarles en la creación de nuevas memorias como si de un proceso artístico se tratara. De esta manera todos los habitantes de la ciudad forman parte de una especie de teatro o representación sin saberlo: cada una de las personalidades de los moradores de la ciudad es prefabricada con el objeto de observar el comportamiento y desarrollo de una mismo cuerpo/persona con varios juegos de recuerdos totalmente diferentes. El ciclo completo del experimento comienza cada media noche, momento en que la ciudad se detiene, los humanos caen en una especie de letargo y los Ocultos crean o alteran zonas de la ciudad e imprimen nuevos recuerdos a un reducido número de personas. Terminado el trabajo la ciudad vuelve a funcionar y la gente despierta. Tras un periodo de observación el ciclo vuelve a repetirse sin final aparente.

El doctor Schreiber resume de forma bastante acertada la esencia del argumento en la frase: "Una persona con los recuerdos de una vida de asesino ¿continuará matando? O por el contrario, somos algo más que la simple suma de nuestras memorias". Los Ocultos son presentados como una sociedad en decadencia, al borde de la extinción como resultado de sus poderes telepáticos: todos los especímenes comparten los mismos recuerdos y conocimientos, de modo que no hay lugar para la diferencia y el individualismo en su especie. Su búsqueda les hace reparar en el planeta Tierra y en los humanos; tras abducir a varios cientos de ellos y poblar una ciudad manufacturada a medida comienzan a jugar con los recuerdos de las personas, en la esperanza de que la diferencia entre dos seres humanos resida en el alma, y el alma humana sea un concepto atado o ligado de alguna manera a los recuerdos y vivencias particulares de cada persona y no algo condicionado por la genética o la morfología humana.

Finalmente, la película deja algunos puntos para la reflexión: el protagonista rechaza de forma impulsiva parte de la nueva personalidad de asesino que le implantan; el Oculto que se deja imprimir con una copia de esta personalidad como excusa para tratar de predecir los movimientos del protagonista huido, en realidad lo hace como un intento por sentirse humano, aunque finalmente sólo desarrolla la faceta de asesino de la personalidad implantada; el hecho de que el protagonista haya vivido docenas de vidas anteriores y ahora desarrolle las mismas habilidades mentales que sus celadores da una idea del oscuro futuro que le espera a la evolución de la raza humana. El personaje con los recuerdos de ser un paralitico no es capaz de levantarse de su silla de ruedas mientras que dotado de una nueva personalidad no tiene problema en andar por su propio pie; el vendedor de periódicos que fue recepcionista en un hotel hace tan solo dos dias tiene los mismos modismos a la hora de expresarse y la misma actitud estricta a pesar de tener un nuevo juego de recuerdos; el policía con los recuerdos de ser eficiente y respetado en realidad no da la talla y nadie le hace demasiado caso.

Similitudes

El tema de mundos virtuales o alternativos ligados o no a la identidad del ser humano es un tema recurrente en el cine: Mulholland Drive y Carretera perdida de David Lynch son dos ejemplos en la representación de un universo alternativo que se desprende de los anhelos del protagonista ante situaciones extremas (historias de "escapismo mental" como las llamara su creador y director); Identidad también puede ser catalogada en este género aunque su ejecución es mucho más simplista y carente de contenido. De una forma más visceral Existenz, Nivel 13, Avalon o Virtuosity presentan mundos alternativos ligados a la tecnología y la realidad virtual, aunque el caso más similar que probablemente se pueda encontrar es el de The Matrix; el hecho de haber compartido decorados y haber sido estrenada con un año de diferencia la convierten en el "hermano rico" de Dark City, encontrándose similitudes no tan sólo en planos y secuencias determinadas sino en el desarrollo general de la trama: un Elegido toma conciencia de la falsedad de la realidad que le rodea y desarrolla habilidades propias de sus captores que utiliza contra ellos para liberar a la raza humana.

 Versiones Alternativas

En Noviembre del 2005 comenzó a circular el rumor por varias webs especializadas de una nueva edición de la película programada para ver su aparición en DVD en el 2006. Aunque su contenido en cuanto a extras y montaje se desconoce, se baraja la posibilidad de que de esta nueva edición resulte una película mucho más próxima a los pases de prueba realizados antes del estreno original. Las diferencias se resumen en los siguientes puntos:

  • Eliminada la introducción y la voz en off del comienzo de la película; durante la primera media hora la confusión del espectador es total hasta que es revelado el origen de la ciudad. Actualmente muchos fans recomiendan bajar el volumen del sonido para evitar precisamente la voz en off y simular de algún modo el efecto producido en los pases de prueba, de forma que cuando la trama se descubre el efecto de sorpresa en el espectador es mucho más fuerte.
  • El montaje y edición de las escenas es muy diferente. Dark City es actualmente una de las películas con menor número de segundos de media por escena: todo el metraje está plagado de cortes que en principio dan más dinamismo y velocidad a la narración; en las versiones de prueba las escenas son mucho largas y pausadas, más orientadas al misterio que a la acción. La música también refleja el nuevo tono de la película.
  • Los alienígenas son más parecidos a escorpiones y están realizados en stop motion. En el apartado de efectos digitales el director Alex Proyas ha comentado varias veces que Dark City fue una película con un presupuesto muy inferior al necesario; muchos efectos digitales fueron realizados en el último momento y realmente fue un milagro según el director poder completar todas las escenas digitales que se muestran en la película; aun así, escenas como la confrontación final entre Mr Book y John Murdock sufren evidentemente de estos recortes presupuestarios. Probablemente el montaje del director muestre efectos digitales mas acordes a los tiempos actuales.

En varias ocasiones Alex Proyas ha manifestado su interés por rodar una protosecuela o secuela de Dark City, argumentando que aunque originalmente no superó la recaudación de 15 millones de dólares, gracias a películas de corte similar producidas posteriormente, Dark City se ha rodeado de un muy nutrido e incondicional grupo de fans y admiradores. Este hecho daría unas ciertas garantías a la hora de asignar el presupuesto necesario para una posible secuela, supeditada también al éxito de la nueva edición que se espera para 2006 por parte de la New Line Cinema.

Banda sonora

Fue compuesta por Trevor Jones con un tema de Hughes Hall especial para el trailer, versiones de Sway y The Night Has a Thousand Eyes cantadas por Anita Kelsey y tres temas inspirados en la película pero que sólo aparecen en el CD, de Gary Numan, Echo & the Bunnymen, y Course of Empire.

Premios

Premios ganados:

Año Premio Categoría
1998 Premio Bram Stoker Premio Bram Stoker al mejor guión (junto a Gods and Monsters)
1998 Festival de cine fantástico de Amsterdam Premio Silver Scream
1999 Premio Saturn Premio Saturn a la mejor película de ciencia ficción (junto a Armageddon)
1999 Festival internacional de cine fantástico de Bruselas Premio Pegasus de la audiencia
1999 Premio del círculo de críticos de Australia Mejor guión original

También fue nominada a:

  • Premio Hugo 1999 a la mejor presentación dramática.
  • Premio a la mejor película en Festival internacional de terror de 1999.
  • Premios Saturn 1999 por mejor vestuario, mejor director, mejor maquillaje, mejores efectos especiales y mejor guionista.

La rama dorada

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 30 de Marzo, 2007, 12:49 por themackintoshman
Editorial: Fondo de cultura económica.

La rama dorada, magia y religión (The Golden Bough: A Study in Magic and Religion). Obra principal del antropólogo escocés sir James George Frazer, publicada por primera vez en 1890 en dos volúmenes, cuya segunda versión (1907-1915) aumentó el número de volúmenes hasta doce y que fue reducido por el autor hasta uno solo en 1922.

El título es tomado de una obra del pintor inglés Joseph Mallord William Turner, quien en su obra homónima pinta el lago del bosque de Nemi al que en la antigüedad se le llamaba "El espejo de Diana", a su vez el pintor siguió la leyenda de la rama dorada citada por el poeta latino Virgilio en uno de sus poemas.

Objetivo de la Obra

El motivo de la obra es esclarecer los orígenes primitivos de una vieja leyenda acerca de un sacerdote de Diana armado con una espada, nombrado como "rey del bosque", que habitaba dentro de las raíces de un viejo árbol en el bosque de Nemi en Italia, cuyo puesto solo podría ser tomado si el postulante lograba asesinar al antecesor.

De la leyenda anterior, el autor realiza una entretejida investigación de los diferentes aspectos constitutivos del mito, mediante la comparación de los diferentes cultos, leyendas y tradiciones de distintas regiones del mundo en semejanza con el fundamento de la obra.

Esta obra influyo enormemente en la mentalidad antropológica de las posteriores décadas, llegando a formar parte de las principales obras de antropología jamás escritas.


Contenido

Con esta obra, el autor pretende demostrar que todas las religiones primitivas tienen características en común, por lo que la justificación de los principios de determinadas costumbres mágicas o religiosas servirán igualmente para la comprensión del origen y significado de otras formas religiosas análogas.

Uno de los primeros postulados que esta obra pone en claro es la división de las prácticas mágicas según el principio que trata de seguir la mente salvaje así, la magia podrá ser homeopática si trata de que "lo semejante produzca lo semejante"; o simpatética (en el orginal inglés "simpatic" textualmente se traduciría simpática) o contaminante, si sigue el principio de que las cosas que alguna vez estuvieron juntas, al separarse, tienen tal relación mágica que lo que se le haga a una sufrirá la otra.

Siguiendo la línea antropológica evolucionista del autor, se declara que todas las culturas del mundo han seguido un proceso semejante en su evolución religiosa, siempre empezando en las actividades mágicas y derivando en religiones bien establecidas, diferenciándose la primera de la segunda en que esta a última busca propiciarse a entidades superiores o deidades, mietras que la primera solo busca alcanzar el efecto necesario o "lógico" de la naturaleza. Esto último resulta, según Frazer, de un entendimiento equivocado de las leyes naturales de causa y efecto y de un presupuesto necesario de un medio entre el acto mágico y el efecto, algo "a semejanza del éter de la física moderna" (Frazer 1922, III, 3).

Os presento hoy, un libro, tan interesante,como sesudo; su lectura, ha de ser tranquila y pausada, pues a veces, es un pelín compleja, sinb embargo , es un magnífico estudio sobre religiones primitivas y mitos,absolutamente recomendable.


La rama dorada
Frazer, James George

ISBN: 968160122X
Formato: 13,5 x 21 cm., 860 pp.
Primera edición: 1944

Última edición: 1955

Tomás Luis de Victoria

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 23 de Marzo, 2007, 10:32 por themackintoshman

Victoria, Tomás Luis de (1547-1611) La vida de este gran compositor español del s. XVI presenta algunos puntos oscuros, que los especialistas aún no han aclarado. Uno de ellos es la fecha de su nacimiento. Puede fijarse entre el a. 1547-48 (era el séptimo de los diez hijos de Francisco Luis de Victoria y Francisca Suárez, casados en 1540) y el a. 1550 (V. entra el 25 jun. 1565 en el Colegio Germánico de Roma, donde se exigía para la admisión haber cumplido los 15 años). Como niño cantor en la catedral de Avila, sú ciudad natal, inicia los estudios musicales, que abarcaban desde el solfeo hasta el contrapunto superior. En Roma, considerada el centro de la polifonía y etapa obligada en la vida de todo maestro, «no sólo me dediqué durante algún tiempo a otros nobles estudios, sino que empleé mucho trabajo y esmero en el arte de la música. En las clases del Seminario Romano se encuentra con los hijos de Palestrina, Rodolfo y Angel, compositores, y sobre todo entra en contacto con el padre de ellos, maestro de capilla e instructor de canto y música (66-71) de los alumnos de dicho seminario. En enero del 69 abandona el Colegio Germánico y, sin dejar sus estudios, ejerce el oficio de cantor-organista (maestro de capilla) en la iglesia española de S. María de Monserrat. En el 71 es readmitido en el Germánico como músico que enseña a los alumnos. En este mismo año sucede a Palestrina como maestro de capilla del Seminario Romano. Aquí permanece hasta el 73 en que pasa nuevamente como cantor (maestro de canto) al Germánico. Durante estos años V. encuentra en el card. Otón Truchsess un generoso mecenas, a quien dedicará en prueba de gratitud sus Motecta (1572). El Colegio Germánico establece (75) su nueva sede en el palacio de S, Apolinar, donación, como la iglesia adjunta, de Gregorio XIII. Se crea una capilla musical, de la cual V., moderator musicae del Germánico, es nombrado maestro. Durante estos años continúa prestando sus servicios en las iglesias españolas (Monserrat, Santiago, Trinidad). El domingo 28 ag. 1575 es ordenado sacerdote en la iglesia de S. Tomás de los Ingleses. Al abandonar en el 78 el Colegio Germánico se retira como capellán a S. Jerónimo de la Caridad, donde permanecerá hasta el 7 jun. 1585; allí, durante cinco años (hasta el 83) con- vive con S. Felipe Neri y comi~nza para V. una época de intensa religiosidad, al entrar en la órbita espiritual y artística del santo.

Se considera como el año más probable de su regreso a España el de 1594. Casimiri cree que se encuentra en Roma a principios del 94, basándose en la carta que Felipe II escribe (21 en. 94) a su embajador en Roma, comunicándole la concesión de un beneficio «en favor de Tomé de Victoria, clérigo presbítero dé: la diócesis de Avila y Capellán de la Sersima. Emperatriz (María), ni muy chara y muy amada hermana». Sin embargo, en un documento hallado por J. M. Llorens, fechado en Madrid (22 feb. 1587), se habla de «il Vittoria» de forma que se deduce su presencia en España. Todo se aclarará si se logra documentar la existencia de un viaje a España y regreso a Roma. Así se explicaría, también, la fecha (Romae, Idibus Novemb, 1592) que aparece en la dedicatoria de su Liber Secundus de Misas y la carta de Felipe II antes citada.

Lo cierto es que desde el 1596 vive en Madrid, ejerciendo las funciones de capellán de la emperatriz María, que en 1584 se retiró al convento de las Descalzas Reales. Al morir en 1603 la emperatriz, para cuyas exequias compuso el Officium Defunctorumy que dedicó dos años más tarde a su hija la princesa Margarita, V, continuará hasta su muerte (Madrid, sábado 27 ag. 1611) en humilde y recogido anonimato como organista de las Descalzas, donde fue enterrado. Al enjuiciar la obra y Ia personalidad de V. es indispensable tener muy en cuenta que el arco de su vida recubre casi exactamente la cronología del movimiento artístico llamado manierismo. Justamente el apogeo de este movimiento, lazo de unión, o de ruptura, entre las dos grandes manifestaciones del arte denominadas Renacimiento y Barroco, coincide con los años de la plena madurez artística de Victoria. «La posición de los jóvenes artistas con respecto al Renacimiento era singularmente complicada; ellos no podían renunciar a las conquistas del arte clásico, al mismo tiempo que eran completamente extraños a dicho sistema». Por eso trataban de disolver la regularidad y la armonía demasiado simples del arte clásico y tendían a sustituirlas por obras más subjetivas y sugestivas. «A esta ruptura con el clasicismo renacentista se llegaba, en ciertos casos, a través de una experiencia religiosa más profunda e íntima y de la visión de un nuevo mundo espiritual; en otros, por un extremado intelectualismo, o por la excesiva madurez de un gusto refinado». Sin duda que el camino seguido por V. fue la aguda vivencia de una nueva espiritualidad.

Por esto, «la expresividad de sus Motetes, y aun de sus Misas, le sitúa más allá de la estética renacentista, tan rigurosa en el estilo palestriniano». En esta espiritualidad, y en su expresión, deseada y buscada previamente, se descubre otra de las características del manierismo, en el cual «La conciencia creadora del artista interviene no sólo en la selección de los medios que corresponden a su intento expresivo, sino también para decidir la dirección de ese mismo intento». En la dedicatoria de su Libro de Misas a Felipe II escribe: «... y ya desde el principio me propuse no fijarme en el solo deleite de los oídos y del ánimo y de contentarme con este conocimiento; antes bien, mirando más allá, resolví ser útil dentro de lo posible, a los presentes ya los venideros... ¿a qué mejor fin debe servir la música sino a las sagradas alabanzas de aquel Dios inmortal de quien proceden el ritmo y la medida, y cuyas obras están dispuestas en forma tan portentosa que son la manifestación de una armonía y canto admirables?».

En la formación de su espiritualidad confluyen influencias muy potentes y varias. No puede mencionarse su patria de origen, Avila, sin asociarla a sus contemporáneos Teresa de Jesús y Juan de la Cruz; como tampoco se pueden olvidar los años de formación con los jesuitas de Roma y, sobre todo, la íntima convivencia espiritual con S. Felipe Neri. Es también importante recordar que V. llega a Roma en pleno clima posconciliar tridentino. Compárese el decreto conciliar que dispone que «se ex- cluyan del templo las músicas, tanto para órgano como para canto, de contenido lascivo o profano», con las palabras de V. en la citada dedicatoria a Felipe II, y que bien pueden considerarse como su canon ético-musical: «... emprendí la tarea de poner música sobre todo a aquella parte que a cada paso se celebra en la Iglesia católica. Por lo cual se ha de juzgar que erraron gravemente y merecen ser castigados sin compasión quienes, practicando un arte muy honesto y muy a propósito para aliviar las penas y recrear los ánimos con un goce casi imprescindible, lo dedican a cantar amores deshonestos y otros indignos asuntos». Estos movimientos de renovada espiritualidad en la vida de la Iglesia los registraba su sensibilidad de artista genuino, auténticamente religioso, y los sintetizaba, como afirma Pedrell, «en un misticismo a la manera de Teresa y de Juan de la Cruz... músicos- poetas que saben hallar en la exaltación de su alma el acento de aquella música divina que, habiendo encontrado su expresión justa y sublirrie belleza en la interpretación de la divina palabra, permanece inmutable, como belleza primitiva, inspiradora de todas las bellezas posteriores».

En este juicio de V. se prescinde intencionadamente de toda comparación con los ilustres maestros de la época y de modo especial con Palestrina. Sin negar el decisivo influjo, sobre todo técnico, que ejercieron sobre él, la personalidad de V. es tan limpia, tan neta y precisa que toda comparación resultaría deformante. A su formación técnica, enriquecida con el estudio de las obras de los compositores flamencos, italianos y españoles (no olvidemos que Morales fue maestro de capilla de A vila del 1526 a 1530), V. une una singular disposición para la música (principalmente sagrada y eclesiástica), «... a la cual me siento inclinado por cierto natural instinto... Conociendo que esto se debe a una gracia y beneficio de Dios, procuré no ser del todo ingrato con Él... si enterrara el talento con que me ha dotado» (Dedicatoria de los Himnos a Gregorio XIII); «trabajé mucho en el estudio de la música, a la cual mi misma naturaleza me guiaba por un cierto secreto instinto e impulso» (Dedicatoria a Felipe II). La mecánica compositiva no tiene secretos para V. y su perfección técnica está fuera de discusión. Sin embargo, es necesario profundizar en su genial perfección, en busca de esa fuerza interior, característica del genio, que domina y condiciona los elementos materiales de que dispone, dándoles un toque de mágica y trascendente perennidad. Él mismo, con clarividencia y conciencia asombrosas, nos indica el camino, «... antes bien, mirando más allá, resolví...» (Dedicatoria a Felipe II).

Esta conciencia de su mensaje artístico a presentes y venideros es la que hace de V. el más genuino representante en el campo musical de la inquietud artística y de la problemática de su tiempo, comparable al Greco o a Tintoretto en la pintura ya Teresa y Juan de la Cruz en la mística. Este anticiparse a su época, adentrándose en las profundas interioridades del espíritu, se realiza en él, como escribe Mitjana, «por un instinto, por una intuición maravillosa; llevado por su potente genio, penetra en el elemento primordial de la música moderna, de la obra de arte del porvenir, o sea, la expresión musical de la vida interior». Instinto, intuición de los cuales es, sin embargo, bien consciente. Es justamente esta penetración del artista en un nuevo mundo espiritual la que alimenta su empuje de superación del clasicismo renacen- tista. La búsqueda de cimas más altas y aún inexploradas del expresionismo es para su alma de músico y de místico una impelente necesidad.

Como afirma A. CoIling, «música y mística son dos aberturas hacia el infinito», rara pero preciosa coinciden- cia, ya que «el misticismo auténtico es tan raro como el genio artístico y hace falta un concurso muy excep- cional de circunstancias psicológicas para que el encuen- tro de las dos facultades se realce en el mismo ser», y añade: «de Victoria se puede decir que su música es la música de la pureza mística»; en esto y por esto «rebasa a todos sus contemporáneos, por la fuerza y sobre todo por la pureza. No intentó esbozar una obra profana que proyectase su sombra sobre la obra sagrada. Nada impide en ella la ascensión de un alma que el cielo solicita incesantemente, su música es de una limpieza perpetua y absoluta. Comienza con el recogimiento, se eleva por acentos, insensible, hacia las más suaves polifonías y termina en el éxtasis, en el deliquio».

Su Oficio de la Semana Santa es la síntesis perfecta, la expresión acabada de todo lo dicho. Es música que está entre el cielo y la tierra; es el fruto de una humanidad (artista) que ha logrado entrever, por su profunda espiritualidad (místico), las inenarrables bellezas de lo divino. Es un homenaje del hombre a Dios y, a la vez, un don de Dios al hombre. La síntesis perfecta de este maravilloso dualismo es la que hace incomparable su obra. Bien significativa es, en este sentido, la intención de V. al dedicar la obra a la «... summa Deus Trinitas». Siéndo un homenaje directo a la Divinidad, parece natural que su alma sensibilísima le ofreciera el fruto que conside- raba más sazonado y auténtico. Estamos ante un compositor de raza, «músico de la sangre, de la piedad y del dolor» (Mitjana). Su música se caracteriza, como afirma Pedrell, por «la individualidad prepotente y soberana, inconfundible con ninguna otra, con subjetivos medios de expresión propios». Esto explica que algunos críticos de la época hayan clasificado su estilo de «demasiado español», o hablen de una música «con sangre mora» y lleguen incluso a definirla como «producto bastardo ítalo- español», o cosas por el estilo. Esta incomprensión da la justa medida de la grandeza y trascendencia de Victoria. Como tantas veces sucede en la historia, la crítica no logra encuadrar en sus esquemas habituales al artista y, al no aceptar ser superada por el genio, trata de clasifi- carlo utilizando comparaciones aproximativas y, en la mayor parte de los casos, peyorativas.

Las palabras certeras y proféticas del Epigráma que el oratorio Juvenal de Ancina, admirador y «ya de antiguo muy amigo suyo» , compuso para acompañar los Motetes que V. dedicó al príncipe Carlos Manuel de Sa- boya, servirán de colofón a esta semblanza crítica: «Victoria te dedica sus sagradas canciones... compuestas con arte admirable. Inspiradas para ti desde el cielo... son dignas de tus oídos... Si diez veces las oyeres, tanto más te gustarán. Príncipe, jea! , no desprecies al hombre al que la Roma piadosa ensalza como gloria inmortal de sus jóvenes maestros. Cuando llegue a la madurez, ¿qué se dirá de él? Tal es Victoria, ferviente siervo de Cristo, honra y prez de su Avila natal».

Las Obras Completas de V. las publicó, preparadas por F. Pedrell, Breikopf et Hartel (Leipzig 1902-13), en 8 vol. Mons. Anglés cuidó la nueva edición crítica, de la que se han publicado 4 vol. (Roma 1965-68, CSIC). Los títulos originales de las obras de V. son: Motecta(Venecia 1572), Liber I. Missae, Psalmos, Magníficat... aliaque complectitud (Venecia 1576), Cantica B. Virginis vulgo Magníficat... una cum quatuor Antiphonis B. Virg. per annum... (Roma 1581), Motecta, (Roma 1583 y Milán 1589), Hymni totius anni... una cum quatuor psalmis... (Roma 1581), Missarum Libri Duo... (Roma 1583), Offi- cium Hebdomadae Sanctae (Roma 1585), Motecta festo- rum totius anni, cum Communi Sanctorum (Roma 1585), Cantiones Sai:rae (Dillingen 1589), Missae Asperges et vidi aquam... Liber II (Roma 1592), Missae, Magníficat, Motecta, Psalmi et alia (Madrid 1600), Officium Defunc- torum... (Madrid 1605).


Su obra

Es toda ella religiosa y vocal. Destacan:

  • Officium defunctorum.
  • Officium hebdomadae sanctae.
  • 20 Misas, entre ellas: De Beata Maria Virgine, Ave maris stella, O magnum mysterium, Laetatus sum, Quam pulchri sunt, Trahe me post te.
  • 44 Motetes, entre ellos:
    • O vos omnes
    • Gaudent in coelis animae Sanctorum
    • O quam gloriosum est regnum
    • Vidi speciosam
    • Senex puerum portabat
    • Vadam et circuibo civitatem
    • O Magnum Mysterium
    • Quam Pulchri sunt
    • Ne timeas, Maria
  • 2 Pasiones: Passio secundum Joannem, Passio secundum Matthaeum.

La Muerte de Arturo

Publicado en Paranoias propias y gustos personales el 22 de Marzo, 2007, 17:46 por themackintoshman

Hace tiempo leí, con gran deleite, éste libro, en la edición de Siruela, prestado de la Biblioteca, y debería comprármelo....

Detalle de El último sueño de Arturo, pintura de Edward Burne-Jones
Detalle de El último sueño de Arturo, pintura de Edward Burne-Jones

El libro La muerte de Arturo (a veces publicado con el nombre Le Morte d'Arthur, y aparecido en su primera publicación y en algunas ediciones modernas como La mort d'Arthur) es la versión de Sir Thomas Malory sobre la historia del Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda, basada en varias leyendas inglesas y francesas.

Algunas partes del libro son material original de Malory, mientras que otras son las interpretaciones que Malory dio a historias anteriores. El libro fue publicado por primera vez en 1485 por William Caxton. Aunque no se trata de la obra más antigua sobre el género artúrico, La muerte de Arturo está entre las más conocidas. Ha inspirado obras como la novela de John Steinbeck Los hechos del rey Arturo y sus nobles caballeros, la obra Camelot, de T. H. White; y películas como Excalibur, de John Boorman, o, indirectamente, La espada en la piedra de Disney [1], entre otras obras.

 Antecedentes de la obra

Las historias del rey Arturo y los caballeros de la mesa redonda son ampliamente conocidas en el mundo, en gran medida gracias a los trabajos de los románticos ingleses del siglo XIX y a la obra de Richard Wagner. Estos trabajos están basados en las obras escritas que surgieron en Europa entre los siglos XII y XVI; los cuales a su vez se inspiraron en las historias que oralmente formaban parte del folclore medieval. Aunque el nombre de Arturo y referencias a su reinado se encuentran en antiguos manuscritos del siglo XI y principios del XII [2], los historiadores reconocen que la primera obra escrita donde aparecen personajes artúricos de una manera completa es la Historia Regum Britanniæ, escrita entre 1130 y 1136 por el historiador galés Godofredo de Monmouth [3]. Es probable que el escritor francés Chrétien de Troyes se haya inspirado en esta obra para sus relatos, que incluyen también a personajes artúricos. Entre las diversas obras de Troyes, la más famosa es probablemente la inconclusa Perceval, el Cuento del Grial. Troyes murió en 1190. A finales del mismo siglo, Robert de Boron escribió la trilogía Li livres dou Graal, donde las aventuras del rey Arturo y los caballeros de la mesa redonda alcanzan una configuración definitiva.

En el siglo siguiente, concretamente entre 1200 y 1210, Wolfram von Eschenbach retomó al caballero Perceval, para usarlo como personaje protagonista de su poema épico Parzival [4]. Hacia 1230, las leyendas artúricas fueron recopiladas en La Vulgata, también conocido como Lanzarote-Grial o Pseudo-map. El anónimo compilador de este ciclo afirma que se trata de testimonios recogidos de un manuscrito propiedad del rey Arturo, con las historias contadas tal y como las habían vivido sus protagonistas [5]. La Vulgata es un extenso ciclo de más de 2.800 páginas, que ocupa cinco volúmenes [6]. Durante los siguientes doscientos años, las pocas obras nuevas sobre las leyendas artúricas alcanzaron escasa relevancia histórica, con excepción de menciones por Dante y Bocaccio.

La identidad de Malory

Existe incertidumbre acerca de la verdadera identidad de Thomas Malory. La hipótesis generalmente más aceptada es que se trataba de Thomas Maleore, de Newbold Revell en Warwickshire [7], nacido a principios del siglo XV, quien sirvió con el conde de Warwick y luchó en Calais en 1436. De acuerdo a esta hipótesis, Malory pasó los últimos veinte años de su vida en prisión, condenado por varios asesinatos, o por un intento de asesinato y violación. Se cree que fue en prisión donde Malory escribió su obra literaria, aunque los historiadores encuentran dificultad en vincular a una personalidad literaria refinada, con la de un presunto asesino y violador. Otra hipótesis sugiere que Malory vivía en Yorkshire, pues el lenguaje con el que la obra fue escrita sugiere que el autor era del norte de Warwickshire [8].

Si las diferentes interpretaciones de la vida de Malory coinciden en algo, es en que Malory era un aristócrata que lamentaba el fin de las eras de caballería; y que efectivamente pasó un tiempo en prisión, donde probablemente escribió La muerte de Arturo. Si Malory estuvo en servicio militar en Francia, es probable que su obra fuera escrita cuando Malory fue capturado por Jacques d'Armagnac, quien tenía una vasta biblioteca sobre temas artúricos [9].

Malory nunca vio su obra publicada, pues murió catorce años antes de que Caxton la imprimiera por primera vez. De hecho, en el colofón de La muerte de Arturo, Malory solicita a los lectores que recen por su pronta liberación si es que aún no ha muerto; o que recen por su alma en caso contrario.

Diferentes ediciones a través de los siglos

Primera impresión de la obra

William Caxton imprimió la obra de Malory por primera vez en 1485. Al morir Malory, la obra se encontraba sin revisar, por lo que Caxton fue la primera persona que se encargó de hacer la revisión inicial, y la organización del texto. La edición fue tan popular, que, con algunos cambios y añadiduras, fue reimpresa en 1498, y nuevamente en 1529 por Wynkyn de Worde, el sucesor de Caxton en la misma imprenta.

Malory escribió su obra en forma de un ciclo bajo el título The hoole booke of kyng Arthur & of his noble knyghtes of the rounde table ("El libro completo del rey Arturo y sus nobles caballeros de la mesa redonda", en inglés del siglo XV). El título "La muerte de Arturo", se refería únicamente al último episodio del conjunto. Al imprimirlo y publicarlo, es probable que Caxton malinterpretara las intenciones del autor. Caxton dividió la obra en veintiún libros con un promedio aproximado de veinticuatro capítulos por libro, dando un total de 507 capítulos. Al inicio de cada capítulo y al final de cada libro, Caxton añadió también rúbricas que describían la acción. Además, escribió una introducción justificando la publicación, y describiendo la organización de la obra.

Sobreviven dos ediciones originales del texto de Caxton, una está alojada en la biblioteca John Rylands, de la Universidad de Manchester, Inglaterra; y la otra se encuentra en la biblioteca Pierpont Morgan, en Nueva York.

Reimpresiones hasta el siglo XIX

Durante los siguientes dos siglos, diferentes imprentas hicieron tres nuevas ediciones de la obra de Malory, en 1557, 1585 y 1634. En cada una de ellas se hicieron adiciones, se corrigieron errores previos, y también se incorporaron nuevos errores. Posteriormente, el libro fue relegado a un segundo plano hasta que el romanticismo del siglo XIX revivió el interés por los temas de la edad media. En 1816, hubo dos publicaciones independientes, ambas basadas en el texto publicado en 1634, conocido como la edición de Stansby. A partir de ese momento, se utilizaron mezclas de la edición original de Caxton, con la de Stansby, en las reediciones que precedieron al descubrimiento del manuscrito de Winchester.

El manuscrito de Winchester

Al catalogarse la biblioteca del Colegio de Winchester, en 1934, se descubrió un manuscrito que había permanecido oculto en el acervo. A la postre, este manuscrito resultó ser uno de los hallazgos más importantes hechos en el siglo XX sobre literatura medieval. El manuscrito de Winchester es una versión de La muerte de Arturo, que se considera más apegada al trabajo original de Malory que el texto de Caxton; aunque ambas obras derivan de forma independiente de una copia más antigua. Los exámenes microscópicos que fueron practicados al manuscrito mostraron que este provenía del taller de Caxton, ya que tenía restos de copias de algunas páginas impresas en el tipo de letra que Caxton utilizaba. A diferencia de la edición de Caxton, el manuscrito de Winchester no está dividido en varios Libros y capítulos (de hecho, Caxton se atribuye tal división, en el prefacio del libro).

El Colegio de Winchester
El Colegio de Winchester

Eugène Vinaver, profesor de Lengua y Literatura Francesas de la Universidad de Manchester, dio a conocer en 1947 una edición en tres volúmenes de la obra de Malory, basada en el manuscrito de Winchester. Vinaver acompañó la edición con el argumento de que Malory no había escrito un libro único, sino que en realidad se trataba de una serie de aventuras artúricas independientes, que no necesariamente debían ser coherentes entre sí. Vinaver llamó a su edición "Los trabajos de Sir Thomas Malory", aludiendo expresamente a la existencia de múltiples obras, que habían sido reunidas por iniciativa de Caxton. La hipótesis de Vinaver explicaba las discrepancias que había entre las diferentes secciones del texto de Caxton, y que antes habían causado inquietud entre los estudiosos. Sin embargo, el asunto de la cohesión de las partes nunca ha sido resuelto a satisfacción. De cualquier modo, el texto del manuscrito de Winchester hizo más asequible la obra, por lo que muchas de las publicaciones modernas se basan en Winchester, y no en Caxton. John Steinbeck, ganador del premio Nobel de literatura en 1962, manifiesta que, aunque el primer libro que tuvo en su vida fue una copia de la edición de Caxton, al conocer el manuscrito de Winchester décadas después, prefirió usar este último como fuente para su obra artúrica:

Después de tanto tiempo, hoy renuncio al Caxton de mi primer amor por el Winchester, que me parece más consustanciado con Malory. Mi gratitud al profesor Vinaver por hacer asequible el manuscrito Winchester — John Steinbeck, Los hechos del rey Arturo y sus nobles caballeros, Introducción, p. 12

Características

El papel de los caballeros en las batallas había decaído desde los siglos XII y XIII, pero fue tras las batallas de Crécy y de Agincourt, en la Guerra de los cien años, que los caballeros pasaron a ser protagonistas más frecuentes de la literatura, y no de la vida militar. Malory fue uno de varios autores que intentaron rescatar la imagen de los caballeros a partir de numerosas fuentes medievales, principalmente textos franceses. La nostalgia y la idealización de las eras de caballería es notoria en toda la obra, pero la característica distintiva de La muerte de Arturo es una prosa precisa, breve y escueta; que se aleja de las ideologías y alegorías que predominan en otros textos artúricos. Partiendo de un material tradicional rico en historias entrelazadas y alegorías religiosas, Malory creó una historia más ágil y dinámica; en la cual predomina el realismo, y los pasajes mágicos son solo complemento de la trama. Los detalles terrenales tienen más relevancia, al grado de que Malory le da importancia hasta al costo de las expediciones y de las aventuras de los caballeros. Éste último, junto con otros detalles que pueden parecer prosaicos, recuerdan que Malory era un militar, instruido y piadoso; pero no un docto estudioso de la leyenda artúrica.

Uno de los factores que más contribuyen a su relativo éxito es el estilo moderno utilizado para recontar material clásico, o, según Vinaver, el uso del misterioso poder del estilo, el único mérito inmortal en el mundo de los libros [10]. Malory prescinde de largas disquisiciones; es sencillo y rápido al describir, y conciso en su narración, concentrando el impacto dramático en los diálogos. Esto marca una gran diferencia con los textos artúricos disponibles en esa época. La mayoría eran textos franceses en verso, que sirven a Malory solamente como fuentes de información, y así son reconocidos por Caxton en su prefacio. En diversos pasajes de La muerte de Arturo, Malory advierte que tomó alguna información de lo que él llama "el Libro francés". No se ha precisado si esta alusión es a una única fuente, o más bien a una colección de libros en francés que sirvieron como base, muy probablemente a la obra de Chretién de Troyes.

Es claro que, cuando Malory recopiló información de diversas fuentes, intentó conciliar las versiones, a veces encontradas, sobre algunos detalles de la leyenda. Sin embargo, su logro fue solamente parcial, pues son notorias varias inconsistencias relativas a detalles sobre los personajes, su interrelación y los acontecimientos que los rodearon. En algunos casos, los estudiosos atribuyen estos errores a malinterpretaciones de Malory en la traducción. En otros, se trata probablemente de confusiones del autor al manejar la vasta cantidad de material disponible. Entre otros ejemplos, está el de Bagdemagus, un personaje que en el Libro II [11] es primo de Arturo. En el Libro VI, Lanzarote del Lago lucha por Bagdemagus, pero en el Libro X existe un odio no explicado entre ambos personajes. Posteriormente, la tumba de Bagdemagus es descrita en el Libro XVII, pero en el Libro XX, el caballero aún se encuentra vivo, aconsejando a Lanzarote como un amigo. Ejemplos como éste se repiten a lo largo de la obra.

Influencia

Ilustración de Gustave Doré para Los idilios del rey, de Lord Tennyson
Ilustración de Gustave Doré para Los idilios del rey, de Lord Tennyson

La muerte de Arturo es, en palabras de L. D. Benson, la única obra literaria inglesa escrita entre Chaucer y Shakespeare, que aún hoy en día es leída con renovado fervor y placer [12]. Esta obra ha sido, como muchas otras del género artúrico, reinterpretada y utilizada como fuente por artistas de diversas nacionalidades en siglos posteriores. Pasajes de La muerte de Arturo fueron reinterpretados por Lord Tennyson en su obra victoriana Los idilios del rey en 1859; aunque, consecuente con su momento histórico, Tennyson presenta a la leyenda del rey Arturo dominada por una visión moralista que está muy lejos del tratamiento de Malory [13]. Por esto, Los idilios del rey no es normalmente considerada como un fruto directo de La muerte de Arturo.

Más adelante, dos autores del siglo XX intentaron recrear el trabajo de Malory, pero con renovado estilo y un humor más moderno: John Steinbeck y T. H. White, quienes abiertamente reconocen en Malory su fuente de inspiración para sus obras artúricas. Además, algunos estudiosos han notado la influencia de Malory en autores como C. S. Lewis [14], autor de las Crónicas de Narnia; y T. S. Eliot [15], ganador del premio Nobel de Literatura en 1948.

Aunque las leyendas artúricas han aparecido en el cine numerosas veces, dos películas reconocen haberse inspirado directamente en La muerte de Arturo. La primera, Los caballeros del rey Arturo, fue rodada en 1953 por Richard Thorpe. La segunda, de 1981, es Excalibur, de John Boorman. De manera indirecta a través de la obra de T. H. White, La muerte de Arturo fue reflejada en otras dos películas: la película animada de Disney La espada en la piedra, dirigida por Wolfgang Reitherman, de 1963; y Camelot, de 1967, dirigida por Joshua Logan.

Sinopsis de La muerte de Arturo

Esta descripción de la obra sigue la división hecha por William Caxton en la edición de 1485. Los nombres de los lugares y personajes han sufrido algunas transformaciones con el tiempo y las traducciones a otros idiomas. Salvo indicación en contrario, este artículo utiliza los nombres empleados en la traducción al español de F. Torres Oliver, en la edición de La muerte de Arturo de Ed. Siruela, 1999. Al final de esta sección se ofrece una tabla con los nombres originales de los personajes y sus equivalentes en otras fuentes.

Prefacio de William Caxton a la edición original

William Caxton escribió un extenso prefacio, explicando su intención al imprimir La muerte de Arturo, y describiendo la organización en que el lector encontrará la obra. La presentación de Caxton es una alabanza al rey Arturo, al que glorifica mencionando su lugar entre los nueve hombres más destacados de la historia humana [16]. Este grupo de personajes consiste en tres paganos (Héctor de Troya, Alejandro Magno y Julio César), tres judíos (Judas Macabeo, David y Josué), y tres cristianos (Carlomagno, el rey Arturo y Godofredo de Bouillon). Caxton opina que, de entre los nueve, Arturo es el que merece más atención, por ser el único nacido en este reino, y de quien menos se ha ocupado la historia, ya que existen numerosas obras que cuentan las hazañas de los otros ocho [17]. Además, lamenta que la fama del rey Arturo haya alcanzado las tierras de ultramar más contundentemente que en las islas británicas, pues ya en esa época, era posible "encontrar más libros en neerlandés, italiano, español y griego, así como en francés". Caxton encuentra que esta omisión es grave, pero que se debe quizás a que el pueblo inglés nunca había tomado en serio la existencia de Arturo y lo había creído un ser mítico.

La mesa redonda de Winchester
La mesa redonda de Winchester

Quien crea que Arturo no existió, debe ser tratado como un necio y un ciego, pues hay muchas evidencias en contrario,...., se puede visitar su sepulcro en Glastonbury,...., las reseñas en el libro de Bocaccio De Casu Principum,...., su sello real en la abadía de Westminster,...., en el castillo de Dover podemos ver el cráneo de Gawain,...., en Winchester, la mesa redonda, y en otros lugares, la espada de Lanzarote y otras cosas, por lo que no hay hombre razonable que pueda negar que en esta tierra existió un rey llamado Arturo — Prefacio original de Caxton en la edición de Janet Cowen, pp. 4, 5.

Adicionalmente, Caxton justifica la obra impresa aduciendo un encargo de varios nobles y aristócratas anónimos que, conociendo el trabajo previo del impresor, le solicitaron "al instante" que editara la reseña de Arturo, sus nobles caballeros, el Santo Grial y la muerte de Arturo; y que esta historia era más digna de ser impresa que aquella de Godofredo de Bouillon o, para el caso, cualquiera de los otros ocho hombres magníficos [18]. A continuación se describen brevemente los 21 libros, que son reunidos en cuatro grupos por la temática abordada y los periodos históricos relatados; aunque Caxton en ningún momento hace la distinción.

Libros I al IV, Historia del Rey Arturo

En estos cuatro libros, también llamados Tale of King Arthur (Historia del Rey Arturo) [19], se narra un período de aproximadamente 20 a 25 años, y en ellos se sientan las bases para el resto de la obra. Malory vierte aquí la mayoría de los conceptos que giran alrededor de las leyendas artúricas, y que utilizará en el resto de la obra.

En el Libro I, compuesto de 27 capítulos, se relatan los orígenes de Arturo, su conversión en caballero, su coronación y su relación con otros reinos vecinos. El Libro I, por su importancia en sentar los cimientos del resto de la obra, tiene un lugar destacado. A continuación se expone el detalle de los hechos narrados en el libro mencionado.

Merlín, ilustrado en una miniatura francesa del siglo XIII.
Merlín, ilustrado en una miniatura francesa del siglo XIII.

Ya de entrada en el primer capítulo, se relata la guerra que Uther Pendragon, a la postre padre de Arturo, sostenía con el Duque de Tintagel en Cornualles. La fecha de los eventos no se menciona con precisión, simplemente se menciona que la acción transcurrió "en los días del rey Uther Pendragon, cuando este era rey de toda Inglaterra". En el transcurso de la guerra, ambos personajes se entrevistaron un día, y Uther se enamoró de Igraine, la esposa del Duque de Tintagel. La pareja, al enterarse, decidió huir de la corte de Uther y refugiarse en el castillo de Tintagel. Uther Pendragon los siguió hasta allí, y, a través de Sir Ulfius, un caballero de su corte, buscó la ayuda de Merlín [20] para "yacer con la duquesa" [21]. Merlin accedió a ayudar a Uther, con la condición de recibir a la criatura que sería engendrada de la unión entre Uther Pendragon y la Duquesa de Tintagel. Entonces, Merlín profirió un encanto que transformó la apariencia de Uther Pendragon en el Duque de Tintagel; y la apariencia del mismo Merlín y de Sir Ulfius en dos caballeros cortesanos de Tintagel. Los tres personajes disfrazados cabalgaron diez millas hasta el castillo donde se encontraba la Duquesa. Mientras llegaban a su destino, el verdadero Duque de Tintagel murió en una batalla al salir de su castillo, y tres horas después Uther Pendragon consiguió su objetivo, engendrando a Arturo. Cuando Igraine supo de la muerte de su marido, se preguntó quien había podido tomar su lugar esa noche. Uther le confesó la verdad y la llevó a su corte. Igraine fue de este modo reina de Inglaterra [22]. Cuando Arturo nació, fue entregado a Merlín, quien a su vez lo entregó a Sir Héctor y su esposa para que lo criaran.

Tras la muerte de Pendragon, la incertidumbre dominó al país al estar vacío el trono. A través del Arzobispo de Canterbury, Merlín convocó a todos los Señores y Caballeros del reino, a que acudieran a Londres en navidad, cuando se les revelaría un milagro divino que señalaría al justo heredero del trono. En la iglesia más grande de la ciudad [23] apareció entonces la mítica espada en la piedra que solamente podía ser extraída de su base por aquél destinado a ser el rey de Inglaterra. Arturo fue quien consiguió extraer la espada, casi casualmente, en el día de año nuevo, cuando se realizaba un torneo en las cercanías donde participaba Sir Kay, hermanastro de Arturo [24].

WHOSO PULLETH OUT THIS SWORD OF THIS STONE AND ANVIL, IS RIGHTWISE KING BORN OF ALL ENGLAND — Leyenda en la piedra

El Libro II se enfoca en las aventuras de Sir Balin, un caballero de la corte de Arturo, desde su participación en la batalla del Castillo de Terrabil (donde Arturo consolidó su dominio sobre el país), hasta su muerte junto con su hermano Balan. El Libro II consta de 19 capítulos. En el Libro II, Malory menciona por primera vez a Camelot y a la Mesa Redonda por sus nombres; y por primera vez en la obra aparecen la Dama del Lago, Sir Lanzarote del Lago y Sir Tristán. También en este libro, Arturo recibe a Excalibur, como un regalo de la Dama del Lago, quien a continuación es decapitada por Sir Balin, debido a una disputa familiar. En el Libro III, compuesto de 15 capítulos, el rey Arturo decide tomar una esposa, para lo cual escoge a Ginebra. El Libro narra la boda, y la constitución formal de los Caballeros de la Mesa Redonda, que en ese momento suman veintiocho [25]. En el mismo Libro, Gawain y Tor son también ordenados caballeros. En el Libro IV, Merlín es sepultado vivo por Nimue, una Damisela del Lago [26]. Arturo se enfrenta por primera vez a la Reina Morgana [27], quien aparece cuando Merlín ya no está presente. El Libro IV está compuesto de 28 capítulos.

Libros V al XII

El Libro V comienza unos 15 a 20 años después del final del Libro IV. Se cree que el Libro V fue el primero que escribió Malory [28]. Compuesto únicamente de 12 capítulos, este libro dibuja a Arturo como un heroico personaje militar de grandes proporciones, pues lo confronta directamente con el Imperio Romano. El resultado de esta confrontación es la conquista de Roma por parte de Arturo.

Al comenzar el libro, el emperador Lucius [29] envía a doce embajadores a la corte del rey Arturo, para exigirle sumisión a Roma, tal y como habían hecho sus antecesores en el trono. Los embajadores amenazan con la guerra, en caso de que Arturo rehúse. Una vez a solas con sus Caballeros de la Mesa Redonda, Arturo decide enfrentar militarmente a Roma, y comienza a reunir un ejército para marchar hacia Italia. En su ausencia, dejó a Sir Constantine y a Sir Baudwin a cargo del reino [30]. Arturo desembarcó en Flandes, y sostuvo varias batallas con los romanos en territorio francés. En París, el rey Arturo se enfrentó finalmente con Lucius. El ejército inglés derrotó al romano, que estaba apoyado por un ejército de sarracenos, y después el rey y el emperador se enfrentaron personalmente. En el combate, este último llevó la peor parte, muriendo tras un golpe de la espada Excalibur. Tras vencer a Lucius, Arturo entró en Roma y se hizo coronar emperador por el Papa.

El Libro VI es también conocido como "La noble historia de Sir Launcelot", y relata, en 18 capítulos, las aventuras de Lanzarote del Lago. El caballero salió de la corte un día con el propósito de buscar aventuras, acompañado de Sir Lionel. Después de un tiempo no especificado donde participa en torneos, mata gigantes y auxilia damiselas en desgracia; Sir Lanzarote vuelve a Camelot dos días antes de la fiesta de Pentecostés, y relata sus aventuras. Gracias a esas aventuras, Lanzarote gana renombre como el más grande caballero en el mundo. El Libro VII, conocido como "La historia de Sir Gareth", consta de 35 capítulos. El libro relata las aventuras de un aventurero sin nombre que se presentó a la corte del rey Arturo, donde fue llamado Beaumains [31] por Sir Kay, quien lo empleó como ayudante de cocina en la corte. Después de un año, una damisela acudió a la mesa redonda, pidiendo el auxilio de un caballero. Beaumains fue armado caballero por Sir Lanzarote, y partió con la damisela, quien tardó en tomar en serio al caballero recién armado, por su pasado como ayudante de cocina. Tras diversas aventuras, Beaumains revela su verdadero nombre, Sir Gareth de Orkney, y es admitido como un caballero más de la mesa redonda.

Sir Galahad, por G. F. Watts.
Sir Galahad, por G. F. Watts.

El Libro VIII, podría ser una obra independiente por sí misma. Relata, en 41 capítulos, la historia de Sir Tristán de Liones, desde su nacimiento hasta su matrimonio con La Beale Isoud. Fragmentos de esta historia reaparecen en la ópera Tristán e Isolda, de Wagner, aunque ésta no fue su fuente primaria de inspiración. El hecho de que Tristán ya hubiera aparecido como adulto en los libros II y VII no parece afectar la fluidez de la narración.

La corte del rey Arturo vuelve a ser el escenario principal en el Libro IX, que divide a sus 43 capítulos para narrar las aventuras de Tristán, Sir Palomides y Breunor le Noire, apodado La Cota mal Cortada [32]. La acción del Libro X arranca inmediatamente después de los hechos narrados en el libro predecesor; durante un torneo organizado por Arturo, donde Sir Tristán lucha con un escudo que obtuvo como regalo de Morgana. Con 88 capítulos, el libro X es el más largo de todos, y dedica también parte de sus páginas a Sir Palomides y Sir Lanzarote.

Los Libros XI y XII, ambos de 14 capítulos cada uno, giran alrededor de Sir Lanzarote, y los años que pasó en el castillo del rey Pelles. Durante esos años, Elaine, la hija de Pelles, engaña con magia a Lanzarote, y conciben a Galahad, quien estaba destinado a tener un lugar más prominente en la caballería que el de su padre. Por primera vez, se habla a detalle del Santo Grial (Sangrail), el cual estaba en custodia de Pelles, quien era pariente de José de Arimatea. Pelles permite que Lanzarote vea al Grial y se beneficie de sus poderes curativos. Sin embargo, Lanzarote no puede tocar al Grial, ya que ese honor estaba reservado para un caballero más puro que él. Lanzarote se retira a vivir a la Isla Gozosa [33] cambiándose el nombre por Le Chevaler Mal Fet [34]. Acompañado por Elaine y un séquito de veinte doncellas, Lanzarote permanece en el exilio varios años (toda la infancia de su hijo) hasta que Ginebra lo manda buscar, a través de Sir Perceval y Sir Héctor de Maris [35].

Libros XIII al XVII, la Demanda del Santo Grial

Estos cinco libros relatan la búsqueda del Santo Grial, propiamente dicha; la cual dura aproximadamente cinco años. Hasta este momento, el Grial ha aparecido en la narración como un objeto misterioso y prácticamente inaccesible, el cual fue visto por Sir Lanzarote brevemente en el pasado. Es hasta el Libro XIII, de 20 capítulos, que la aventura de encontrar el Grial es formalmente emprendida por los caballeros de la mesa redonda. En este libro, Galahad ha cumplido quince años, y es armado caballero por su padre. Ambos se reunen con la corte del rey Arturo, y Galahad ocupa el asiento peligroso en la mesa redonda.

En el Libro XVI, Sir Bors se ve en el dilema de rescatar a Sir Lionel (desnudo sobre el caballo blanco, a la izquierda) o a una doncella en peligro.
En el Libro XVI, Sir Bors se ve en el dilema de rescatar a Sir Lionel (desnudo sobre el caballo blanco, a la izquierda) o a una doncella en peligro.

Cuando Arturo vio que el asiento peligroso había sido ocupado sin que el ocupante muriera, entendió que había llegado el momento de buscar el Santo Grial. El rey convocó entonces a un torneo en Winchester para celebrar el comienzo de la aventura. En las justas que sostuvo en el torneo, Galahad venció a todos los caballeros, con excepción de Perceval y Lanzarote. Tras el torneo, la Demanda del Santo Grial comenzó con los votos que cada caballero hizo de no volver sin haber encontrado al Grial. Galahad obtiene un escudo que perteneció a José de Arimatea, y Lanzarote tiene una visión donde aparece el Grial.

El Libro XIV, de diez capítulos, narra las primeras aventuras de Sir Perceval, tras haber emprendido la Demanda del Grial. En el bosque, Perceval está cerca de caer en el pecado al ser seducido por una aparición del diablo. Sin embargo, su conciencia lo salva de pecar en el último instante. Los seis capítulos del Libro XV, y los 17 del Libro XVI, relatan las aventuras de varios caballeros; entre ellos Lanzarote, Gawain, Bors y Lionel.

El Libro XVII, que consta de 23 capítulos, representa la culminación de la Demanda del Santo Grial. Tras haber seguido diversas aventuras cada uno por separado, los caballeros Perceval, Bors y Galahad se encuentran dentro de un barco que los lleva a la tierra de Logres; y ahí abordan un segundo barco, con la guía de la hermana de Perceval. Una vez a bordo, supieron que la nave había sido construida siglos antes por el rey Salomón, quien dejó la espada de David en su interior, aguardando al último de su linaje [36]. El barco los lleva a tierras no especificadas, donde los tres caballeros, siempre acompañados por la hermana de Perceval, corren varias aventuras en bosques y castillos. La hermana de Perceval muere desangrada en una de tales aventuras, y Galahad reencuentra a su padre Lanzarote. Padre e hijo se separan nuevamente para continuar con la búsqueda del Grial, que se encuentra en Carbonek, castillo del rey Pescador. Lanzarote es el primero en llegar al castillo, y después de ver brevemente al Grial, cae en estado de inanimación durante veinticuatro días, por lo que se lo cree muerto. Al recobrar la conciencia, Lanzarote regresa a Logres, pues antes de perder el conocimiento, una voz le había dicho que no le estaría permitido acercarse más al Grial.

Galahad, Perceval y Bors llegaron a Carbonek cuando Lanzarote ya había partido. En el castillo, los tres caballeros se alimentan del Santo Grial. Galahad sana al rey Tullido, siguiendo las instrucciones de José de Arimatea, quien aparece en forma de visión. Al volver al barco de Salomón, encuentran dentro al Grial nuevamente, y son trasportados hasta la tierra de Sarras. Allí, Galahad fue coronado rey, y ante otra visión, esta vez del hijo de José de Arimatea, Galahad decide entregar su alma, que es recogida por ángeles y llevada al cielo. Tras lamentar la pérdida de su compañero, Perceval deja las armas y se convierte en ermitaño en Sarras, donde muere un año después. Sir Bors regresa entonces a Camelot para relatar la historia, y poner fin a la Demanda del Santo Grial.

Galahad, Perceval y Bors encuentran el Santo Grial; pintura de Edward Burne-Jones.
Galahad, Perceval y Bors encuentran el Santo Grial; pintura de Edward Burne-Jones.

Libros XVIII al XXI

Los libros finales de la obra, relatan la caída final del reino. La acción del Libro XVIII comienza casi inmediatamente después del retorno de Sir Bors y Sir Lanzarote, y el regocijo causado en la corte por el hallazgo del Santo Grial y el fin de la aventura. En seguida, Sir Lanzarote cae enamorado nuevamente de la reina Ginebra, esta vez con más fervor que antes. Los 25 capítulos del libro narran las hazañas de Lanzarote, incluyendo el cómo salva a la reina Ginebra de ser ejecutada, acusada de traición y asesinato. En el Libro XIX, Ginebra es capturada por Sir Meliagaunt cuando aquella salió a recoger flores. Meliagaunt sentía amor por la reina desde hacía años, pero nunca se había atrevido a acercarse por temor a Lanzarote, el Caballero de la Carreta [37]. Aunque Ginebra salió escoltada por diez caballeros de la mesa redonda, los caballeros de Meliagaunt los duplicaban en número, así que son capturados junto con Ginebra. Sir Lanzarote es quien llega a rescatar a la reina, matando a Meliagaunt. El Libro XIX consta de trece capítulos.

En los dos libros finales, el reino ha entrado en la espiral de su destrucción. En los 22 capítulos del Libro XX, Sir Agravain, apoyado por Sir Mordred, manifiesta su descontento por el adulterio vivido entre la reina y Lanzarote. Agravain habla al respecto con Arturo, y le propone emboscar a Lanzarote para encontrarlo en flagrancia. Así lo hicieron, sorprendiendo a Lanzarote y a la reina en pleno "acto amoroso" [38]. Lanzarote se armó para combatir con lo que tenía a disposición, consiguiendo matar a Agravain y a doce caballeros. Sir Mordred consiguió escapar, herido. Al llegar Mordred a Camelot, relató al rey la suerte de Agravain y los demás, y de la traición de Ginebra y Lanzarote. Arturo entonces declaró la guerra en contra de Lanzarote, y llevó a su ejército a asediar el castillo de su enemigo. El Papa intercedió en el conflicto, y Lanzarote partió a Francia acompañado de numerosos caballeros, entre ellos sus primos Sir Bors y Sir Lionel. Arturo fue en su persecución, dejando a Mordred a cargo del reino, con el título de gobernador principal de toda Inglaterra.

Batalla final entre Arturo y Mordred, obra de Arthur Rackham
Batalla final entre Arturo y Mordred, obra de Arthur Rackham

Mordred aprovecha la oportunidad para usurpar el trono, y al principio del Libro XXI, hace correr el rumor de que Arturo había muerto en combate. En consecuencia, hizo nombrar a un parlamento nuevo, y se hizo elegir rey. Después, intentó casarse con la reina Ginebra, aunque esta consiguió escapar para refugiarse en la Torre de Londres. Cuando Arturo se enteró de lo que Mordred hacía en su reino, se vio obligado a retirarse de la guerra que sostenía contra Lanzarote. Mordred lo aguardó en Dover para evitar que desembarcara; los ejércitos se enfrascaron en una batalla donde murió Sir Gawain, sobrino de Arturo. Mordred y su ejército huyeron a Canterbury. Mientras Arturo lo buscaba infructuosamente, Mordred reclutó muchos caballeros. Los dos personajes se encontraron en Salisbury, donde tuvo lugar la batalla final entre ambos [39]. La noche anterior a la batalla, Arturo había soñado que Gawain le pedía no luchar con Mordred, pues ello le traería su propia muerte. En ese sueño, Gawain le aseguró que Mordred sería derrotado por Lanzarote en un mes, y Arturo recobraría su reino. Arturo pactó entonces una tregua con Mordred, y se reunió para debatir con él. Desafortunadamente, uno de los caballeros que atestiguaban la reunión, desenvainó su espada para matar una víbora. Las huestes de ambos lados pensaron que ésa era una señal para el comienzo de la lucha, y se lanzaron a la carga, desencadenando la batalla no deseada por el rey. En el combate final del rey Arturo, éste atraviesa el cuerpo de Mordred con su lanza. Mordred, agonizante, avanza sobre la lanza y consigue asestar un golpe mortal al rey. Con la ayuda del caballero Sir Bedevere, el moribundo rey Arturo envía la espada Excalibur al fondo de un lago, donde una mano surge del agua y recibe la espada. En seguida, Bedevere sube al rey a una barca que lo transportará a la isla de Avalón, donde intentarán sanar su herida. Más tarde, Sir Bedevere encuentra una tumba sin nombre cerca de Glastonbury, y sospecha que quien allí está enterrado es el rey Arturo.

El libro termina relatando el destino de Ginebra, quien antes de morir, se retira a un convento; y el de Lanzarote, quien retorna a Inglaterra para enterarse de lo sucedido, y se convierte en ermitaño. El Libro XXI está dividido en trece capítulos.

Here is the hoole book of king Arthur and of his noble knyghtes of the Rounde Table, that whan they were hole togyders there was ever an hondred and forty. And here is the ende of The Deth of Arthur. — fragmento del colofón, se encuentra solamente en la copia conservada en la Biblioteca Pierpont Morgan.

Los personajes

En la tabla siguiente se listan algunos de los personajes principales de La muerte de Arturo, así como los nombres equivalentes que han sido utilizados en diversas obras artúricas.

Solamente se listan aquellos de gran relevancia, o aquellos cuyos nombres pueden dar lugar a confusiones.

Nombre original en
La muerte de Arturo
[40]
Nombre utilizado en la
traducción al español
[41]
Otros nombres con que
se conoce al personaje
[42]
Descripción
Arthur Arturo Artús, Artu Rey de Inglaterra
Merlin Merlín Merlinus, Myrddin, Merlinus Ambrosius Mago y curandero, tutor de Arturo
Launcelot du Lac Lanzarote del Lago Lancelot du Lake Caballero de la mesa redonda
Guenever Ginebra Gwenhwyvar Esposa de Arturo
Uther Pendragon Uther Pendragon Uterpandragón, Uthr Padre de Arturo
Gawain Gawain Galván, Galvaginus Sobrino de Arturo, Caballero de la mesa redonda
Galahad Galahad Galaz Hijo de Lanzarote, Caballero de la mesa redonda

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